Biographie.

Max Goldmann naît dans une famille de commerçants juifs ruinés. Sa carrière d'acteur commence en 1890, dans un petit théâtre des environs de Schönbrunn. Il décide d'adopter le pseudonyme de Max Reinhardt pour se protéger de l'antisémitisme, particulièrement virulent en Europe à cette époque. Il est d'abord reconnu pour ses interprétations de personnages de vieillards : « Ces rôles me convenaient tout à fait. Je pouvais cacher ma timidité derrière une grande barbe blanche ». En 1893, il est engagé au Théâtre municipal de Salzbourg et y interprète près de cinquante rôles en six mois, avant d'être repéré par Otto Brahm. À l'automne 1894, il quitte l'Autriche pour Berlin où intègre la troupe du Deutsches Theater, dirigée depuis peu par Brahm. Il y obtient ses premier succès de comédien. À partir de 1895, il tourne en été dans les capitales d'Europe de l'Est (Vienne, Prague, Budapest) avec la Secessionsbühne (La Scène sécessionniste), une organisation fondée par de jeunes acteurs berlinois.  De 1902 jusqu'à l'arrivée des nazis au pouvoir, en 1933, Max Reinhardt réalise des mises en scène pour divers théâtres berlinois. Il dirige le célèbre cabaret satirique "Schall und Rauch" avec la complicité du poète Christian Morgenstern. De 1905 à 1930 il dirige également le Deutsches Theater à Berlin. De 1915 à 1918, il est le premier intendant de la Volksbühne am Bülowplatz (aujourd'hui am Rosa-Luxemburg-Platz) et de 1924 à 1933 du Theater in der Josefstadt à Vienne. Par des mises en scènes pleines de puissance et une interaction précise entre la scénographie, la langue, la musique et la danse, Reinhardt donne un nouvel essor au théâtre allemand. En 1920, il fonde le Festival de Salzbourg avec Richard Strauss et Hugo von Hofmannsthal.  En 1914, il fut un des signataires du Manifeste des 93 et manifesta son soutien au gouvernement allemand. Le flou de sa nationalité austro-hongroise dans une Allemagne en guerre l'obligeait à tenir une position sans équivoque, face aux attaques nationalistes et antisémites. Envoyé en tournée dans les pays neutres par le Ministère des affaires étrangères, Reinhardt ne se limite pas au répertoire allemand et prend ses distances à l'égard du patriotisme barbare de la Première guerre mondiale.  Il est invité aux États-Unis en 1912 pour monter "Sumurun" de Friedrich Freska, et en 1924 pour "Das Mirakel" de Karl Vollmöller. En 1934, il crée son festival californien, marqué par la mise en scène du "Songe d’une nuit d’été" de Shakespeare, dansé par Nini Theilade, qui donne lieu au film de la Warner Brothers en 1935. En 1936-1937, il fait plusieurs séjours à New York pour préparer "The Eternal Road" de Franz Werfel, pièce qui raconte sous forme allégorique le destin du peuple juif et les persécutions.  Après la prise de pouvoir des nazis, il s'exile en Angleterre en 1938, puis aux États-Unis où il connaît un grand succès.

Œuvre.

Max Reinhardt initie et participe à la réforme du théâtre européen après la Première guerre mondiale. Comme Craig, il revendique le rôle capital de la mise en scène et son autonomie. Il tient à la faire sortir de l'ombre de la littérature et du texte. Reinhardt est également très attaché au rôle du comédien, qu'il souhaite mettre au centre de la performance théâtrale. Comédien de formation, et reconnu comme un excellent acteur, ses maîtres en la matière sont Shakespeare et Molière. Il met très régulièrement en scène leurs œuvres, et s'inspire de Molière pour former un art de l'acteur qui intègre la danse, le chant et la pantomime à parts égales avec le texte. Le triple rôle de l'écriture dramatique, du jeu et de la mise en scène doit constituer pour lui le socle fondamental de la création au théâtre. En cela, Reinhardt s'éloigne de Craig et de sa volonté d'atteindre la suppression du comédien.  Max Reinhardt forge sa conception moderne du théâtre dès ses premières années en Autriche et à Salzbourg. À Vienne, il fréquente le Burgtheater et découvre l'hypnose et la suggestion en suivant les cours du psychiatre Richard von Krafft-Ebing. Arrivé à Berlin, il se familiarise avec l'œuvre de Friedrich Nietzsche (dont le concept de volonté de puissance le marque particulièrement), s'intéresse à Richard Wagner et ses expérimentations d'œuvre d'art totale au Festival de Bayreuth. Habitué à assister aux spectacles depuis le dernier rang du poulailler, il imagine une esthétique théâtrale où la vue, l'ouïe et surtout l'imagination sont constamment sollicités. Cela le conduit à particulièrement lier la musique au théâtre.  Au début de sa carrière à Berlin, Max Reinhardt entre en contact avec les deux mouvances artistiques en vogue à l'époque : le naturalisme d'une part, et les mouvements d'avant-garde d'autre part, qui se construisent contre le naturalisme (l'impressionnisme, le symbolisme, le groupe Jeune Vienne). De formation naturaliste, il privilégie par la suite l'avant-garde. Ainsi, plusieurs pièces d'Arthur Schnitzler, de Frank Wedekind et d'Hugo von Hofmannsthal sont créées au Deutsches Theater sous la direction de Reinhardt.  Durant sa carrière, il explore les possibilités scéniques offertes par les innovations technologiques et les inventions de Mariano Fortuny, notamment pour les décors et les lumières. Adepte des scènes circulaires et mobiles, des cyloramas et du théâtre immersif, Reinhardt cherche à produire un effet d'émerveillement pour les sens et l'imagination. Il privilégie un théâtre de masse, destiné à un très grand nombre de spectateurs, provenant de classes sociales variées. Pour lui, le théâtre doit accompagner les changements sociaux de son temps et ne pas être réservé à une élite conservatrice. Il crée ainsi une forme théâtrale moderne et métropolitaine, décrite comme un théâtre festif et religieux pour les masses.  Après le succès de la forêt tournante d'"Un songe d'une nuit d'été", le critique théâtral Henry Bidou écrit que Reinhardt a fait du théâtre, « qui était un art à deux dimensions, un solide à trois dimensions. La scène était un tableau, il en a rompu le cadre, enfoncé le fond, solidifié les décors ; il y a orienté en tous sens la lumière et les mouvements ».

Les grandes mises en scène.

"Œdipe roi" de Sophocle adapté par Hugo von Hofmannsthal, au cirque Schumann à Berlin en 1910.

« La piste correspond à l’"orchestra" du théâtre grec et des marches mènent à une façade de palais précédée d’un péristyle de six colonnes et d’une plate-forme ; un cube encastré dans ces marches rappelle l’autel qui se trouvait dans l’"orchestra" grec ; les spectateurs entourent aux trois quarts les aires de jeu et sont donc près des acteurs ; Max Reinhardt fait, comme l’écrit Stern, éclater le cadre de la scène. Le début de la pièce est très spectaculaire : de nombreux figurants qui représentent les Thébains sortent de passages souterrains et supplient Œdipe d’écarter de la ville le fléau. Celui-ci apparaît dans une lumière solaire, symbole de la royauté, et descend vers eux. Après son départ, le chœur arrive à pas mesurés et son allure tranquille contraste avec la brutalité de l’irruption du peuple. Le jeu des acteurs compte moins dans cette immense salle que leur aptitude à s’imposer au public. Paul Wegener a la force nécessaire dans le rôle d’Œdipe ; Tilla Durieux, l’interprète de Jocaste, joue un peu trop nerveusement, mais elle est très décorative. Cette représentation remporte un grand succès, mais on reproche parfois à Max Reinhardt d’avoir noyé Sophocle dans sa mise en scène. »

"Jedermann" d'après "Everyman", adapté par Hugo von Hofmannsthal, au Festival de Salzbourg en 1920.

« Après avoir fait éclater la scène traditionnelle, [Max Reinhardt] s’évade d’un lieu fermé et cherche un cadre de plus en plus large. "Jedermann" raconte l’histoire d’un mauvais riche, avide de plaisirs ; il finit par se repentir et est sauvé. Max Reinhardt le donne le sur la place de la cathédrale pour ouvrir le festival. La cathédrale a une façade en marbre blanc ; les bâtiments de la Résidence et du bordent la place sur deux côtés. Le regard porte sur les hauteurs voisines, le "" et la colline sur laquelle est bâtie la forteresse de "Hohensalzburg". Max Reinhardt installe deux podiums juste devant la cathédrale. On accède au premier par sept marches et deux plans inclinés. Un autre podium se trouve derrière, un peu plus haut ; il est relié à l’entrée de la cathédrale par une étroite passerelle et muni d’une trappe. Les spectateurs sont assis sur des gradins. Les personnages réels, Jedermann, ses amis et sa maîtresse, viennent des arcades qui bordent la place et montent sur le premier podium. Les figures allégoriques sortent de la cathédrale et jouent sur le second ; la Mort sort de la trappe et le Diable vient du public, comme au Moyen Âge. La représentation commence à 17 heures. Les scènes du début qui montrent les appétits terrestres de l’homme se déroulent en pleine lumière. L’ombre des bâtiments environnants commence à s’étendre sur la scène lorsque les puissances surnaturelles se manifestent. Le soir tombe au moment de la mort de Jedermann. Des appels « Jedermann, Jedermann » viennent de la forteresse et de la tour de l’église des Franciscains et retentissent sur la ville. Les cloches sonnent quand Jedermann descend dans sa tombe. La ville participe à la représentation et les spectateurs ont l’impression de vivre la pièce. »

"Le Songe d'une nuit d'été" de William Shakespeare, au jardin de Boboli à Florence en 1933.

« La représentation a lieu le soir. Les spectateurs sont installés devant une large allée qui s’élève par paliers entre des massifs d’arbres. Un grand bassin, la fontaine de Neptune, se trouve sur le second palier. Reinhardt transforme la nuit réelle en nuit de Shakespeare grâce à une habile utilisation des projecteurs et crée une atmosphère surnaturelle; les bruits du jardin se mêlent à la musique de Mendelssohn ; des kobolds sortent des bosquets et des elfes dansent, Puck et les fées s’envolent. Les costumes Renaissance sont somptueux et le jeu des acteurs italiens très vif. »

"Le Marchand de Venise" de William Shakespeare, sur le Campo San Trovaso à Venise en 1934.

« La ville réelle et la ville imaginaire ne se distinguent plus. Les spectateurs sont installés sur une place tranquille, le Campo San Trovaso, devant un canal, le Rio Ognisanti ; les bâtiments situés sur l’autre rive servent de décor. Le porche majestueux de l’église Saint-Gervais et Saint- Protais est censé être celui du palais de Portia et une maison assez modeste louée par Reinhardt représente celle de Shylock ; des gondoles glissent sur le canal. Un pont relie les deux rives ; les acteurs le franchissent pour venir devant les spectateurs. L’acteur italien Benassi joue Shylock comme un juif persécuté qui est poussé dans sa tanière et dont la douleur se manifeste d’une manière grotesque. »

Salles de théâtre.

À partir de 1901, Max Reinhardt fait l'acquisition de plusieurs salles de théâtre à Berlin, souvent aidé par ses compagnons et des mécènes. Il transforme systématiquement les salles et les scènes, afin de disposer d'un archipel de lieux aux usages spécifiques. Il développe ce projet dans son premier programme esthétique, « "Le théâtre tel que je l'imagine" », en 1902. Une grande scène devra être utilisée pour les classiques, une plus petite et plus intime pour le théâtre de chambre des auteurs modernes, et enfin une scène en forme d'amphithéâtre, qui fait office de « maison festive » pour un théâtre de masse.  Après la guerre, Reinhardt fait l'acquisition du Theater in der Josefstadt à Vienne en 1924, qui devient l'équivalent de son théâtre de chambre berlinois. Il étend ensuite son empire à Berlin en devenant propriétaire du Theater am Kurfürstendamm, du Berliner Theater et du Theater am Nollendorfplatz. Après l'arrivée au pouvoir des nazis en 1933, il abandonne la propriété de ses théâtres au peuple allemand.

Distinctions.

Max Reinhardt reçoit le titre de docteur "honoris causa" des universités de Francfort-sur-le-Main et de Kiel en 1930, et d'Oxford en 1933. Il est fait membre d'honneur de la Société allemande d'histoire du théâtre en 1933. L'Autriche lui attribue le titre de "professeur" en 1925. Il est fait chevalier de l'ordre national de la Légion d'honneur par la France en 1912 et chevalier du grand-cordon par l'Italie en 1935.  Le, le Friedrichstadt-Palast a érigé solennellement en l'honneur de ses fondateurs Max Reinhardt, Hans Poelzig et Erik Charell, le monument de la Friedrichstraße 107.

Max Reinhardt ( à Baden - à New York), de son vrai nom Max Goldmann, est un acteur, metteur en scène de théâtre et réalisateur, de nationalité autrichienne puis américaine. Considéré comme l'un des pères de la mise en scène avec Edward Gordon Craig et Adolphe Appia, il a été au début du XXème siècle à la tête d'un vaste empire théâtral (théâtres, cabarets, écoles) en Allemagne et en Autriche.

Max Reinhardt (September 9, 1873 – October 30, 1943) was an Austrian-born theatre and film director, intendant, and theatrical producer. With his innovative stage productions, he is regarded as one of the most prominent directors of German-language theatre in the early 20th century. In 1920, he established the Salzburg Festival with the performance of Hofmannsthal's "Jedermann".


Description.

Les Pinacées sont des arbres sempervirents, à l'exception des mélèzes ("Larix" et "Pseudolarix") dont les feuilles sont caduques. Un petit nombre d'entre eux sont des arbustes. Ils contiennent de la résine et ont souvent une odeur particulière due à des carbures monoterpéniques, les pinènes qui jouent un rôle dans la défense des arbres contre les herbivores. Selon les espèces, leur écorce peut être lisse, sillonnée ou bien écailleuse.  De manière générale, ils ont des racines ligneuses et des racines fibreuses. Les racines ligneuses se terminent la plupart du temps par une extrémité fine, non-ligneuse et couverte d'ectomycorhizes, qui a une durée de vie d'au plus un an.  Les feuilles sont en forme d'aiguilles, et sont insérés en spirale ou en touffe. Leur situation sur l'arbre diffère selon les genres. Elles peuvent être situées uniquement sur les rameaux longs, à la fois sur les rameaux longs et courts, ou bien sur les rameaux longs dans le jeune âge et sur les rameaux courts ensuite. . Il se trouve sur l'île de Vancouver...

Historique et aire de répartition.

Son aire de répartition se trouve majoritairement dans l’hémisphère nord. Elles s'étendent vers le sud jusque sur les îles des Caraïbes, en Amérique centrale, au Japon, en Chine, en Indonésie (une essence, le Pin de Sumatra, traverse l'équateur à Sumatra), dans l'Himalaya et en Afrique du Nord..  Les Pinacées dominent la végétation sur de larges zones. En Amérique du Nord, ils dominent les régions boréales et pacifiques, les chaînes de montagnes de l'ouest et les plaines côtières au sud. Certaines espèces (par exemple le pin de Monterey en Australie, Nouvelle-Zélande, en Amérique du Sud et en Afrique subsaharienne) sont cultivés par un grand nombre de personnes à travers le monde pour la production de bois.

Systématique.

Les Pinacées sont répartis en 11 genres au sein de quatre sous-familles :

Reconnaître le sapin, l'épicéa et le pin.

Ces critères n'ont pas de valeur absolue. Ainsi, les aiguilles de l'épicéa de Serbie sont aplaties et blanchâtres à la face inférieure ; celles de l'épicéa de Brewer sont souples et ne piquent pas. Celles du sapin de Céphalonie ont des aiguilles piquantes insérées en écouvillon. Le "Pinus monophylla" n'a, comme son nom l'indique, qu'une aiguille par faisceau.

Utilisations.

La résine et le pignon de pin sont exploités depuis la préhistoire.  La majeure partie du bois résineux utilisé dans le monde (pour la construction navale, l'industrie papetière et l'industrie chimique et pharmaceutique).  De nombreuses espèces et leurs variétés sont utilisées comme plantes ornementales dans les parcs et les jardins. Des plantations sont exécutées pour opérer des protections brise-vent, fixer des dunes, enrayer l'érosion des sols en montagne. On les utilise abondement pour le reboisement des terrains pauvres ou difficiles sur lesquels ils poussent souvent mieux que les feuillus (par exemple des landes acides hydromorphes ou, à l'inverse, des coteaux calcaires secs, les dunes littorales ou la haute montagne).  Les Pinacées ont également des utilisations alimentaires : l'« écorce intérieure » (cambium) est comestible crue mais est coriace. Elle est plus utilisée comme nourriture de survie : mise à sécher puis moulue, elle est mélangée à de la farine de céréales pour faire des bouillies ou des galettes, voire du pain. Les feuilles adultes, en forme d'aiguilles plus ou moins piquantes selon les espèces, sont trop coriaces pour être mangées, mais sont parfois utilisées pour la préparation de sirops, d'infusions (thé, tisane) ou aromatiser des vins. Les jeunes pousses qui apparaissent au printemps sont assez tendres pour être consommées comme celles des autres Conifères. Le jeune feuillage vert clair à l'extrémité des rameaux a un goût acidulé d'agrume dû à une huile essentielle renfermant du limonène (comme l'essence de citron) qui pourrait constituer un système de défense des arbres contre les herbivores (effet répulsif ou toxique de ce monoterpène contre les larves et les insectes, action fongistatique sur leur microbiote intestinal, réduction de l'oviposition, attraction de parasitoïdes ou de prédateurs de ces insectes). Les jeunes pousses sont ainsi consommées crues, ajoutées aux salades ou à divers plats (desserts...). Les jeunes inflorescences mâles emplies de pollen se consomment crues ou cuites.

La famille des Pinacées "(Pinaceae)", ou Abiétacées, regroupe des plantes gymnospermes ; elle compte 220-250 espèces réparties en 11 genres.

The Pinaceae, pine family, are trees or shrubs, including many of the well-known conifers of commercial importance such as cedars, firs, hemlocks, larches, pines and spruces. The family is included in the order Pinales, formerly known as Coniferales. Pinaceae are supported as monophyletic by their protein-type sieve cell plastids, pattern of proembryogeny, and lack of bioflavonoids. They are the largest extant conifer family in species diversity, with between 220 and 250 species (depending on taxonomic opinion) in 11 genera, and the second-largest (after Cupressaceae) in geographical range, found in most of the Northern Hemisphere, with the majority of the species in temperate climates, but ranging from subarctic to tropical. The family often forms the dominant component of boreal, coastal, and montane forests. One species, "Pinus merkusii", grows just south of the equator in Southeast Asia. Major centres of diversity are found in the mountains of southwest China, Mexico, central Japan, and California.


De 1833 à 1857.

Les années de jeunesse.

Johannes Brahms est le descendant d’une famille très ramifiée en Basse-Saxe, dans le Nord de l’Allemagne. Son père, Johann Jakob Brahms, est artisan de profession et utilise la musique comme gagne-pain. Il joue du cor d'harmonie et plus tard, de la contrebasse. Il se produit dans des petits ensembles à Hambourg. La naissance de Johannes aurait notamment retardé une représentation de l'orchestre du théâtre de Hambourg, Johann Jakob ayant assisté à l'événement tout en ayant conservé la clef de l'armoire aux partitions dont il était dépositaire, empêchant ainsi celui-ci de jouer. Il donne ses premières leçons de musique à Johannes, qui déjà tout jeune, est attiré par tous les instruments de musique. La mère de Johannes Brahms, Johanna Henrika Christiana Nissen, était issue d'une famille pauvre et de vingt ans plus âgée que son mari.  Brahms suit ses premiers cours de piano dès l’âge de sept ans avec Otto Cossel, jusqu’à ses dix ans. Ce dernier le présente à son ancien professeur, Eduard Marxsen qui le forme de 1843 à 1853, avec l’ambition d’en faire un virtuose du piano, lui enseignant aussi l’harmonie et la composition. Il sera marqué à jamais par l’art de Jean-Sébastien Bach, de Wolfgang Amadeus Mozart et de Ludwig van Beethoven. Ses talents de pianiste lui permettent d’honorer, dès l’âge de treize ans, des engagements dans les tavernes de Hambourg. Ses dons pour la composition sont visibles dès ses jeunes années : ses pièces pour piano "Fantaisie sur une valse populaire" qu’il a composées en 1849 illustrent cette virtuosité. Plus tard, Brahms confie :  En 1847, épuisé par ce travail constant pour lui et pour les autres, il est envoyé à la campagne pour s’y reposer. C’est là qu’il découvre la littérature. Toujours prêt à dépenser un sou chez le brocanteur pour acheter un livre : Sophocle, Dante, Cicéron, Le Tasse, Alexander Pope, Jean Paul, Klopstock, Lessing, Goethe, Friedrich von Schiller, Eichendorff, Adelbert von Chamisso... et également l’histoire de la belle Maguelone et du chevalier Pierre, que plus tard il mettra en musique.  Le, il donne son premier concert, qui inclut une fugue de Bach. Un deuxième concert suit le : Brahms y joue la sonate opus 53 de Beethoven et des variations de sa composition. La critique commence à le remarquer en lui reconnaissant un talent peu ordinaire.  Brahms a développé un art qui lui est propre : il a publié ses premières œuvres en utilisant souvent un pseudonyme (G. W. Marcks, Karl Würth) et en donnant un nombre plus élevé à ses numéros d’opus. Au début, il compose exclusivement des œuvres pour piano — il connaissait alors moins les possibilités et les limites de l’orchestre – et plus tard, il demandera de l’aide à des amis plus expérimentés pour composer ses premières œuvres pour orchestre. Il fait la connaissance de la pianiste Louise Japha, une élève de Robert Schumann.  En 1853, Brahms a vingt ans ; il rencontre le violoniste hongrois Eduard Reményi, à qui il doit son premier contact avec la musique tzigane. Avec lui, il effectue une tournée en Allemagne du Nord, ce qui lui permet de faire la connaissance, à Hanovre, du violoniste Joseph Joachim, âgé de vingt-deux ans, qui a déjà conquis le public berlinois avec le concerto de Beethoven. Ce dernier fait la remarque suivante sur Brahms :  Joachim conseille à Brahms de s’adresser à Franz Liszt qui, à cette époque, est chef d’orchestre à la cour de Weimar. La légende voudrait que Brahms se soit endormi pendant que Liszt exécutait sa célèbre Sonate en "si" mineur. Cette anecdote est plaisante, mais émane de sources peu sûres. Elle fut consignée, trente-cinq à quarante ans plus tard, par le virtuose américain William Mason (dont l’exactitude des propos n’a jamais été la plus grande vertu). Le biographe officiel de Brahms, Max Kalbeck, tout comme son homologue français Romain Goldron réfutent cette version des faits, ainsi que la supposée brouille entre Liszt et Brahms. Ce dernier confiera même, au poète Klaus Groth, à propos de son aîné :  Liszt promet à Brahms de le mentionner dans une lettre à l’éditeur Breitkopf & Härtel. Cependant, le jeune compositeur ne se trouve que peu d’affinités avec les théories musicales progressistes de Liszt. Il prend congé de ce dernier. Il écrit alors une lettre à Joseph Joachim, datée du, dans laquelle il lui demande de le rejoindre à Göttingen. Là-bas, le violoniste l’introduira dans son cercle d’artistes et de musiciens. Cette période heureuse et insouciante, pleine de rencontres, inspirera à Brahms son "Ouverture pour une fête académique". Joachim et Liszt persuaderont Brahms de rendre visite à Robert Schumann qui est directeur de musique à Düsseldorf.

Nouveaux Chemins.

"Nouveaux chemins" ("Neue Bahnen") – sous ce titre est paru le dans le journal "Nouvelle Gazette musicale" ("Neue Zeitschrift für Musik") fondé par Robert Schumann et distribué à Leipzig, le premier article sur Johannes Brahms. Schumann écrit :  Schumann demande à l’éditeur Breitkopf & Härtel de publier quelques œuvres de Brahms. Son engagement personnel pour Brahms a permis de le rendre très rapidement célèbre en Allemagne. L’article, au retentissement important, sera un lourd fardeau pour ce jeune homme de vingt ans. Beaucoup de mélomanes veulent l’entendre, voir ses notes, ou en savoir plus sur son talent. Cet empressement effraie Brahms : dans une lettre à Schumann, il exprime son appréhension de ne pas pouvoir répondre à toutes les attentes du public. Après une autocritique trop sévère, il brûle même quelques-unes de ses œuvres.

Une très chère amie.

À Düsseldorf, Brahms fait la connaissance de Robert Schumann et de son épouse Clara. Mère de six enfants, elle est de quatorze ans plus âgée que Brahms qui a déjà acquis une réputation européenne, et elle le fascine. À la suite de l’aide apportée par Robert Schumann à la publication de ses œuvres pour piano, Brahms écrit à son mentor :  Après l’internement de Robert Schumann dans un hôpital psychiatrique à Endenich, près de Bonn, les liens de Clara Schumann et de Brahms s’intensifient. Ils vivent dans la même maison à Düsseldorf. Les échanges d’idées avec Clara et Robert Schumann transparaissent dans ses variations pour piano, op. 9 sur un thème de Robert Schumann, qui a pu les écouter à Endenich et les a trouvées magnifiques. Dans les mesures 30–32 de la dixième variation, apparaît dans la voix du milieu, un thème de Clara, que Robert Schumann avait également repris dans son op. 5. Entre 1854 et 1858, Clara Schumann et Brahms échangent de nombreuses lettres, témoignages qu’ils se sont ensuite accordés à détruire presque entièrement. Il nous reste encore aujourd’hui quelques lettres de Brahms ; elles reflètent l’image d’une passion grandissante. Au début, il lui écrit (), (), puis (), et finalement (), et à la fin (). Dans une lettre du, il écrit soudainement : Lui, le plus jeune qui n’avait pas osé suggérer le tutoiement, y est à présent confronté. Il s’habituera progressivement à cette intimité. Dans une lettre du, il écrit très clairement : Cette lettre sera la dernière avant l’évènement prévisible et pourtant soudain qui bouleversera la nature même de leur liaison : le décès de Robert Schumann le. En octobre de la même année, Brahms qui nourrit encore l’espoir de pouvoir consoler Clara pendant cette période de deuil, devra pourtant se résigner. Elle s’éloigne peu à peu de lui. Les lettres échangées perdent de leur passion. Le, Brahms finira par résumer ainsi dans une de ses missives :  Par la suite, Brahms restera en liaison avec Clara toute sa vie durant. Il lui écrit ainsi en 1896, peu avant sa mort :  Pendant toute la période de la maladie de Schumann, Brahms réside à Düsseldorf. Il étudie beaucoup, imposant un programme strict à Joachim et à lui-même. C’est d’ailleurs à cette époque qu’il étudie le contrepoint. Il se procure des œuvres de Jean-Sébastien Bach, comme l’"Art de la Fugue", des volumes d’œuvres de Roland de Lassus et de Palestrina et se met à composer pour quatre et six voix. Il est un des rares musiciens de son époque à attacher cette importance à cet art ancien au style sévère.

De 1857 à 1875.

Entre Detmold et Hambourg.

En 1857, Brahms occupe les fonctions de professeur de musique à la Cour du Prince de Lippe et de directeur de la Société de Chant à Detmold. Il y reste pendant deux ans, composant deux sérénades pour orchestre ainsi que son premier concerto pour piano opus 15 en ré mineur, pour lequel Joseph Joachim lui donne des conseils d’orchestration. Il est souvent interprété comme le reflet de sa passion vaine pour Clara Schumann ; leur histoire venant tout juste de se terminer. Il sera joué pour la première fois, le à Hanovre puis, le 27 du même mois, à Leipzig, sans toutefois récolter le succès espéré. Brahms qui ne cache pas sa déception, entreprend de composer une seconde œuvre qui sonnerait tout à fait différemment, ce qu’il fera... vingt-deux ans plus tard, en composant son deuxième concerto pour piano op. 83 en si bémol majeur.  Pendant son séjour à Detmold, il compose également des sérénades pour orchestre, des lieder, dont "Unter Blüten des Mai’s spielt’ich mit ihrer Hand". Ce lied évoque une autre rencontre, celle d’Agathe von Siebold. Un été, il s’adonnera à sa nouvelle passion avec tant de fougue que Clara Schumann sera vexée qu’il ait rencontré une autre femme aussi vite. Son deuxième sextuor à cordes opus 36 fait, dans la première phrase, allusion à Agathe von Siebold : il contient en effet la suite de notes : "la-sol-la-si-mi" (en allemand : "A-G-A-H-E"). Peu après leurs fiançailles, Brahms change d’avis : il se sent incapable d’avoir une liaison. Il n’en aura jamais plus et restera toute sa vie célibataire.  En, il revient dans sa ville natale de Hambourg, trouvant qu’il ne disposait pas assez de temps pour la composition. Il y commence la composition des "Magelonen-Gesänge", mais ne les acheva qu’en 1869. Il compose de la musique de chambre et de nombreuses variations pour piano : "sur un thème original", "sur un thème hongrois", "sur un thème de Haendel", "sur un thème de Schumann" (à quatre mains).  En 1860, Brahms fait alors une rencontre déterminante en la personne de l’éditeur Fritz Simrock. Ce dernier, en éditant ses œuvres, a été un acteur déterminant dans la diffusion de l’œuvre de Brahms auprès du public, car il n’était pas toujours facile pour Brahms dans les années 1860, de publier ses propres compositions. L’éditeur demeure prudent : le premier "Concerto pour piano" n’a aucun succès ; de plus, les pièces de Brahms sont réputées difficiles à jouer. Le perfectionnisme de Brahms est un autre obstacle : souvent, il fait patienter son éditeur avant l’envoi de ses manuscrits, car il lui semble qu’il peut encore apporter une amélioration à l’œuvre.  Brahms quitte Hambourg, s’étant disputé avec son mécène et ami Theodor Avé-Lallemant, qui ne lui a pas accordé, au cours de l’année 1862-1863, le poste de directeur du "Philharmonischen Konzerte" qu’il convoitait, lui offrant simplement le poste de chef de chœur de l’académie de chant. Bien que Brahms n’ait jamais présenté officiellement sa candidature au poste, il restera profondément blessé que le chanteur Julius Stockhausen lui soit préféré. Ceci détériorera les relations amicales entre Brahms et Avé-Lallemant et précipitera son départ pour Vienne.

À Vienne.

En 1862, il s'installe définitivement à Vienne. Brahms confie s’y sentir rapidement chez lui. Il se produit dans des programmes virtuoses : Bach, Beethoven, Schumann et joue aussi son "Quatuor en sol mineur opus 25" avec le violoniste Josef Hellmesberger lors d’une soirée privée, qui dira ensuite de lui qu’il est le successeur de Beethoven ("Das ist der Erbe Beethovens"). Brahms n’affectionne que très peu cet encombrant compliment et craint d’être considéré comme l’égal de Beethoven.  Il rencontre Karl Goldmark tandis que sa renommée ne cesse de croître. En 1863, Brahms accepte de devenir le chef de chœur de la "Singakademie" (Académie de chant) de Vienne. Il marque tout de suite de son empreinte la vénérable structure, faisant jouer des maîtres anciens : Bach, Heinrich Isaac, Gabrieli, Schütz, ou modernes : l’"Opferlied" de Beethoven et le "Requiem pour Mignon" de Schumann. Mais, dès, il démissionne de son poste craignant que la lourdeur des charges administratives ne lui vole un temps précieux qu’il réserve à la composition et aux voyages.  Parmi les œuvres qu’il a écrites par la suite, on trouve notamment le "Requiem allemand" et les "Danses hongroises". Le "Requiem", qui ne suit pas les textes traditionnels en latin mais contient des extraits de la Bible en langue allemande, a été accueilli avec beaucoup d’enthousiasme lors de sa première représentation à Brême. Il l’a composé à la suite du décès de sa mère. En revanche, la publication des "Danses hongroises", pour lesquelles Brahms s’est inspiré d’airs tsiganes très connus, a presque causé un scandale. En effet, Brahms ayant touché avec celles-ci un public beaucoup plus large qu’avec ses précédentes œuvres, d’autres musiciens, dont son vieil ami Reményi, ont tenté de se faire passer pour les auteurs de ces danses.  En 1870, il rencontre le chef d’orchestre Hans von Bülow qui fera beaucoup pour sa musique.  À cette époque, Brahms est un pianiste couronné de succès et gagne bien sa vie. Toutefois, il prend la direction de la Société des Amis des Arts de Vienne ("Wiener Singvereins") de 1872 à 1875. Avec les compositions qu’il a déjà publiées, Brahms et son éditeur Simrock gagnent tellement d’argent que ce dernier le suppliera de publier de nouvelles œuvres.

De 1876 à 1897.

L’époque des œuvres symphoniques.

Brahms écrit ses quatre symphonies en l’espace de neuf ans, ce qui est un temps record (bien que, paradoxalement, la composition de sa première symphonie l'ait occupé pendant plus de vingt ans). En comparaison, vingt-deux années séparent ses deux concertos pour piano, et les symphonies ne sont pas les seules œuvres qu’il ait composées pendant cette période ; en effet, il a également écrit le "concerto pour violon", le "second concerto pour piano", deux ouvertures et autres musiques de chambre, et enfin deux ans après la création de la quatrième et dernière symphonie, il a créé le "double concerto". Finalement cette décennie constitue la période la plus prolifique de Brahms.  Sa première "Symphonie en do mineur op. 68" fut jouée la première fois le à Karlsruhe, et la deuxième "Symphonie en ré majeur op 73", le à Vienne.  Brahms reçoit le titre de docteur « honoris causa » de l’université de Cambridge en 1877 et celui de l'université de Breslau en 1881. En 1880, il travaille à deux "ouvertures" op. 80 et op. 81, desquelles il dira :.  En 1883, lors d’un séjour d’été à Wiesbaden, il termine sa troisième symphonie en fa majeur op. 90 qui sera créée à Vienne elle aussi. Lors d’un autre séjour à Mürzzuschlag en Styrie, il commence dès l’été 1884 à travailler sur sa quatrième symphonie en mi mineur, qui sera jouée la première fois à Meiningen le. Cette œuvre présente la particularité de s'achever par un quatrième mouvement qui est construit sous la forme ancienne de la passacaille dans laquelle Brahms développe trente variations sur un motif de basse emprunté à la chaconne ("Meine Tage in den Leiden") de la cantate BWV 150 de Jean-Sebastien Bach ("Nach dir, Herr, verlanget mich").

Les dernières années.

Par la suite, Brahms a essentiellement composé de la musique de chambre (sonates pour violon et violoncelle). En 1886, il devient président d’honneur de l’association des musiciens de Vienne. Pendant les vingt dernières années de sa vie, Brahms, qui est devenu une personnalité influente de la scène musicale internationale, est admiré et vénéré en tant que pianiste, chef d’orchestre et compositeur. Il a reçu de nombreuses distinctions et propositions pour devenir membre d’honneur. Il les commentera en ces mots :.  En 1889, il devient citoyen d’honneur de la ville de Hambourg.  Brahms meurt à Vienne le, à près de soixante-quatre ans, d’un cancer du foie selon quelques biographies, mais il s’agirait en réalité d’un cancer du pancréas. Il est inhumé au Cimetière central de Vienne, tout comme Beethoven et Schubert.  Le, Johannes Brahms fut la cent-vingt-sixième personne et le treizième compositeur à être reçu dans le Walhalla. Son buste fut sculpté par Milan Knobloch, le sculpteur tchèque.

Anecdote.

En 1889, Theo Wangemann, un représentant de l'inventeur américain Thomas Edison, rend visite au compositeur à Vienne et l'invite à expérimenter un enregistrement de sa propre musique. Brahms joue alors au piano une version abrégée de sa danse hongroise, et une autre d'une pièce de Josef Strauss, "Die Libelle". La voix, dans la courte introduction de l'enregistrement, a souvent été attribuée à Brahms mais est plus probablement celle de Wangemann.

Critique de ses contemporains.

« Successeur de Beethoven ».

Brahms est encore de nos jours souvent nommé comme le successeur légitime de Ludwig van Beethoven. Cette distinction embarrassante, que Brahms n’acceptait pas de son vivant, provient surtout de la dispute au entre les conservateurs adeptes de la musique pure et les nouveaux allemands progressistes.

La querelle musicale.

En 1860, apparaissaient des différences entre les adeptes de la musique pure rattachés à la tradition et ceux qui à la suite de Franz Liszt ont établi les bases de la "Neudeutsche Musik" (aussi appelé ). La querelle est issue d’une différence fondamentale de la compréhension de la musique. Liszt et Richard Wagner avaient commencé à réfléchir à la musique du futur ("Zukunftsmusik"). Ils voulaient développer la musique des poèmes symphoniques et le style Musikdrama. Franz Brendel fut chargé de diffuser les idées de la "Neudeutsche Musik" dans le "Nouveau magazine pour la musique" ("Neue Zeitschrift für Musik").  Dans l’autre camp, chez les traditionalistes, se trouvaient Karl Goldmark, Joseph Joachim, Brahms et le critique musical Eduard Hanslick, dont la prise de position en faveur de la musique de Brahms a été à la base d’une grande amitié. Leur but était ce que Brahms avait coutume d’appeler la "musique durable" ("dauerhafte Musik"), qui était de développer une musique qui soit indépendante de l’histoire.  Avec un manifeste notamment signé par Joachim et Brahms, les représentants du camp conservateur protestèrent contre les développements de la musique contraires à leurs idées. Mais ils n’obtinrent que des railleries: les personnes attaquées avaient eu connaissance du texte avant sa publication et son effet fut totalement manqué. Les partisans de la nouvelle musique répondirent donc par un persiflage sur le manifeste, accusant leurs auteurs de créer () et ont signé entre autres avec les noms ( signifie en allemand) en référence à Joseph Joachim, et en référence à l’article et (utilisé en allemand pour faire référence à des idiots).  Par la suite, l’atmosphère entre les parties fâchées fut définitivement gâchée. Brahms et Wagner gardèrent une distance certaine toute leur vie. Alors que Brahms ne le mentionnait pas, Wagner ne pouvait s’empêcher d’exprimer son dédain pour la musique de Brahms. Néanmoins, Brahms ne tenait pas Wagner comme un concurrent sérieux, car il avait essentiellement composé des opéras, un genre qui n’a jamais tenté Brahms. Par conséquent, les secteurs d’activité des deux musiciens étaient clairement définis. Parmi les compositeurs plus ou moins liés avec Wagner, Brahms n’estimait que Felix Draeseke et Anton Bruckner comme des rivaux sérieux pour leurs compositions en musique de chambre, de chœur et d’orchestre.  La prise de position d’Eduard Hanslick en faveur de Brahms a dû fortement contribuer à le faire nommer comme successeur de Beethoven, car Hanslick était le critique de musique viennois le plus influent de son époque et de surcroît, en faveur des conservateurs. Une autre personne s’est révélée un grand admirateur des conservateurs : Hans von Bülow. C’était initialement un Wagnérien, mais il changea d’opinion après que sa femme Cosima l'eut quitté pour Wagner. Bülow est l’auteur de la fameuse phrase qui identifie la première symphonie de Brahms comme étant la dixième symphonie de Beethoven.

L’œuvre de Brahms.

En laissant de côté la question de savoir si Brahms est le successeur de Beethoven, une chose est certaine : son œuvre s’inscrit dans la tradition musicale de toute l’Europe. Il n’a pas seulement été influencé par Beethoven, mais aussi par Johann Sebastian Bach, Haendel et Palestrina. Il a également utilisé des modes musicaux de l’époque médiévale, ainsi que la technique du canon développée aux Pays-Bas. Il se sentait obligé envers la tradition musicale. Les déviations qu’il s’autorisera se feront par touches successives. Pourtant, en usant de formes traditionnelles, il a créé des œuvres nouvelles et originales.  D’influences diverses, marquée par une grande science du contrepoint et de la polyphonie, l’esthétique de Brahms reste, dans ses formes classiques, profondément marquée par la nostalgie de l’époque romantique, mais d’une troublante originalité, avec des couleurs musicales magnifiques, des mélodies inventives et des rythmes surprenants par leur superposition. Ce balancement lourd et incertain, né de la superposition de valeurs binaires et ternaires que l’on retrouve dans sa musique, est la caractéristique de cette mélancolie brahmsienne née d’une sorte de complexe d’infériorité issu des années de jeunesse que Brahms a passées à jouer dans les tavernes de Hambourg. Cela explique du reste, pourquoi il n’osera s’attaquer à la symphonie qu’à la quarantaine venue.  Les travaux des musicologues parlent de trois périodes dans la création des œuvres chez Brahms. La première va jusqu’au "Requiem allemand", la deuxième jusqu’au deuxième concerto pour piano, et la troisième commence avec la troisième symphonie. La première période se caractérise par la prédominance du sentiment romantique, la deuxième est marquée par son inspiration forte du classique, et la troisième période est un mélange des deux influences précédentes.  Avec ses symphonies, il créait des œuvres d’un accès difficile, pas seulement pour le public, mais également pour ses amis. Déjà, à propos de sa première symphonie, il notait Dans les symphonies suivantes, Brahms employa également des harmonies que le public ne pouvait pas comprendre.

Principales compositions.

Johannes Brahms laisse musicales.

Pièces pour piano.

L'œuvre de Brahms pour piano solo peut paraître relativement peu abondante au regard de celle de Chopin ou de Schumann : 17 œuvres originales, sur un catalogue de 122 numéros. Les Sonates, surtout, sont peu nombreuses, et datent toutes trois de sa jeunesse. Pourtant, sa contribution à la forme variations et au genre des cycles de pièces brèves (Klavierstücke) est majeure. En outre, le piano est présent dans la plupart de ses pièces de musique de chambre, dans le Lied et dans de nombreuses œuvres chorales. Toutes ces œuvres font partie du répertoire des grands pianistes de concert.  Le musicien a également composé ou transcrit un certain nombre d’œuvres pour piano quatre mains :

Orgue.

Outre 3 préludes et fugues et une fugue, on notera les 11 préludes de choral op. 122.

Œuvres vocales.

L’œuvre vocale est la plus développée du catalogue brahmsien. Musique vocale avec orchestre  Musique vocale avec divers accompagnements  Chœur avec piano ou orgue  Chœur mixtes "a cappella"  Chœur féminin "a cappella"  Chœur d’hommes "a cappella"  Quatuor vocaux avec piano  Duos avec piano

Johannes Brahms, né le à Hambourg et mort le à Vienne, est un compositeur, pianiste et chef d'orchestre allemand. Johannes Brahms est l'un des plus importants musiciens de la période romantique. Beaucoup le considéraient comme le « successeur » de Ludwig van Beethoven : sa première symphonie a été décrite par Hans Guido von Bülow comme étant.

Johannes Brahms (; 7 May 1833 – 3 April 1897) was a German composer, pianist, and conductor of the Romantic period. Born in Hamburg into a Lutheran family, Brahms spent much of his professional life in Vienna. His reputation and status as a composer are such that he is sometimes grouped with Johann Sebastian Bach and Ludwig van Beethoven as one of the "Three Bs" of music, a comment originally made by the nineteenth-century conductor Hans von Bülow.


Biographie.

Années de jeunesse.

Reuter grandit à Leer puis étudia à Münster et Marburg jusqu'en 1912, date à laquelle il passa le concours de professeur. Il était alors membre de la confrérie « SBV Frankonia Marburg », et adhéra au SPD.  Pendant la Première Guerre mondiale, blessé et capturé par les Russes, il mit à profit sa détention pour apprendre le russe et se joignit aux bolcheviks. Dès 1917, Lénine l'envoya à Saratov en tant que Commissaire du peuple pour fonder une République socialiste autonome des Allemands de la Volga.

Sous la République de Weimar.

De retour en Allemagne, Reuter adhéra au KPD et devint premier secrétaire de la section de Berlin. Militant de l'aile gauche du parti, il prit l'initiative d'une révolte en Allemagne centrale en mars 1921 et se posa en adversaire du chef du parti, Paul Levi. Quoique favori de Lénine, il fut exclu du parti en 1922. Il milita quelque temps au sein du Parti social-démocrate indépendant d'Allemagne, puis revint pour de bon au Parti social-démocrate d'Allemagne.  En 1926, il travailla pour le gouvernement de Berlin où il était responsable des transports : à ce poste, il créa la "Berliner Verkehrsbetriebe" (BVG), unifia les tarifs de transports en commun, et développa le métro de Berlin.  De 1931 à 1933, Reuter, devenu maire de Magdebourg, s'attaqua à la crise du logement et au chômage. Il fut élu député au Reichstag. La venue au pouvoir des nazis en 1933 le contraignit à la démission de tous ses mandats ; il fut déporté au camp de concentration de Lichtenburg près de Torgau. Libéré en 1935, il s'exila en Turquie, où il demeura jusqu'à la chute de l'Allemagne nazie. Il donnait des conférences d'urbanisme à l'université d'Ankara (où il créa d'ailleurs la chaire d'urbanisme) et le gouvernement turc l'employait également en tant qu'expert. Dans les derniers mois de la guerre, la Turquie fit arrêter tous les détenteurs de passeports allemands et les interna dans des camps en tant qu'« "agents étrangers" » : c'était pour Reuter sa troisième incarcération, après la Russie et les camps de concentration nazis.

L'après-guerre.

Après l'armistice, Reuter put rentrer à Berlin, où il fut élu en 1946 au "Magistrat" (conseil provisoire) responsable du Département des Transports. En 1947 il est élu maire ("Oberbürgermeister") de Berlin mais les autorités soviétiques, avec le développement de ce qui va devenir la Guerre froide, refusent de reconnaître son mandat.  De fait, le nom de Reuter reste indissolublement lié au Berlin de la guerre froide. Lors du blocus de Berlin imposé par les Soviétiques (1948-49), les quartiers ouest de la ville étaient ravitaillés par le couloir aérien institué par le gouverneur militaire américain, Lucius D. Clay. Pour faire face à l'oppression, les citoyens des zones d'occupation ouest devaient être solidaires. Ernst Reuter se fit leur porte-parole et leur dirigeant, devenant la figure emblématique du « Berlin libre ». Le discours prononcé par Reuter le devant personnes devant les ruines du Palais du Reichstag, où il appelait le monde entier à ne pas abandonner Berlin, est resté dans les mémoires ("cf. infra", § « citation »). Lors des élections tenues deux mois plus tard dans les quartiers ouest de Berlin, sa popularité valut au SPD le score historique de 64,5 %, le plus haut score jamais accordé à un parti politique lors d'élections libres en Allemagne. Devenu maire, il forma une grande coalition avec les deux autres partis concurrents pour témoigner au monde de l'unité de Berlin-Ouest.  Après l'adoption de la constitution de Berlin et son entrée en vigueur à Berlin-Ouest, Reuter fut rééelu, devenant le le premier maire-gouverneur de Berlin. Il devait conserver ce mandat jusqu'à sa mort.  Sous son égide, on créa l'université libre de Berlin pour faire pièce à l'université Humboldt de Berlin, désormais dirigée par les autorités de RDA. En 1953, Reuter institua la Fondation Reuter ("Bürgermeister-Reuter-Stiftung") pour porter assistance aux réfugiés d'Allemagne de l'Est.  Reuter mourut d'une attaque cardiaque quelques semaines après les émeutes de 1953 en Allemagne de l'Est ; il avait alors 64 ans. Plus d'un million de personnes assistèrent à ses funérailles. Il est inhumé au cimetière boisé de Berlin-Zehlendorf. Son fils, Edzard Reuter, a été PDG de Daimler-Benz.  Bien des villes d'Allemagne comptent une rue ou une école dédiée à Ernst Reuter.

Hommages.

La série philatélique « "Champion of Liberty" » tirée en 1959 par le United States Postal Service a consacré deux timbres à Reuter.

Ernst Rudolf Johannes Reuter (né à Apenrade dans l'ancienne province allemande de Nord-Schleswig le et mort le ) fut maire-gouverneur de Berlin (Ouest) de 1948 à 1953, pendant la Guerre froide.

Ernst Rudolf Johannes Reuter (29 July 1889 – 29 September 1953) was the German mayor of West Berlin from 1948 to 1953, during the time of the Cold War.


Description.

Carnot cherchait à définir le cycle de meilleure efficacité possible. Ainsi l'efficacité de toute machine thermodynamique peut être comparée avec l'efficacité du cycle de Carnot. C'est un cycle théorique : en effet, le cycle étant réversible, il s'effectue en l'absence de phénomènes dissipatifs, et de façon quasi-statique, et n'est donc pas un cycle réel (voir notamment la notion de réversibilité thermodynamique).  Le cycle est composé de quatre transformations successives (les lettres A B C D se rapportent aux diagrammes) :  Le deuxième principe de la thermodynamique permet d'établir pour une transformation réversible (pour laquelle la température à la frontière du fluide est égale à la température de la source) l'égalité de Clausius-Carnot :  avec :

Efficacité d'un cycle moteur.

L'efficacité thermodynamique (ou énergétique) d'un système est définie comme le rapport entre l'énergie utile en sortie de ce système, et l'énergie fournie par les utilisateurs en entrée de ce système. Pour un cycle de Carnot moteur, on a donc :  Pour un cycle de Carnot moteur, l'énergie utile est celle correspondant au travail algébrique fourni par le fluide (et donc compté négativement), et l'énergie reçue par le fluide est sous forme d'énergie thermique apportée par la source chaude () grâce à un un transfert thermique.  Par définition, on obtient donc pour un cycle de Carnot moteur :  Par ailleurs, le premier principe de la thermodynamique appliqué à ce cycle donne :  On obtient donc :  L'égalité de Clausius-Carnot (expression du second principe) affirme que  Ainsi: formula_7  On obtient une efficacité. Il est donc impossible d'obtenir une efficacité de 100 %, même pour le cycle de Carnot moteur entièrement réversible, sauf pour le cas irréaliste où :.

Efficacité d'une machine frigorifique.

Dans le cas d'une machine frigorifique (climatisation, réfrigérateur...), le cycle de Carnot reçoit un travail extérieur et l'utilise pour réaliser un transfert thermique permettant de prendre de l'énergie thermique au milieu que l'on cherche à refroidir, appelé source froide (intérieur d'un réfrigérateur par exemple). L'efficacité d'un tel cycle est donnée par :  L’efficacité d’une machine frigorifique de Carnot n’est pas nécessairement inférieure à 1. Elle est d’autant plus grande (et tend vers l’infini) que les températures des sources sont proches l’une de l’autre. Toutes les machines frigorifiques réelles ont une efficacité inférieure à celle de la machine de Carnot correspondante.

Efficacité thermique d'une pompe à chaleur.

Dans le cas d'une pompe à chaleur, le cycle de Carnot reçoit un travail extérieur et l'utilise pour apporter de l'énergie thermique au milieu que l'on cherche à réchauffer, appelée source chaude (par exemple, l'intérieur d'une maison). L'efficacité d'un tel cycle est donnée par :  Cette efficacité formula_10 est appelée coefficient de performance ou COP, plutôt que rendement puisque sa valeur est systématiquement supérieure à 1.  La valeur de formula_10 fournit la limite supérieure du COP de toute pompe à chaleur réelle fonctionnant entre des sources aux températures et.

Le cycle de Carnot est un cycle thermodynamique théorique pour un moteur ditherme, constitué de quatre processus réversibles : une détente isotherme réversible, une détente adiabatique réversible (donc isentropique), une compression isotherme réversible, et une compression adiabatique réversible.

The Carnot cycle is a theoretical ideal thermodynamic cycle proposed by French physicist Sadi Carnot in 1824 and expanded upon by others in the 1830s and 1840s. It provides an upper limit on the efficiency that any classical thermodynamic engine can achieve during the conversion of heat into work, or conversely, the efficiency of a refrigeration system in creating a temperature difference by the application of work to the system. It is not an actual thermodynamic cycle but is a theoretical construct.


Définition.

D’après Patrick Wotling, la décadence est un

Contextualisation.

Après avoir connu près de trois siècles de paix et de prospérité (grâce à la "pax romana", la Paix romaine), l'Empire romain est en proie, au, à une crise à caractère économique et social, qui caractérise la décadence.

Historique du thème.

Le thème de la décadence de Rome a été "sous la république romaine même" évoqué par Caton l'Ancien, Cicéron ("O tempora, O mores") et, pour l'Empire, par Juvénal.  Il a été également traité par Montesquieu, qui énumère dix-sept causes de la chute de Rome. La "crise économique" qui avait frappé Rome, et le discrédit de ses lois qui, bien acceptées au départ parce qu'elles apportaient la "paix romaine", furent contestées et combattues dès lors qu'elles ne visaient plus qu'à drainer le maximum de ressources sur une Rome devenue oisive, sans fournir de réel service aux populations en contrepartie.  Vers la fin du, Paul Bourget importa en littérature la notion de décadence ("Essais de psychologie contemporaine"). Nietzsche s'en inspira pour l'appliquer au "cas Wagner".  Edward Gibbon a consacré à la période un fameux livre d'Histoire sous forme de chronique à l'antique.  Un écrivain nommé Oswald Spengler ressuscita l'intérêt pour le processus de décadence avec son ouvrage "Le Déclin de l'Occident" écrit dans les années 1920.  Plus récemment, Pierre Chaunu (voir bibliographie) révèle le côté historiographique du concept : considérer que les Romains vivaient en décadence est parvenu rétrospectivement à la chute de l'Empire romain d'Occident, par le biais de l'influence des penseurs susdits.

Concordances.

Dans la pratique, le phénomène procède de la généralisation de la perception individuelle chagrinant la perte du « "bon vieux temps" », où des aînés se plaignent que "les choses ne sont plus comme avant", et la vie ne continue pas moins à s'écouler ; cette perception comporte des périodes civilisées alternant avec d'autres qui le sont moins.  Plus inquiétant est le fait que plusieurs de ces doléances furent effectivement émises par des écrivains de civilisations "effectivement" sur leur déclin, qui disparurent par la suite sans jamais retrouver leur splendeur passée. On peut citer à cet égard :  Jared Diamond écrivit un ouvrage, "Effondrement : comment les sociétés décident de leur disparition ou de leur survie", présentant un point de vue selon lequel les sociétés disparues auraient dans une certaine mesure participé à leur propre effondrement, dont elles percevaient les signes sans pour autant toujours chercher à y remédier.  Un exemple au sujet duquel on dispose de beaucoup de documents est celui de l'Empire ottoman, qui s'effondra en 1918, mais dont les premiers signes de décadence avaient été observés dès la fin du ; l'un des artisans de cette décadence de l'Empire (au profit d'un nationalisme égyptien) fut Mohamed Ali, lui-même très inspiré par l'action de Napoléon Bonaparte envers la "Sublime porte". Par ailleurs, la décadence de certains "empires industriels" ou "coloniaux" fournit également quelques objets d'étude.  Parfois le déclin semble fatal, ainsi de "Ruhrgas Essen", société qui - vivant du gaz de la Ruhr - était censée disparaître trente ans plus tard une fois ce gaz épuisé. Les compétences acquises restent cependant souvent utilisables ailleurs, et par exemple Elf Aquitaine a survécu remarquablement à l'épuisement du Gaz de Lacq qui avait motivé sa création. En 2013, nombre de pays pétroliers du Golfe se diversifient pour la même raison.  Un point commun à nombre d'empires en décadence semble être une "perte du sens du réel" au profit de règles formelles qui finissent par ne plus être bien distinguées de la réalité. Lou Gerstner évoque le cas d'IBM, qu'il redressa "in extremis", dans son ouvrage "J'ai fait danser un éléphant".

Le concept de décadence renvoie parfois à la Rome antique et concerne alors la chute de l'Empire romain d'Occident, parfois à l'Empire ottoman (de la bataille de Lépante considérée comme un début de son déclin jusqu'à sa disparition au début du ). Le terme vient du latin "cadere" (choir) et est un doublet savant de « déchéance ». Dans "L’Histoire commence à Sumer", Samuel Noah Kramer mentionne des textes attestant de la conscience des Sumériens du déclin de leur empire devant Akkad, qui finira par les conquérir.

The word decadence, which at first meant simply "decline" in an abstract sense, is now most often used to refer to a perceived decay in standards, morals, dignity, religious faith, honor, discipline, or skill at governing among the members of the elite of a very large social structure, such as an empire or nation state. By extension, it may refer to a decline in art, literature, science, technology, and work ethics, or (very loosely) to self-indulgent behavior.


Biographie.

Fils d’Hégésibule, Anaxagore a donné des cours à Athènes pendant près d'une trentaine d'années, à partir de 450 av. J.-C. ; Socrate l'aurait peut-être connu. Il a été le premier philosophe à s’établir à Athènes, où il eut Périclès et Euripide pour élèves.

Le philosophe.

Selon le témoignage de plusieurs doxographes, la vie d’Anaxagore incarne mieux qu’aucune autre le type par excellence du philosophe contemplatif : Plutarque indique qu’il abandonna sa maison et son patrimoine à sa famille et laissa des terres en friche, sous le coup d’une inspiration divine et par grandeur d’âme ; Plutarque souligne ainsi la. Cette hauteur de pensée chez Anaxagore est également attestée par Diogène Laërce. Anaxagore lui-même estimait que le bonheur de l’homme ne vient, mais peut-être d’une vie juste, pure, dénuée de souffrance, et ayant part à une contemplation divine. À la question de savoir à quoi bon choisir de naître et de vivre, il répondait :  Les commentateurs modernes relèvent comme un des traits dominants du caractère d’Anaxagore la prudence froide et austère d’un penseur scientifique. Car Anaxagore fait aussi figure de rationaliste éclairé, en lutte contre les superstitions : il aurait prédit en 467- 466 la chute d’une météorite près d’Aigos Potamos après le passage d’une comète. Vers 450, son traité fait l’objet d’une lecture publique à Athènes, en présence de Socrate, épisode dont témoigne le "Phédon" de Platon (97 b-c) ; dans cette ville, où il est l’ami de Périclès, il fréquente un groupe prestigieux d’artistes et d’intellectuels. Au dire de Proclus, Anaxagore s’est beaucoup intéressé à l’étude de la géométrie ; il connaît les travaux mathématiques d’Antiphon, son contemporain, pour tenter de résoudre le problème de la quadrature du cercle : il y consacre ses loisirs forcés dans la prison d’Athènes, traçant des dessins géométriques relatifs à ce problème, qui ont sans doute nourri sa conception de l’univers en expansion à partir du centre de la masse primordiale vers la périphérie. Disciple d'Anaximène, il introduit le concept de « "Noûs" » (en grec ), l’Intelligence organisatrice et directrice du monde. Ce terme devint même son surnom, « "Noûs" », l'« Esprit », car il soutenait que l'Intelligence était la cause de l'univers. À l'inverse de nombre de penseurs grecs, il méprise la sphère politique et clame que seul le importe. Ce dernier serait formé de substances diverses qui n'auraient ni naissance ni fin mais s'agenceraient seulement par combinaisons et séparations. Il est le premier Grec à aborder le problème de la quadrature du cercle ; ses voyages en Égypte lui permettent de perfectionner ses connaissances. Pour Empédocle, par l'action du ciel, la Terre reste tranquille par l'effet d'un tourbillon qui l'entoure ; pour Anaxagore, Anaximène et Démocrite, elle est une vaste et plate huche. Il enseignait que la lune, formée de terre, reflétait la lumière du soleil, qui est une pierre chaude plus grande que le Péloponnèse, comme Parménide : au dire de Platon, cette théorie, qu'il donnait comme sienne, sur la lumière de cette planète, était une opinion beaucoup plus ancienne.

Procès pour impiété et fin de vie.

Devenu vieux, et négligé par son ami Périclès qui était trop occupé, il se coucha, se voila la tête et voulut se laisser mourir de faim. Selon Plutarque, Périclès accourut chez son ami et déplora Anaxagore fut traduit en justice dans un procès pour impiété, vers 437 av. J.-C. Sur proposition du devin Diopeithès, un décret venait d'être adopté à Athènes, qui autorisait à poursuivre. Ses adversaires lui reprochaient sa théorie cosmique : là où le regard théologique voyait des dieux dans les astres, lui ne les considérait que comme des masses incandescentes. Accusé de ne pas respecter le panthéon grec, et de ramener les astres à de simples pierres, il fut condamné à mort par contumace, mais échappa à la sentence grâce à son ami Périclès, et il s'exila à Lampsaque, une colonie de Milet en Asie mineure. On lui apprit en même temps sa condamnation et la mort de ses enfants :, dit-il, et il les enterra de ses propres mains.  Il mourut à Lampsaque en 428 av. J.-C.

La cosmologie d’Anaxagore.

La cosmologie d’Anaxagore est exposée dans l’unique ouvrage dont il est l’auteur,, "De la nature" ; il ne subsiste de ce traité que quelques fragments, un peu plus d’une vingtaine, presque tous conservés par Simplicius, auxquels s’ajoute une importante série de témoignages.

Tout se transforme.

Publié vers 430, ce traité coïncide avec l’acmé de Leucippe dont Anaxagore connaissait les théories : selon toute vraisemblance, il a eu la volonté de critiquer le système de l’atomisme au moins sous sa première forme. Chez tous les penseurs antérieurs ou contemporains, depuis Parménide, Empédocle, Leucippe, Xénophane et Héraclite, jusqu’au "Timée" de Platon, la grande question qui se posait consistait à expliquer comment l’énergie cosmique pouvait continuer à faire fonctionner le monde : comment se fait-il que la vie de l’univers, ne cesse pas par épuisement? Certains penseurs, comme Anaximandre et Empédocle avaient envisagé un devenir cyclique, comportant une récupération des énergies de manière à assurer la permanence dynamique du cosmos. Pourtant l’expérience sensible sur Terre montrait une dissipation irréversible des énergies et l’extinction progressive de tous les mouvements. La physique d’Anaxagore représente une solution nouvelle et originale à ce problème, et propose en même temps une conception neuve de la substance.  Refusant le concept du « non-être » et de ses productions, Anaxagore rejette également la thèse des quatre éléments d’Empédocle et sa conception d’une restitution des énergies cosmiques. Il est à l'origine d’une formule qui fera fortune : Il postule en effet deux principes essentiels, d’une part le principe de conservation ou « négation du devenir », d’après lequel rien ne saurait se créer du néant : être et matière ne se produisent ni ne se créent, mais se "transforment". Toute création apparente n’est en réalité qu’une transformation de choses existantes ; cette conception sera reprise par Lavoisier qui énonce en 1789 le même principe de conservation de la matière à travers la phrase bien connue :. Toutefois ces deux formules n'ont pas exactement le même sens : celle d'Anaxagore s’applique dans un système métaphysique, et celle de Lavoisier dans la chimie expérimentale, deux paradigmes fondamentalement différents. Anaxagore conçoit l’univers comme un monde clos où se réalisent deux types de mouvements :, écrit-il dans le fragment 17 ; ainsi s’opère un double processus de dissociation ou différenciation de la matière, en grec, suivi d’une combinaison () à l’origine des entités composées. Mais Anaxagore utilise aussi une terminologie de la différenciation organique,, qui suppose un mécanisme spécifique.

Propriétés infinies de la matière.

Il énonce d’autre part le principe de l’infini de petitesse, d’après lequel la matière est quantitativement finie, mais ses propriétés sont divisibles à l’infini. La composition de la matière primordiale chez Anaxagore admet une quantité quasi infinie d’éléments, et elle constitue un réservoir inépuisable d’oppositions qualitatives ; ainsi, les premières matières qualifiées que la dissociation dégage de cette masse primordiale sont l’air et l’éther, au sein desquels se forment les nuages par séparation du dense et du léger, du chaud et du froid, du lumineux et de l’obscur. Anaxagore précise même que ces parcelles de matière nouvellement soumises à la différenciation sont entraînées dans des trajectoires circulaires et se superposent au centre du monde ou à la périphérie : Ces polarités opposées peuvent être chacune dans des proportions et des degrés variables, et la série de leurs dissociations, en progression géométrique, est illimitée, en vertu de la structure infinitésimale de la matière. Les qualités de cette matière restent indéfiniment mélangées, aussi loin qu’on puisse pousser leur différenciation ; celle-ci ne permet donc pas d’isoler des constituants ultimes, ce que suggère le fragment 3 :. On décèle dans ce fragment une critique de la théorie atomiste de Leucippe, la seule théorie qu’Anaxagore peut avoir connue (et non celle de Démocrite, plus tardif). Avec cet infini de petitesse, et en postulant « un monde unique » (), Anaxagore prenait l’exact contre-pied de l’hypothèse initiale de l’atomisme, dont il raille même le processus de division cher à Leucippe et qui sera repris par Démocrite, la, en le comparant, dans le fragment 8, au travail grossier du bûcheron :. Aucune propriété ne peut donc être isolée, dans aucun fragment de la matière, aussi petit soit-il.

Le Noûs.

Au commencement de cette œuvre, Anaxagore décrit, dans un style élevé, l’état originel et indifférencié du monde, ce mélange primitif de toutes choses qu’il appelle le « Tout ensemble » (). Selon Charles Mugler, cet infini illimité primitif est le vide, et la « multiplicité enveloppante » () évoquée dans le fragment 2, est le néant : ainsi,, le mélange primitif de toutes choses. Anaxagore réussit à relever le défi de Parménide et à plier le non-être à l’existence. Dans ce système cosmologique, le rôle central est en effet dévolu à l’Intelligence, le Noûs (en grec ancien ) considéré comme. Dans le fragment 12, Anaxagore se le représente comme une substance matérielle particulièrement subtile, exempte de tout mélange (). Le qualificatif qu’Anaxagore lui applique au sens de « dépourvu de frontières intérieures », souligne sa pureté : Le Noûs est ainsi défini par tous les caractères qu’Aristote attribuera, un siècle plus tard, au Premier Moteur de sa "Métaphysique" : unité, pureté, omniscience, omnipotence, cause motrice. Il est le premier être à connaître les choses par l’activité de différenciation qu’il opère et qui sépare progressivement l’air humide de l’air sec, l’eau de l’air humide, la terre de l’eau. Puissance téléologique en tant que cause motrice, cette Intelligence est conçue comme principe du mouvement circulaire de rotation cosmique (), qui s’applique aussi bien au circuit des astres qu’à la perturbation initiale à l’origine de la formation du monde. Tout en possédant la connaissance et la volonté, cette Intelligence n’est pas conçue de manière anthropomorphique, comme le démiurge du "Timée" de Platon. En tant qu’énergie, le "Noûs" ordonne le monde : c’est l’Intelligence organisatrice qui met en œuvre le processus de différenciation ou dissociation () de la matière et l'être. C’est pourquoi cette thèse d’Anaxagore, bien que fournissant une tentative d’explication cosmogonique, est jugée avant tout comme métaphysique par les commentateurs.  Le système de pensée d’Anaxagore est complexe : il est le premier à avoir exploité les paradoxes de l’infinité (), avec comme conséquence par exemple que certains infinis qualitatifs (à distinguer de l’infini quantitatif de Zénon) sont plus grands que d’autres. Il pose de difficiles problèmes d’interprétation, portant aussi bien sur la matière et le mélange primitif des substances et de mystérieuses « semences » () en nombre infini, mais aussi sur le principe de l’inhérence universelle (autrement dit la thèse qu’il n’existe pas d’élément à proprement parler). En effet,, principe qu’Anaxagore a tiré du phénomène de la nutrition : constatant que, des aliments que nous absorbons sortent le sang, les cheveux, les os, il en aurait déduit que. Mais énoncée sous cette forme, cette conclusion n'est pas vraie, seules "certaines" choses étant contenues dans d’autres. Il résulte de ce principe d’inhérence universelle que.

Les homéomères.

Le désaccord des interprètes d’Anaxagore sur la question des homéomères est complet. L’emploi même du terme d’homéomères, (en grec ), pour parler des substances de la physique d’Anaxagore, bien qu’usuel depuis l’antiquité chez les doxographes et les exégètes modernes, a soulevé bien des problèmes ; il prête à confusion et rend impossible la compréhension de la théorie de la matière dans sa cosmologie. Pour André Laks, ; Jean-Paul Dumont précise que Le mot n’apparaît pas en effet dans les fragments conservés d’Anaxagore, mais appartient au vocabulaire d’Aristote. Dans la terminologie aristotélicienne de la matière, les homéomères sont « formés de parties semblables ou analogues au tout » : ils qualifient aussi bien les fragments homogènes des composants naturels (bois, or) ou organiques (cheveux, sang ou os), que les corps simples et primordiaux, c’est-à-dire les éléments ultimes. Ainsi, les homéomères dont parlent Aristote et ses successeurs à propos d’Anaxagore spécifient la matière en particules élémentaires et invisibles en quantité infinie ; or, ainsi définis, ces homéomères entrent en contradiction avec la conception péripatéticienne de la matière, entendue comme continue et illimitée, et ne faisant aucune place au vide. René Thom constate qu’.  En fait, l’erreur provient d’Aristote lui-même : le professeur Charles Mugler, spécialiste des présocratiques, l’a démontré clairement, dès 1956, dans un article détaillé, et à sa suite, Isidoro Muñoz Valle a fait de même : C’est à tort en effet qu’Aristote parle d’« éléments » () à propos du système d’Anaxagore, alors que de telles entités n’existent pas chez lui ; Charles Mugler estime donc qu’ Il définit les homéomères chez Anaxagore comme des particules de matière où Le philosophe André Laks reconnaît lui aussi ce, ou de prédominance, qui régit les homéomères chez Anaxagore ; c’est lui qui règle l’équilibre interne de la répartition de certaines qualités au sein des fragments de la matière, quelque petits que soient ces fragments. L’existence des homéomères ainsi conçus explique la proposition d’Anaxagore selon laquelle tout fragment de matière contient une part de toute qualité, proposition énoncée sous la forme.

Astronomie.

Anaxagore rompt avec les divinités anthropomorphiques et l'astrolâtrie en considérant que le Soleil, la Lune et les étoiles sont des masses de terre incandescentes qui se sont détachées de la Terre. C’est à Anaxagore que revient le très grand mérite d’avoir découvert la cause physique des phases de la Lune, par une explication qui relève de l’optique géométrique :, puisque la Lune n’a pas de lumière qui lui soit propre. Anaxagore a également compris que.  Selon Diogène Laërce, Anaxagore est le premier auteur à publier un livre avec des dessins ou diagrammes. C'est la plus ancienne mention de l'existence d'un livre illustré. On notera cependant la découverte de papyrus égyptiens illustrés de schémas de géométrie, très antérieurs à l'époque d'Anaxagore, comme le papyrus Rhind, mais qui ne constituent pas à proprement parler un « livre » portant un nom d’auteur.

Biologie.

Théophraste rapporte au Livre III de son "Histoire des plantes" que selon Anaxagore, la semence de toute chose est contenue dans le vent ; contenues dans l'eau des pluies, ces semences donnent naissance aux plantes.  S’agissant de la sensation et en particulier de la perception visuelle, il est impossible de se faire une idée claire de la manière dont Anaxagore concevait son mécanisme, d’après les indications vagues de Théophraste. Ce dernier se bornait à constater que la vue résultait de la réflexion de la lumière dans la pupille ; au témoignage de plusieurs doxographes, la position soutenue par Anaxagore consistait à considérer les sensations comme trompeuses, et à rejeter la validité des sens, qui sont trop peu assurés :

Anaxagore (en / ), dit « de Clazomènes » en Ionie (près de Smyrne, en Asie Mineure), est un philosophe présocratique grec, né vers 500 av. J.-C. et mort en 428 à Lampsaque.

Anaxagoras (;, "Anaxagoras", "lord of the assembly"; BC) was a Pre-Socratic Greek philosopher. Born in Clazomenae at a time when Asia Minor was under the control of the Persian Empire, Anaxagoras came to Athens. According to Diogenes Laërtius and Plutarch, in later life he was charged with impiety and went into exile in Lampsacus; the charges may have been political, owing to his association with Pericles, if they were not fabricated by later ancient biographers.


Géographie.

Le territoire communal s'étend sur les rives de la rivière Havel, à mi-chemin entre la capitale Potsdam et l'embouchure dans la Elbe à Havelberg. Le centre-ville se trouve à environ 70 kilomètres à l'ouest de Berlin.

Histoire.

Moyen Âge.

Sur la Dominsel (île de la cathédrale) se trouvait la forteresse centrale de la tribu des Slaves Hevelli ou Havellanes (en allemand Heveller ou Stodoranen), Parduin, qui fut prise en 928-929 par le roi Henri de Germanie et où Otton du Saint-Empire fonda en 948 l'évêché de Brandebourg.  Lors de leur révolte en 983, les Slaves reprirent la forteresse, et les évêques partirent en exil à Magdebourg. Après la mort du dernier prince des Havellanes, Pribislav, Albert de Brandebourg s'empara de la ville en 1157 et fonda la marche de Brandebourg.  En 1165, les Prémontrés s'installèrent sur l'île de la cathédrale qu'ils commencèrent à reconstruire. À la même époque se développait la vieille ville (Altstadt) autour de l'église Saint-Gotthard. La ville neuve (Neustadt) fut aménagée à la fin du autour de l'église Sainte-Catherine.  Les deux villes (Altstadt et Neustadt) furent dotées de leurs propres murs d'enceinte et constituèrent deux communes autonomes. Après 1234, les Franciscains fondèrent un monastère dans la vieille ville, tandis que les Dominicains en établissaient un en 1286 dans la ville neuve.  Capitale de la marche de Brandebourg et siège épiscopal, les deux villes constituaient alors des centres majeurs entre l'Elbe et l'Oder.

Époque moderne.

Contre les empiétements des Hohenzollern, les deux villes de Brandebourg conclurent en 1431 une alliance avec les villes de Berlin, Cölln et Francfort (Oder), qui fit partie jusqu'en 1518 de la Hanse.  Entre 1536 et 1555, la Réforme s'étendit dans les deux villes. L'évêché fut finalement sécularisé en 1598 et agrégé à l'électorat de Brandebourg. À la même époque, la ville perdit son statut de résidence du prince électeur au profit de Berlin.  Les dommages causés par les conflits et troubles liés à la Guerre de Trente Ans furent terribles : des qui vivaient à Brandebourg avant la guerre, il n'en restait que en 1648.  L'installation des Huguenots en 1685, qui développèrent la tannerie et le travail du cuir, permit de stimuler l'économie et l'affirmation de la puissance des Hohenzollern fit de Brandebourg une ville de garnison.  La ville fut occupée par les troupes françaises entre 1806 et 1808. Cette occupation et les coûts liés à la guerre conduisirent Brandebourg à s'endetter lourdement jusque dans la du.

Jumelages.

La ville de Brandebourg-sur-la-Havel est jumelée avec :

Personnalités.

À Brandebourg-sur-la-Havel sont nés :  Personnes célèbres

Économie et formation.

Brandebourg qui a perdu un quart de sa population depuis la réunification et qui est sinistrée par le chômage, essaie de se développer dans le secteur des nouvelles technologies.  En 1992 a été créé la "Fachhochschule" (université technique) de Brandebourg. Plus de étudiants y sont inscrits. Depuis 2004, elle accueille le siège de RapidEye, entreprise de géomatique et de télédétection internationale ayant plus de 80 employés.

Sports et culture.

Brandebourg possède des clubs permettant la pratique de tous les sports ayant du succès en Allemagne. Les performances de son club de handball sont assez bonnes.  Brandebourg, grâce aux vastes plans d'eau offerts par la Havel, accueille des compétitions d'aviron.  Brandebourg possède aussi un club de rugby, fait plutôt rare en Allemagne.

Brandebourg-sur-la-Havel (en ) est une ville allemande du Land de Brandebourg. La ville historique, mentionnée pour la première fois vers 928/929, se développait autour d'une forteresse slave et fut la résidence des premiers margraves de Brandebourg au ; c'est pourquoi elle est souvent appelée le « berceau de la marche ».

Brandenburg an der Havel is a town in Brandenburg, Germany, which served as the capital of the Margraviate of Brandenburg until replaced by Berlin in 1417.


Description.

C'est une liane herbacée, vivace, à grosse racine charnue de laquelle partent de longues tiges herbacées à section quadrangulaire qui s'enroulent à vive allure autour de leur support. Elle développe des tiges allongées (jusqu'à plus de ) volubiles aux feuilles opposées, à. Le houblon est une plante dioïque. Les plants femelles produisent des chatons qui, à floraison, deviennent des cônes ovoïdes couverts d'une résine odorante et pulvérulente, la lupuline. Les fruits, contenant des graines, sont des akènes globuleux et gris. Les plants mâles portent des fleurs en panicules larges.

Composants.

Myrcène, humulène, myrcénol, "caryophyllène, farnésène, géraniol," linalol, tanins et résine.

Histoire, usages du houblon.

Le houblon sauvage semble avoir eu autrefois une certaine importance pour les forestiers. Les archives conservent en effet des témoignages d'amendes données à des personnes ayant coupé du houblon en forêt sans « licence » (sans autorisation), par exemple en 1413, en forêt de Mormal : ""

Aromatisation de la bière.

Les inflorescences femelles, les cônes, sont utilisées pour aromatiser la bière depuis le lorsque Hildegarde de Bingen (1099-1179) découvrit les vertus aseptisantes et conservatrices du houblon (ainsi que son amertume). Il permettait ainsi à la bière de se conserver mieux et plus longtemps. Auparavant, un mélange d'herbes et d'épices, nommé gruit, était utilisé pour fabriquer ce que l'on appelait alors la cervoise.  Des études récentes ont montré que le composé au pouvoir œstrogénique était un flavonoïde : hopéine ou 8PN (pour (±)-8-prénylnaringinine).. Le lupulin présent dans les cônes de houblon mûr contient des acides (alpha et beta) responsables de son amertume. Les acides alpha (humulone (35 à 70 %), cohumulone (20 à 65 %) et adhumulone (10 à 15 %)) sont importants en brasserie car ils contribuent à la stabilité de la mousse de la bière et servent aussi comme agents conservateurs. Ces composés amers facilitent par ailleurs la digestion et participent avec l'huile essentielle présente dans les cônes au pouvoir sédatif du houblon.

Autres usages.

On peut également consommer les jeunes pousses cuites comme des asperges. Le houblon est planté comme plante grimpante décorative dans les jardins d'ornement. Il est considéré comme anaphrodisiaque.  Il peut être également consommé en tisane, car il faciliterait le sommeil.  Les longues tiges de houblon récoltées de septembre à novembre peuvent être utilisées pour la vannerie sauvage.

Production.

En France, le houblon est cultivé dans le Nord et l'Est sur des fils de fer attachés à un réseau de câbles maintenu par des perches de bois à 7 mètres du sol. En Belgique, il est cultivé sur environ dans la région de Poperinge qui produit environ par an (début des années 2000). Dans la région d’Alost (Aalst), quelques hectares de houblons aromatiques sont également cultivés.

Espèces-hôtes.

Les papillons de nuit (hétérocères) suivants se nourrissent de houblon :

Voir aussi.

Dans le calendrier républicain, le Houblon était le nom donné au du mois de fructidor.

Le houblon ou houblon grimpant (Humulus lupulus) est une plante herbacée vivace grimpante de la famille des "Cannabaceae". Elle a parfois pour noms vernaculaires couleuvrée septentrionale, bois du diable, salsepareille indigène ou vigne du Nord.

Humulus lupulus (common hop or hops) is a species of flowering plant in the hemp family (Cannabaceae), native to Europe, western Asia and North America. It is a dioecious, perennial, herbaceous climbing plant which sends up new shoots in early spring and dies back to a cold-hardy rhizome in autumn.


Biographie.

Franz Moritz Wilhelm naît le à Munich, d’un père peintre et professeur, Wilhelm Marc, et de Sophie Maurice. Son éducation protestante lui confère un point de vue très ouvert sur la vie. Il prendra différentes orientations, notamment celles de pasteur ou de philosophe, avant de se décider pour la peinture.  Il entre à l’Académie des beaux-arts de Munich, mais l'atmosphère y est trop étouffante à son goût et il n'y restera pas. Il fait la rencontre de plusieurs peintres animaliers en 1905, dont. Les animaux deviennent son sujet de prédilection. Il fait ses premières esquisses de cheval dès cette année. Il rencontre Marie Schnür, peintre, qu'il épouse en 1907, adoptant le fils de celle-ci, Klaus, qu'elle avait eu avec Angelo Jank. Il se sépare de sa femme et se marie ensuite avec l'artiste peintre Maria Franck, en 1913.  En 1907, il redécouvre Paris (après un premier séjour dans sa jeunesse) et l'art de Van Gogh et de Gauguin. Sa palette s’éclaircit et, en 1909, grâce à sa rencontre avec August Macke, il commence à se faire connaître et entre en contact avec de nombreux artistes, ainsi qu'avec le collectionneur Bernhard Koehler. Il s'installe, à partir de 1910, à Indersdorf, près de Dachau.  En 1911, il rencontre Wassily Kandinsky avec qui il crée Der Blaue Reiter, rassemblement de peintres d'avant-garde. Il abandonne la peinture en plein air et sa palette se fait de plus en plus subjective. Il commence à peindre, dès cette année, ses célèbres "Cheval bleu" qui inspirent le titre du fameux almanach "Le Cavalier bleu", ouvrage fondateur du groupe d'artistes qu'il a engendré. Puis en 1912, influencé par une exposition consacrée au futurisme italien et par les tableaux de Robert Delaunay, il se tourne vers l'abstraction, sa première œuvre entièrement de ce style étant "Composition I", peint en décembre 1913.  En 1914, il se porte comme volontaire sur le front où il travaille encore et toujours dans un petit carnet et se complaît dans le dessin abstrait. Il est touché par un éclat d'obus lors d'une chevauchée de reconnaissance et meurt en mars 1916, à Braquis, près de Verdun, sans avoir vraiment terminé son cheminement. Il sera inhumé temporairement à Gussainville, puis à Kochel am See, arrondissement de Bad Tölz-Wolfratshausen en Bavière, où est établi un musée qui lui est consacré.

Œuvre.

Il se divise en trois étapes allant du figuratif à l’abstrait. La partie de son œuvre la mieux connue est consacrée aux représentations animalières (essentiellement chevaline), où son thème est la force vitale de la nature. Il associe à l’animal des qualités qu’il ne rencontre pas chez l’homme. Il occulte toute représentation humaine au profit de l’animal et le paysage n’est plus que l’espace vital dans lequel ce dernier évolue. Il essaye de peindre la façon dont l’animal voit le monde par une simplification formelle et chromatique des choses pour en représenter « l’être absolu ». Il attribue à chaque couleur une signification ; le bleu pour le masculin austère et le spirituel ; le jaune pour le féminin, doux et gai, et le rouge comme couleur de la violence combattue par les deux premières.  Son cheminement du figuratif à l’abstrait se fait de manière très progressive, entre 1903 à 1914, ce qui aura constitué un long parcours () par rapport à sa courte vie ().

Distinctions.

Plusieurs villes allemandes ont des rues Marc : Fulda, Hambourg, Wolfsbourg, Oldenbourg, Puchheim, Vechta, Elmshorn, Heidelberg, Kochel am See, Cologne, Leverkusen, Sindelsdorf et Munich. La Deutsche Bundespost a édité le un timbre d'une valeur de 30 pfennigs reproduisant le tableau "Roten Rehen".  Le Ruhmeshalle de Munich expose un buste de Marc.  Le 13 octobre 2000, un astéroïde découvert en 1991 a été nommée Franz Marc : 15282 Franzmarc (1991 RX4).  Une plaque lui est dédiée à Gussainville, seule plaque en France dédiée à un soldat allemand.  La Deutsche Post a émis le 9 février 2012 un timbre d'une valeur faciale de 145 centimes d'euros.  En 2014, à l'occasion du de la mort d'August Macke, le Kunstmuseum Bonn a ouvert l'exposition « August Macke et Franz Marc. Une amitié artistique ». Elle présente pour la première fois les quelque 200 tableaux qui concernent la relation artistique entre les deux peintres.

Franz Marc sur le marché de l'art.

En février 2008, le tableau "Chevaux dans l"' a été vendu au prix record de d'euros chez Sotheby's à Londres, soit le double du prix estimé. L'acheteur est resté anonyme.  En juin 2009, un des derniers tableaux impressionnistes de Franz Marc, "Chevaux sautant", également de 1910, a atteint d'euros chez Christie’s, soit légèrement moins que le prix estimé.

Franz Marc, né le à Munich et mort le à Braquis, près de Verdun, est l'un des principaux représentants de l'expressionnisme allemand. Peintre animalier, graveur, pastelliste, aquarelliste, lithographe, écrivain, il fait partie du groupe Le Cavalier bleu.

Franz Moritz Wilhelm Marc (February 8, 1880 – March 4, 1916) was a German painter and printmaker, one of the key figures of German Expressionism. He was a founding member of "Der Blaue Reiter" (The Blue Rider), a journal whose name later became synonymous with the circle of artists collaborating in it.


Finalités du bilan comptable.

Le bilan est une « photographie » du patrimoine de l'entreprise qui permet de réaliser une évaluation d'entreprise, et plus précisément de savoir après retraitement (par exemple d'une optique patrimoniale à celle sur option de juste valeur pour l'adoption des normes internationales) combien elle vaut et si elle est solvable.  Pour les petites entreprises, le bilan sert surtout aux tiers (banques, administrations...) qui peuvent ainsi contrôler si l'entreprise est solvable (par une analyse des ratios ou de la trésorerie notamment) et pour évaluer les impôts et taxes dus. Les comptes annuels (dont le bilan, le compte de résultat, les annexes...) doivent obligatoirement être établis à la clôture de l'exercice (PCG article 123.16 en France, pour les entreprises dépassant de chiffre d'affaires annuel pour ventes de biens ou pour ventes de services).  Pour les grosses entreprises, il peut aussi être utile d'établir un bilan plus d'une fois durant l'exercice (4 fois par an par exemple). Le bilan forme un tout indissociable avec le compte de résultat et les annexes (et d'autres documents selon les normes suivies) pour former les comptes annuels. En effet, le montant du résultat de l'exercice trouvé au bilan est toujours égal au montant du résultat trouvé en compte de résultat. En association avec le compte de résultat, le bilan donne aussi des informations sur la performance et la rentabilité.  L'ensemble devrait être présenté ou accessible aux ayants droit (propriétaires, fournisseurs, prêteurs, fisc...). Il constitue normalement une garantie de transparence pour ceux-ci et doit être certifié par un commissaire aux comptes pour certaines entreprises (sociétés anonymes...).  Il existe donc trois finalités au bilan comptable :  Pour limiter le coût administratif, les entreprises cherchent à faire converger le bilan fiscal avec le bilan comptable officiel, mais c'est de moins en moins possible. L'optimisation fiscale ne recherche pas en effet à obtenir automatiquement une représentation juste aux yeux des tiers de la valeur et du résultat de l'entreprise.

Typologie des bilans comptables.

Bilan selon les normes internationales (IAS/IFRS).

Dans les normes internationales d'information financière, le bilan est appelé « état de la situation financière ». Les structures possibles du bilan sont définies par la norme IAS 1. Cette norme ne prescrit aucun ordre ou format de présentation des éléments du bilan, mais elle définit un certain nombre de postes. Le bilan doit distinguer les éléments courants et non courants, sauf si une présentation par ordre de liquidité est plus pertinente.  Un actif est courant s'il est destiné à être utilisé ou vendu dans le cadre du cycle d'exploitation de l'entreprise ou qu'il représente de la trésorerie. Les actifs non courants sont essentiellement des immobilisations (des actifs d'utilisation durable).  Un passif est courant si l'entreprise s’attend à le régler au cours de son cycle d’exploitation normal. Les passifs non courants sont essentiellement des emprunts qui ne doivent pas être réglés dans les douze mois suivant la date de clôture.  Les normes IFRS distinguent les « passifs » et les « capitaux propres », la somme des deux étant égale à l'actif.

Bilan selon les plans comptables en Belgique et en France.

Selon les plans comptables français et belge, le bilan est constitué du cumul par compte des écritures réalisées depuis la création de l'entreprise. Des étapes facilitent la construction de celui-ci. Le journal liste des enregistrements (comme pour une facture par exemple) pour un type de compte ou une période. Le grand livre réalise le cumul des enregistrements de l'exercice. La balance est le cumul par compte des écritures du grand livre. C'est donc une représentation en liste du bilan et du compte de résultat.  La différence monétaire entre l'actif circulant et les dettes est appelée : « besoin en fonds de roulement » (BFR).  Par ailleurs, une partie dite "hors bilan" indique les engagements divers (cautions par exemple) qu'a accordés ou reçus l'entreprise.  Pour trouver le résultat (bénéfice ou perte), il faut faire le total de l'actif et du passif. Ces totaux sont normalement différents et c'est le fait d'ajouter à la suite de l'actif ou du passif le résultat qui permet aux totaux d'être égaux. La présentation incluant le résultat est la présentation finalisée du bilan.  En cas de bénéfice, le résultat se retrouve au passif (assimilé à des capitaux propres car constituant un droit résiduel pour les actionnaires et associés). En cas de perte, le résultat devrait se placer à l'actif. En pratique, il est affiché au passif, précédé d'un signe moins ou entre parenthèses, en diminution des capitaux propres.

Bilan selon les normes en Allemagne.

Le mode de comptabilisation diverge avec le modèle français mais le bilan est proche.

Bilan selon les normes aux Etats-Unis d'Amérique.

La présentation du bilan d'une société cotée à New York diffère sensiblement de la présentation « à l'italienne » qui équilibre le passif et l'actif.  Elle présente l'avantage de donner un solde disponible (solde courant) et de la valeur patrimoniale possédée par l'actionnaire (l'actif net). Elle doit respecter la norme "US Gaap".

L'état de la situation financière (terme officiel des normes internationales IFRS, aussi appelé bilan comptable) est un état financier qui synthétise à un moment donné ce que l'entreprise possède, appelé l'« actif » (terrains, immeubles, etc.) et ses ressources, appelées le « passif » (capital, réserves, crédits, etc.). Le bilan est l'un des documents composant les états financiers.

In financial accounting, a balance sheet or statement of financial position or statement of financial condition is a summary of the financial balances of an individual or organization, whether it be a sole proprietorship, a business partnership, a corporation, private limited company or other organization such as Government or not-for-profit entity. Assets, liabilities and ownership equity are listed as of a specific date, such as the end of its financial year. A balance sheet is often described as a "snapshot of a company's financial condition". Of the four basic financial statements, the balance sheet is the only statement which applies to a single point in time of a business' calendar year.


Description.

Les prêles sont des plantes herbacées vivaces, rhizomateuses, qui ont une tige nettement articulée, des microphylles écailleuses en verticille au niveau des nœuds. C'est aussi sur ces nœuds que viennent s'insérer les rameaux des espèces ramifiées. Les tiges sont cannelées et présentent un épiderme siliceux. L'anatomie des tiges est complexe et montre un cordon de canaux carinaux entourant l'espace interne du chaume.  Les prêles sont hétérosporés mais dotées d'une isosporie apparente. Selon les espèces, on observe soit des tiges fertiles particulières peu chlorophylliennes portant des strobiles à leur sommet, soit le développement de strobiles à l'extrémité des tiges végétatives. Les gamétophytes issus des spores sont soit bisexués, soit mâles uniquement et la fécondation est la plupart du temps croisée.  Ce sont les tiges stériles vertes qui viennent ensuite qui sont consommées.  La multiplication végétative importante et la résistance aux herbicides peuvent rendre les prêles parfois envahissantes.

Écologie des "Equisetum".

Distribution spatiale.

Les" Equisetum" sont naturellement dispersés à travers le monde entier, à l’exception de l’Australie, la Nouvelle-Zélande et des îles de l’océan Indien, de l’océan Pacifique Central et des îles de l’océan Atlantique Sud. Elles vont croître dans des environnements humides, tels que les fossés, les terres humides, les forêts humides et en bordures des routes (lorsque l’apport en eau souterraine est disponible en quantité suffisante).

Modes de reproduction.

Les ptéridophytes du genre "Equisetum" possèdent plusieurs moyens de reproduction. D’abord, ils peuvent se reproduire par la reproduction sexuée, en produisant des spores. Leurs spores possèdent des structures hydroscopiques, donc elles se dilatent et se contractent au contact de l’eau. Ces structures ont probablement pour fonction d’aider à la dispersion dans l’environnement. Les spores des "Equisetum" ont une vie de courte durée, mais elles ont une capacité de germination très rapide. En effet, elles peuvent germer en moins de 24 heures après avoir été relâchées. Leur longévité dépend de l’humidité de l’environnement, mais leur durée maximale de germination va de 5 à 17 jours. Si elles dépassent cet durée, elles perdent leur capacité de germination. Il existe cependant certaines conditions où une spore peut conserver sa capacité germinatrice jusqu’à un intervalle de deux ans ou même plus longtemps, lorsqu’elle est conservée à des températures très froides.  Les environnements perturbés sont optimaux pour que les spores germent. Ceci explique que dans la plupart des espèces du genre" Equisetum", la capacité à se reproduire de façon sexuée est relativement faible.  Par ailleurs, certaines espèces de ce genre possèdent une capacité remarquable de se reproduire de façon végétative. Cette capacité leur permet de compenser l’inefficacité de la reproduction sexuée en produisant des rhizomes pour rapidement coloniser un environnement perturbé. Ces plantes produisent des réseaux de rhizomes extensifs et profonds, ce qui leur permet d’atteindre des sources d’eaux profondes, et aussi, de survivre à des incendies et de recoloniser les sites incendiés très rapidement.

Adaptations aux sols saturés en eau.

Dans un sol saturé en eau, les conditions sont habituellement anoxiques. Les plantes doivent donc posséder des adaptations morphologiques et physiologiques pour faciliter le transport de l’oxygène provenant de l’atmosphère vers les organes souterrains de la plante. Chez beaucoup de plantes de terres humides, des structures spécialisées permettent le transport de l’oxygène () et du dioxyde de carbone () d’une partie de la plante à une autre. Chez les "Equisetum" des terres humides, les rhizomes et les racines possèdent de larges canaux, dont la fonction possible est celle de faciliter le transport de l’oxygène.

Importance du silicium.

Une autre remarquable caractéristique des membres du genre "Equisetum" est leur capacité d’intégrer le silicium et de l’accumuler dans leurs tissus. Cette accumulation confère une certaine rigidité et stabilité à la plante. Plusieurs recherches indiquent que la silice peut procurer une protection contre les champignons pathogènes et contre les attaques des insectes.  Un mécanisme inconnu chez les plantes pourrait également utiliser le titane pour stimuler la production d'hydrates de carbone et encourager la croissance. Cela pourrait expliquer pourquoi la plupart des plantes contiennent environ 1 partie par million (ppm) de titane, les plantes alimentaires en contiennent environ 2 ppm, et la prêle et l'ortie en contiennent jusqu'à 80 ppm.

Espèces.

Parmi ces taxons, il y a dix espèces présentes en France, neuf en Suisse, et sept en Belgique ainsi qu'un hybride présent dans ces trois pays.

Observations.

En 2013, les déplacements aléatoires de spores d'Equisetum sont observés par le Laboratoire interdisciplinaire de physique et décrits comme des sauts de puces en fonction de l'humidité ambiante.

Utilisation.

La prêle était autrefois utilisée fraîche pour récurer les casseroles ou séchée comme abrasif fin pour poncer finement des pièces d'ébénisterie ou de métal. Cette action de ponçage avait pour verbe : prêler. Cette utilisation ne persiste qu'auprès de certains musiciens qui utilisent encore la prêle pour poncer finement les anches en roseau de leurs instruments à vent (hautbois, clarinettes...). Ces propriétés abrasives viennent de la forte teneur en silice de la plante.

Alimentaire.

En tisane, la prêle s'utilise en mélange de façon à cacher son amertume.  Les jeunes pousses coupées en morceaux peuvent s'ajouter aux salades.  Au Japon, elles se cuisent à la vapeur puis sont sautées à l'huile. Elles sont aussi conservées dans le vinaigre.

En agriculture biologique.

En décoction (aussi appelée purin), la prêle a un effet préventif et curatif sur plusieurs maladies cryptogamiques : cloque du pêcher, mildiou, monilia, oïdiums, tavelures, rouille, maladie des taches noires sur le rosier, botrytis, etc.  Elle s'utilise en pulvérisation, diluée à 20 %, d'une décoction réalisée en portant à ébullition d'eau contenant de tiges finement coupées. Cette décoction est prête après avoir laissé le mélange refroidir pendant au moins 12 heures.  Si on trouve beaucoup de prêles sur un terrain, on peut sonder pour installer un puits : la prêle est indicatrice d'eau affleurante.

Médicinale.

Les tiges stériles sont utilisées comme diurétique, hémostatique, reminéralisant et antirhumatismal.  La prêle est riche en sels minéraux utiles pour la santé, et en silice qui est bienfaisante pour la peau. Sous sa galénique SIPF, elle est conseillée pour renforcer les phanères.  La prêle est aussi une plante aux vertus hémostatiques reconnues.

Identification.

L'identification des "Equisetum" demande le plus souvent l'examen à la loupe des cavités de la tige. On devra donc, soit sectionner la tige à l'état frais sur le terrain et noter le croquis de la section, soit ramollir après coup un fragment de tige dans l'eau très chaude, et sectionner.

Calendrier.

Dans le calendrier républicain français, le du mois de Thermidor est dénommé jour de la Prêle.

Equisetum est un genre de plantes de la sous-classe des prêles ("Equisetidae"). Toutes les prêles actuelles sont classées dans ce genre et forment la famille des Équisétacées (Equisetaceaee) issue de la seule lignée survivante de ce groupe très diversifié pendant le Carbonifère.<br> Ce sont toutes des espèces herbacées, alors que d'autres familles de prêles aujourd'hui éteintes étaient composées d'espèces arborescentes.

Equisetum (; horsetail, snake grass, puzzlegrass) is the only living genus in Equisetaceae, a family of vascular plants that reproduce by spores rather than seeds.