Biographie.

Origines.

Roger de Hauteville est le fils cadet de Tancrède de Hauteville ("Rogerius Tancredi de Altavilla filius"), un petit seigneur normand sans fortune de la région de Coutances, dans l'ouest du duché de Normandie. Sa mère Frédésende, seconde épouse de Tancrède, passe parfois pour être une fille du duc Richard II de Normandie. Selon le chroniqueur Geoffroi Malaterra, d'origine normande, Tancrède de Hauteville fait partie de la noblesse du duché sans être cependant l'un des principaux seigneurs. Selon la princesse byzantine Anne Comnène, les Hauteville sont d'origine obscure.  Du Moyen Âge au, on a voulu donner à la famille Hauteville d'illustres origines. Selon l'historien italien Ptolémée de Lucques, Tancrède de Hauteville est un descendant du chef viking Rollon, duc de Normandie, tandis que pour l'érudit sicilien Rocco Pirri, il est l'un des fils du duc Richard II de Normandie ou de son frère Guillaume de Brionne, comte d'Hiémois. Le théologien danois Erik Pontoppidan, fait de Tancrède de Hauteville un fils du duc Richard III de Normandie. Pour l'historien allemand Johann Christoph Gatterer, Tancrède est issu d'un proche parent de Rollon. Ces affirmations sans fondement, qui se contredisent entre elles, sont démenties par les textes les plus sûrs et n'ont pour origine que la fantaisie de leurs auteurs.

Débuts en Italie.

Roger de Hauteville quitte le duché de Normandie pour le sud de l'Italie dans les années 1050 (conventionnellement en 1057.), accompagné de ses frères Godefroi, Mauger et Guillaume, ainsi que par une petite troupe de parents et amis, dont Hugues de Grandmesnil, Raoul de Tosny et Robert Guitôt. Selon le chroniqueur Aimé de Montcassin, le jeune Roger arrive en Italie après la bataille de Civitate (1053). Pour Geoffroi Malaterra, plus précis, il arrive après la mort de son frère aîné Onfroi (1057), normand d'Apulie.

Conquête de la Sicile.

Peu de temps après son arrivée en Italie, son frère aîné Robert Guiscard, normand d'Apulie, préfère l'écarter, se méfiant probablement de son jeune et ambitieux frère. Roger est alors dirigé avec sa bande en Calabre où il est chargé d'étouffer une révolte et d'y maintenir l'ordre. Il participe à la lutte contre les Byzantins d'Italie du Sud avant d'installer son quartier général à Mileto en 1061.  La petite cité de Mileto sera jusqu'à sa mort 40 ans plus tard, sa résidence favorite. Guiscard, allié depuis 1059 à l'Église et à la Papauté, le nomme « comte de Sicile » en 1062. Roger peut dès lors commencer au nom de la Papauté la conquête de la Sicile, alors sous domination musulmane, et surtout s'y tailler un fief : malgré la faiblesse numérique de son « armée » ou plutôt de sa bande, il peut commencer à guerroyer dans l'île, quadrillée par de nombreuses forteresses musulmanes. La conquête, s'étalant sur 30 années, sera longue du fait du petit nombre de guerriers normands.  Après ces trente longues et difficiles années de guerre avec notamment les épisodes marquants de la prise de Messine (1061), le siège de Troina (1062), la bataille de Cerami (1063), la bataille de Misilmeri, et la prise de Palerme en 1072, il libère enfin la Sicile de l'occupation musulmane avec la prise de Noto (1091). Entretemps, la mort de son puissant frère en juillet 1085 le laisse totalement libre dans ses actes et il devient le seul véritable maître de la Sicile qu'il organise en comté en y introduisant notamment le système féodal, tout en gardant Mileto comme capitale de ses possessions ; c'est le début de la Sicile normande, une ère de prospérité faisant la continuité de l'époque musulmane. Une Sicile où Roger se montre tolérant, respectant les différentes identités, coutumes, et religions de l'île. En effet, une fois la guerre finie, Roger autorise les Musulmans qui le souhaitent, berbères ou arabes, à rester dans l'île. Les mosquées ne sont pas détruites, et Palerme, la capitale, en compte une quarantaine. Juifs, musulmans, et chrétiens orthodoxes ne subissent pas de persécutions.  Roger fera également appel à de nombreux colons originaires de l'Italie du Nord pour repeupler les régions désertifiées d'une île ravagée par trente années de guerre, notamment dans la région d'Enna et de Messine. Ces colons sont à l'origine du dialecte gallo-italique, qui a su se maintenir jusqu'à nos jours, grâce notamment à l'isolement géographique. Roger, le « Grand Comte », meurt de causes naturelles le dans son fief de Mileto en Calabre où il est inhumé. Son tombeau sera détruit par un tremblement de terre.

Description.

Le chroniqueur d'origine normande Geoffroi Malaterra, témoin contemporain des événements, nous dit de Roger :  "«...Roger est un jeune homme de la plus grande beauté, robuste, de haute stature, de forme gracieuse, extrêmement éloquent, ayant beaucoup d'esprit et de facilité à s'exprimer (...). Toujours affable, plein de gaieté, de force et de bravoure, sachant allier à ses qualités la sagesse et la prévoyance. Il est prévoyant dans toutes ses actions, amical et joyeux avec tous ses hommes, fort et courageux, et sauvage dans la bataille (...). On ne pouvait lui reprocher qu'un désir immodéré de gloire et peut-être aussi un esprit d'insubordination qui le portait à s'entourer de ceux dont le caractère se rapprochait du sien, et à les combler de bienfaits... »".

Descendance.

Roger eut trois épouses :  L'aîné des fils de Roger était un bâtard du nom de Jourdain, probablement né en Italie autour de l'an 1060, qui décèdera avant son père au début des années 1090.  Roger eut également quelques concubines qui lui donneront plusieurs enfants dont un certain Mauger, mort jeune, ou encore un certain Godefroi, comte de Raguse, qui devint lépreux.  De son premier mariage avec Judith d'Évreux, il a des filles :  En 1077, Roger se marie une seconde fois avec Eremburge de Mortain. Ils ont sept enfants, plus une fille possible selon Patrick Deret :  De sa troisième et dernière épouse, Adélaïde de Montferrat, ils ont quatre enfants :

Roger de Hauteville (italien : "Ruggero d'Altavilla" ; latin : "Rogerius de Altavilla" : v. 1031 – 1101), dit le « Bosso » puis, le « Grand Comte », « Jarl Rogeirr », est un aventurier normand du ; conquérant de la Sicile musulmane, il est à l'origine du futur royaume de Sicile.

Roger I ( – 22 June 1101), nicknamed Roger Bosso and The Great Count, was a Norman nobleman who became the first Count of Sicily from 1071 to 1101. He was a member of the House of Hauteville, and his descendants in the male line continued to rule Sicily down to 1194.


Biographie.

Freddie Hubbard commence la trompette et le bugle au à Indianapolis. Dès son jeune âge, il joue avec le guitariste Wes Montgomery. Celui-ci devient son modèle, il s'en inspirera tout au long de sa vie. Il poursuit ses études musicales au Arthur Jordan Conservatory of Music. En 1958, il déménage à New York où il joue avec Ornette Coleman, Eric Dolphy, Slide Hampton, J. J. Johnson, Philly Joe Jones, Quincy Jones, Oliver Nelson, Joe Zawinul, Wayne Shorter et Sonny Rollins. Il se met ensuite au hard bop avec Art Blakey et les Jazz Messengers. Avec le groupe, il crée plusieurs albums dont "Mosaic", "Buhaina's Delight" et "Free for All".  En, Hubbard enregistre son premier album en tant que leader, "Open Sesame", en compagnie du saxophoniste Tina Brooks, du pianiste McCoy Tyner, du bassiste Sam Jones et du batteur Clifford Jarvis. Au mois de décembre, il est invité à participer à l'album d'Ornette Coleman "" après que Coleman l'a entendu jouer avec Don Cherry.  En, Hubbard enregistre "Olé Coltrane", invité par John Coltrane lors d'une séance dans les studios d'Atlantic Records. C'est en août de la même année qu'il compose l'un de ses plus célèbres titres, "", en collaboration avec le saxophoniste Wayne Shorter.  C'est lorsqu'il joue avec les Jazz Messengers d'Art Blakey qu'il développe son propre son, s'éloignant des influences de Clifford Brown. Il obtient le titre de « Nouvelle Star » dans le magazine de jazz "Down Beat".  Dans les années 1960, il enregistre 36 albums. La plupart sont aujourd’hui des classiques. Il se lance aussi dans le free jazz.  Dans les années 1970, Freddie entre dans le groupe dirigé par Herbie Hancock. Ce groupe innove dans un nouveau genre de jazz : le free bop (mélange de be bop des années 1940, de jazz modal des années 1950 et de free jazz des années 1960). Freddie connaît quelques-uns de ses plus grands succès avec cette formation. Ces années 1970 sont le point culminant de sa célébrité. C’est à cette époque qu’il enregistre, à l'Hollywood Palladium, son plus grand album "live", "California Concert", incluant le célèbre "Red Clay". Il effectue des improvisations sensationnelles et d’excellentes performances musicales. Il est considéré comme un des plus grands trompettistes de l’époque.  Il se lance ensuite dans le smooth jazz, où il a de mauvaises critiques. Assailli par une série de problèmes de santé, il doit arrêter la trompette. En 1992, il se fait une profonde entaille dans la lèvre supérieure qui s'infectera. Il ne retrouvera jamais le niveau auquel il jouait quelques années auparavant ; cependant, il continue à jouer et enregistrer des titres occasionnellement.  Il est honoré en 2006 du NEA Jazz Masters Fellowship, plus grand prix en jazz décerné par le National Endowment for the Arts.  Il tombe plus gravement malade dans les dernières années de sa vie. Le, le journal "The Indianapolis Star" annonce qu'il est mort d'une crise cardiaque le. Son enterrement se déroule en présence de nombreuses célébrités et personnalités du jazz. Après sa mort, ses fonds furent reversés à l'association.

Frederick Dewayne Hubbard, plus connu sous le nom de Freddie Hubbard, est un trompettiste et compositeur de jazz américain, né le à Indianapolis, dans l’État d’Indiana (États-Unis), et mort le à la clinique de Los Angeles à la suite d'un problème cardiaque. Il devint célèbre par sa musique bebop et hard bop. Grâce à un son unique et son art d'improviser, il contribua à l'expansion du modern jazz et du bebop.

Frederick Dewayne Hubbard (April 7, 1938 – December 29, 2008) was an American jazz trumpeter. He played bebop, hard bop, and post-bop styles from the early 1960s onwards. His unmistakable and influential tone contributed to new perspectives for modern jazz and bebop.


Histoire.

Les débuts à traction animale.

Saint-Pétersbourg a vu arriver le tramway dans ses rues durant les années 1860. Ceux-ci étaient alors tirés par des chevaux. Cependant, dès 1854, une ligne exclusivement réservée au marchandises avait été mise en service pour desservir une banlieue industrielle. En 1863, trois lignes destinées au transport des personnes ont été mises en service dans le centre-ville. Les entreprises privées se sont multipliées, et à l'apogée du réseau à traction animale, on comptait 25 lignes et plus de 100 kilomètres de voie. Cet ensemble transportait alors plus de deux millions de passagers par an.  Au cours de l'hiver 1907, le tramway électrique est revenue à Saint-Pétersbourg. Cette fois, ils ont circulé sur des voies posées sur de la glace (pendant la saison d'hiver) recouvrant la Neva. Une entreprise de transport publics électriques a été formée, et plusieurs lignes traversant le fleuve en divers endroits ont été exploitées. Car si la "Horsecar Stock Company" possédait le monopole du transport sur voie ferrée dans les rues, en revanche, elle ne disposant d'aucun titre lui assurant l'exclusivité à la surface des cours d'eau gelés.

L'électrification.

Le, le contrat entre la ville et la société la "Horsecar Stock Company" a été rompu, et tout le système ferroviaire, c'est-à-dire les rails, wagons, des chevaux, les bâtiments et autres équipements, est devenu propriété de la ville de Saint-Pétersbourg. Cependant, la ville a dû payer à la compagnie pendant encore 12 ans une indemnité pour la reprise du réseau. Immédiatement la municipalité de Saint-Pétersbourg a commencé à planifier son futur réseau de tramway électrique, qui devait se substituer aux tramways à chevaux vieillissants. Un certain nombre de questions devaient être résolues, en particulier, les voies légères et à écartement étroit devaient être remplacé par de nouvelles plus lourdes et de meilleure qualité ; le réseau a dû être électrifié, et de nouveaux dépôts adaptés à l'entretien des tramways électrique ont dû être construits. Le projet a été concédé à l'entreprise américaine Westinghouse Electric Corporation.

La période post-URSS.

Après la disparition de l'Union soviétique, les transports publics à Saint-Pétersbourg ont été constamment sous-financés, d'où le manque d'entretien et de services peu fiables. Un grand nombre de voies ont été démolies, et la tendance se maintient jusqu'à aujourd'hui, ce qui pénalise de nombreux passagers. Officiellement, le démantèlement complet du réseau n'est pas planifié bien que des suppressions massives de lignes ont eu lieu depuis 2001. Les deux dernières ouvertures de lignes remontent à 1999 pour relier les extensions résidentielles récentes dans le nord-ouest (Dolgoe Ozero, Komendantsky Aerodrom, Lakhtinsky Razliv) à la toute nouvelle station Staraya Derevnya du Métro de Saint-Pétersbourg. En 2005 et 2006, depuis le dernier changement dans la gestion de "Gorelectrotrans" de gestion en, plus de supplémentaires de voies ont été détruits, non seulement dans le centre de la ville, mais aussi une section de dans un quartier résidentiel excentré. Ces suppressions ont gravement fragilisés le fonctionnement du réseau et réduit sa capacité à répondre aux besoins de la population. De nouvelles fermetures de lignes sont programmées sous les pressions des lobbys routiers qui estiment que la baisse du trafic tramway donne plus de liberté à la circulation automobile et aux minibus privés qui suivent le même tracé.

Réseau actuel.

Aperçu général.

En 2011, on compte 39 lignes de tramway en service dans la ville pour un réseau d'une longueur de 205 kilomètres  Il s'agit des lignes " 6, 7, 8, 9, 10, 16, 18, 19, 20, 21, 23, 24, 25, 27, 29, 30, 36, 38, 40, 41, 43, 45, 47, 48, 49, 51, 52, 55, 56, 57, 58, 59, 60, 61, 62, 64, 65, 100 " et "A".  Les autres fonctionnent les jours ouvrables seulement. Environ un tiers du réseau est exploité avec des fréquences de 10 minutes et moins. D'autres sections sont exploités à des fréquences allant jusqu'à 30 minutes.

Matériel roulant.

Le réseau compte plus de 800 rames de tramway.  Tous les véhicules actuellement en service sur le réseau ont été construits par Petersburg Tram Mechanical Factory ("PTMF") (). La série "KTM-5M3", qui a été produite dans la ville d'Oust-Katav dans l'oblast de Tcheliabinsk, a été utilisée à Saint-Pétersbourg jusqu'au.  Les véhicules des séries suivantes sont actuellement en service :  Entre en 1907 et à la fin des années 1960, le réseau de tramway de Saint-Pétersbourg a utilisé des voitures construites au Royaume-Uni par Brush.  Plusieurs voitures de cette série, ainsi que d'autres modèles anciens construit par PTMF sont maintenus en état de fonctionnement et peut être loués pour les occasions spéciales. Tous les modèles de tramways exploités à Saint-Pétersbourg ont été présentés dans une grande parade pour les 90 ans du réseau en 1997.  Toutes les voitures historiques sont stockées dans l'ancien dépôt 2 sur l'île Vassilievski qui n'est plus utilisé pour abriter les trams servant à l'exploitation du réseau depuis.  Fin 2011, la municipalité signe une lettre d'intention auprès d'Alstom et de son partenaire russe TMH pour la définition et la fourniture d'une nouvelle rame rapide et à plancher bas.

Le tramway de Saint-Pétersbourg () en Russie était réputé pour être le plus grand réseau de tramway au monde. À la fin des années 1980, ses voies couraient sur environ 340 kilomètres. Depuis 1995, le réseau de tramway s'est fortement rétracté avec la suppression de nombreuses portions de voies en centre-ville. De sorte que le réseau de Melbourne () est désormais plus long. Si le réseau avait encore une longueur de en 2001, elle se limitait au début 2007 à parcourus par 39 lignes différentes. Il est exploité par "Gorelektrotrans" (), une société municipale qui est également propriétaire du réseau de trolleybus.

Trams in Saint Petersburg are a major mode of public transit in the city of Saint Petersburg, Russia. Saint Petersburg once had the second-largest tram network in the world, consisting of about of unduplicated track in the late 1980s. However, since 1995 the tramway network has declined sharply in size as major portions of track were removed, particularly in the city centre. Saint Petersburg lost its record to Melbourne, Australia. While it still had of length in 2002, by early 2007 the tram network's had declined to just over, and by the 2010s operated on just of network.


Biographie.

André Derain est né à Chatou, dans une famille aisée. Son père Louis-Charlemagne, crémier-glacier au 87, rue Saint-Germain est conseiller municipal. Sa mère, Clémentine Angélique Baffé, a perdu plusieurs enfants en bas-âge, seul restait un frère aîné, René (1870-1890). André Derain est placé dans une famille nourricière à Orgeval. Il commence à peindre vers 15 ans alors qu'il termine ses études secondaires au lycée Chaptal. À 18 ans, il entre à l'académie Camillo, dirigée par Eugène Carrière, un ami de Pierre Puvis de Chavannes. En 1900, il rencontre Maurice de Vlaminck dans un train de banlieue. En 1901, il fait la connaissance d'Henri Matisse au Louvre alors qu'ils effectuent des copies.  Jeunes peintres démunis avec Vlaminck, ils partagent un atelier dans la Maison Levanneur à Chatou. Il effectue son service militaire entre 1901 et 1904. Il commence à peindre ses premiers paysages et illustre les premiers romans de Vlaminck dont "D'un lit dans l'autre". Il rencontre le poète et critique Guillaume Apollinaire qui dédicacera un poème dans son recueil "Alcools". Autodidacte, il fréquente assidûment les musées et nourrit sa réflexion esthétique d'un grand nombre de lectures (Zola, Nietzsche...). À l'influence déterminante de Vincent van Gogh, qu'il découvre en 1901, s'ajoute celle des néo-impressionnistes et surtout l'œuvre de Paul Cézanne qu'il voit au premier Salon d'automne en 1903.

L'invention du fauvisme.

Après avoir suivi les cours de l'académie Julian, Derain rejoint Matisse à Collioure en 1905. Ensemble ils créent la première révolution esthétique du : le Fauvisme (couleurs vives, dessin simplifié, etc. ("Collioure", huile sur toile,, 1905, Metropolitan Museum of Art, New York).)  Il expose au Salon d'automne, en 1905, dans la Salle aux fauves avec Matisse, Vlaminck, Braque, Camoin, Marquet, Girieud ; il signe la même année son contrat avec Ambroise Vollard ("Bougival", huile sur toile,, 1905, musée du Havre). En 1905 et 1906, il voyage à Londres ("Regent Street", Londres, huile sur toile,, 1906, Metropolitan Museum of Art, New York). Il est alors considéré comme un des meilleurs représentants du fauvisme.  En 1906-1907, il est bouleversé par la découverte des arts « primitifs » à Londres et commence avec Vlaminck à collectionner ce que l'on appelle, alors, l’« art nègre ». Il achète un masque Fang. En étroite relation avec Matisse, il poursuit sa réflexion sur les liens entre décoration et expression. Il s'intéresse aux arts décoratifs : céramique, bas-reliefs en bois, sculpture qu'il pratique sur pierre. Il réalise de grands panneaux sur le thème de l'âge d'or, de la danse ou des baigneuses. Après 1906, l'influence de Paul Gauguin décroit sur sa peinture, sa palette change. Puis l'année suivante, il déménage à Montmartre pour se rapprocher de ses amis Pablo Picasso, Braque, Apollinaire, Kees van Dongen et Max Jacob... Il fréquente le Bateau-Lavoir, est influencé par Picasso. Il rencontre alors à Montmartre Alice Géry, la femme de Maurice Princet, mathématicien et théoricien du cubisme. Elle se sépare de son mari et épousera André Derain en 1926 ; ce dernier peindra à de nombreuses reprises son visage sévère et élégant.

Alice Géry (1884-1975).

Alice Géry est une fille d'ouvrier qui ressemblait à une « Madone aux cheveux libres », suivant la description que fait d'elle Gertrude Stein dans ses mémoires : « Elle a les pouces solides. » Elle est un des modèles de Picasso de la "période bleue" ("Jeune fille accoudée", dessin, 1903)., selon Gertrude Stein, qui dit l'avoir toujours aimée. Alice a un caractère trempé ; elle et Derain assumeront l'éducation de sa nièce Geneviève, née en 1919. organise la vie et supporte les aventures de son mari André. Elle pose pour Charles Despiau en 1922.

Le retour au classicisme.

En 1906, Derain séjourne à l'Estaque où il travaille avec Braque. En 1907 il passe l'été à Cassis, où Matisse le visite.  En 1908, Derain séjourne à Martigues où Friesz, Braque et Dufy sont ses voisins. Il peint une série de paysages pré-cubistes représentant la ville et ses environs puis avec Dufy à L'Estaque. Il illustre le premier livre de poésie de Guillaume Apollinaire, "L'Enchanteur pourrissant" (1909). Après avoir peint des paysages de Cagnes-sur-Mer, il rejoint Picasso en Espagne à Cadaqués en 1910. Il participe avec Braque et Picasso à la première phase de l'invention du cubisme dite cézano-cubiste : 1908-1910 ("Maisons au bord de l'eau", huile sur toile,, 1910, musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg). Il s'installe au 13, rue Bonaparte dans le arrondissement. Dès 1911, il revient à une facture qui semble plus traditionnelle, amorce un retour à la perspective et au clair-obscur, à la suite d'un séjour dans le nord et le centre de la France. Il anticipe alors le retour au classicisme qui s'imposera après 1918 à Picasso, Braque et à la nouvelle génération des peintres. Cette période de son œuvre, dite gothique ou byzantine, d'une grande originalité, a fortement influencé la peinture métaphysique italienne d'après-guerre (De Chirico, Sironi, etc.) et la peinture allemande de la Nouvelle Objectivité. Elle a également beaucoup impressionné les futurs poètes surréalistes français (Breton, Aragon, Desnos...).  En 1912, il séjourne à Vers (Lot), près de Cahors. Il loge dans le presbytère ("Église à Vers", huile sur toile,, 1912, musée de Cardiff). Plusieurs des toiles qu'il a peintes alors se trouvent aujourd'hui au MoMA à New York ou en Russie. Il participe à Londres à la Second Postimpressionnist Exhibition. Il illustre un recueil de poèmes de Max Jacob en 1912 : "Œuvres burlesques et mystiques du frère Matorel mort au parloir". En 1913, il retrouve Vlaminck à Martigues et participe à l'exposition de la Toison d'Or à Moscou et de l'Armory Show à New York. En 1914, il expose dans les galeries de l'expressionnisme allemand, à la Neue Galerie de Berlin ; puis à Düsseldorf, enfin à Dresde. Pendant l'été il est à Montfavet près d’Avignon, avec Braque et Picasso, quand éclate la guerre. Il s'éloignera de Picasso à l'issue de la guerre, leurs liens s'étant distendus.

La Première Guerre mondiale.

Au début de la Première Guerre mondiale, Derain est mobilisé dans l'artillerie, au régiment d'infanterie de Lisieux. Il sert en Champagne, dans la Somme, à Verdun, au chemin des Dames jusqu'en 1917, puis dans l’Aisne et les Vosges. Le, il écrit à sa femme Alice : Il est donné une fois pour mort. À partir de 1915, Derain est mentionné dans diverses revues expressionnistes allemandes comme symbole d'amitié et de respect. En 1915, le peintre et poète allemand Carl Einstein fait paraître un long poème "Gedenken des André Derain" ("Souvenir d'André Derain") dans la revue berlinoise et expressionniste "Aktion" ( du ).  En 1919, Derain fournit des illustrations pour le premier livre d'André Breton, "Mont de Piété". Il reste peu de dessins connus de la période, et le titre d'une seule toile perdue : "Le Cabaret du Front", vue par André Breton en 1921 dans l'atelier du peintre. Il est démobilisé en 1919 ; on peut lire sur son livret militaire : Derain est porté à l’ordre du jour du régiment en pour sa conduite sur la route de Bras à Douaumont.

Le retour à l'ordre.

En 1919, Cocteau, dans son article « Au revoir, Derain », explique la rupture qu'opère Derain, par rapport au cubisme de Braque et de Picasso (période 1911-1912) dans lequel il n'a pas prolongé son engagement :, présentant ainsi l'idéal néo-classique de Derain en rupture avec l'avant-garde d'avant la Première Guerre mondiale.  Il se brouille avec Vlaminck. Et accueille définitivement sa belle-sœur, Suzanne Géry, avec sa fille Geneviève (née en 1919), que Derain adorait ; il la peindra une centaine de fois ("Le Peintre et sa famille", huile sur toile,, 1939, Tate Gallery, Londres).

Un décorateur de théâtre et de ballet demandé.

Pour le ballet "La Boutique fantasque", de Diaghilev, animateur des Ballets russes, joué à Londres en, il crée des marionnettes mécaniques. La création a lieu à Londres, cette expérience l'amène à concevoir de nombreux décors et costumes de ballets pendant les années 1920 et 1930 pour la scène. Pendant la guerre, il a créé des masques avec des boîtes et des coquillages ; en 1919 les costumes et décors pour "L’Annonce faite à Marie" de Paul Claudel, pour une tournée en Scandinavie. En 1924, il participe au premier film de Jean Renoir, "La Fille de l'eau", dans le rôle du patron du café, avec Catherine Hessling en vedette et dont il a fait le portrait. En 1926, il dessine les décors pour le ballet "Jack in the Box", musique d’Erik Satie pour les Ballets russes (Serge Grigoriev's photo album/scrapbook, Library of Congress, Washington, USA). Il réalise les décors pour les ballets : "La Concurrence", en 1932, "Les Fastes" et "Les Songes", en 1933, dont il a écrit les arguments. Au total,.  Il renouvelle son contrat avec la galerie Kahnweiler en 1920. En 1922, il expose ses tableaux à Stockholm, à Berlin, Munich et à New York. Paul Guillaume devient son marchand attitré en 1923. Sa réputation grandit encore lorsqu'il reçoit le prix Carnegie en 1928 pour le tableau "La Chasse" et continue à exposer dans le monde entier : à Londres, Berlin, Francfort, Düsseldorf, New York et Cincinnati. Entre 1925 et 1928, les prix des tableaux de Derain passent de à. Célèbre figure des Années folles, cet homme de haute taille (), collectionne les voitures (les Bugatti), les châteaux (à Chailly-en-Bière, à Parouzeau) et les conquêtes féminines.  En 1929, il se fait construire une maison-atelier par l'architecte Zielensky au 5, rue du Douanier-Rousseau dans le arrondissement de Paris, en face de chez Braque. Il étonne par son esprit pratique, il aime réparer les voitures, pratiquer la musique, jouer du piano ou de l'orgue, monter des maquettes d'avion ou tirer les cartes au tarot... Ainsi, en 1931, il écrit à la demande d'André Breton, qui le considère comme le peintre du « trouble moderne », un petit traité du tarot, « Le Critérium des as », qui est publié dans la revue du surréalisme, "Le Minotaure". Certains critiques y voient un touche-à-tout fantasque, velléitaire. En 1931, un numéro spécial des "Chroniques du Jour" paraît : « Pour ou contre Derain ». Pour ses partisans, Derain devient le représentant d'une peinture classique de tradition française réaliste, aux références éclectiques et assumées. Sa palette est caractérisée par des couleurs brunes et des clairs-obscurs, ses natures mortes et nus féminins évoquent Courbet, ses paysages l'École de Barbizon ou Corot. Il est alors qualifié de « plus grand peintre français vivant », de « régulateur », loué par Élie Faure et André Salmon. En 1931, la galerie Paul Guillaume fait une grande exposition de ses tableaux personnels à Paris; Derain y a une grande place.  En 1934-1935, Derain renforce ses liens avec un jeune peintre admirateur, Balthus, lequel exécute son portrait, qui se trouve aujourd'hui au MoMA de New York. Le, son marchand Paul Guillaume meurt. Dorénavant, Derain n'a plus de marchands attitrés. En 1935, il vend ses propriétés et achète une grande maison à Chambourcy avec un domaine qui « comporte des bassins et leurs cascades, des arbres immenses et centenaires, un terrain de tennis à l’abandon, une, un verger, un potager, une serre et des roses et une orangerie où il peindra ses grands formats et où il installera par la suite un four et un atelier de potier. Il aménagera son atelier au premier étage de la demeure, dans une pièce avec double ouverture sur cour et sur parc, donnant accès à la terrasse ». Là il recevra ses amis Braque, Poiret, Lifar, Jouhandeau, Balthus, Malraux et Louise de Vilmorin, auxquels il fait découvrir le désert de Retz. C'est à cette époque qu'il rencontre Giacometti.

Un illustrateur prolifique.

Son activité d'illustrateur de 1932 à 1942 devient essentielle : Ovide, Oscar Wilde, Rabelais, et aussi "Héliogabale", d’Antonin Artaud. En 1934, il grave 33 burins sur cuivre pour un projet d'illustration du "Satyricon" de Pétrone, commandé par Ambroise Vollard. En 1935, la Kunsthalle de Berne organise la première grande rétrospective de ses œuvres. En 1937, à l'occasion de l'Exposition universelle, une exposition de groupe est organisée au Salon des Indépendants, au Petit Palais, à Paris. L'œuvre de Derain bénéficie d'une salle d'exposition particulière.  En 1938, Derain, avec Arp, Braque, Auguste Herbin, Picasso, participe au comité antinazi pour la défense d'Otto Freundlich, peintre et sculpteur allemand pionnier de l'abstraction, dont une des sculptures figure sur la couverture de l'exposition « L'Art dégénéré » ("Entartete Kunst"), à Munich. Cependant, aux dires d'Otto Abetz, Derain aurait été invité à l'ambassade d'Allemagne. La femme de l'ambassadeur avait posé pour le peintre, au cours des années 1920, comme elle avait posé pour Picasso et d'autres. De même, Demetra Massala, la femme du sculpteur nazi Arno Breker, avait également été leur modèle. Brecker, qui avait longtemps vécu à Montparnasse dans les années 1920 et 1930, fréquentait les artistes et collectionnait des tableaux : il y avait des œuvres de Derain, mais aussi de Picasso, Vlaminck, Léger et Ozenfant, dans son château de Jäckelsbruch près de Berlin. En 1939, Derain expose à New York. Waldemar George, dans un article intitulé « André Derain ou l'apprenti sorcier » paru en, qualifie l'œuvre d'André Derain, en opposition à celle de Picasso et de Matisse, comme étant d'essence « contre-révolutionnaire » dans le domaine esthétique.

La Seconde Guerre mondiale.

Pendant l'exode de 1940, il fuit avec sa famille vers le sud, en Ariège, et y retrouve Braque. Sa maison de Chambourcy est occupée et pillée par l'armée allemande, en. Aussi Alice Derain aurait demandé à Werner Lange, officier allemand chargé de la Propaganda Staffel, la restitution de La Roseraie. Derain continue de peindre dans l'atelier de son ami Léopold Lévy, 112, rue d'Assas, parti prendre la direction des Beaux-Arts d'Istanbul. En il loue à Aron, 20 rue de Varennes, un appartement où il s'installe avec Alice, et établit rue Vavin son modèle Raymonde Knaublich et leur fils Boby.  Pendant l'occupation allemande, Derain vit à Paris. Il réalise des cartons de tapisseries. L'éditeur suisse Albert Skira lui commande cent soixante-dix-neuf bois gravés en couleurs pour illustrer le "Pantagruel" de Rabelais. Derain refusera toute exposition publique dans la capitale pendant la durée de la guerre. En outre, André Derain ne s’implique pas dans la politique culturelle du gouvernement de Vichy. Il refuse la proposition de Georges Hilaire de prendre la direction de l'école des Beaux-Arts et n’accepte aucune responsabilité officielle.  Néanmoins, aux dires de Werner Lange et Otto Abetz, il aurait été en contact avec eux. Et c'est Abetz lui-même qui réconcilie Derain et Vlaminck. Derain est courtisé par les Allemands comme symbole prestigieux de la culture française, alors qu'il expose à la Pierre Matisse Gallery à New York la même année. En échange de la promesse de libération de prisonniers français et de récupérer sa maison de Chambourcy, il accepte une invitation d'artistes français pour une visite officielle en Allemagne en 1941, avec notamment Paul Landowski et son ami Maurice de Vlaminck, Kees van Dongen ou encore les sculpteurs Louis-Aimé Lejeune et Paul Belmondo, vice-président de la section des arts plastiques du groupe Collaboration, avec lequel il est au comité de l'exposition « Arno Breker », inaugurée le à l'Orangerie de Paris. C'est Jean Cocteau qui ouvre par un discours cette exposition.  Ce voyage organisé par la propagande allemande a un grand retentissement et sera reproché à ses participants. Selon Breker, Derain et Maillol auraient reçu des commandes de Berlin auxquels les artistes n'ont pas donné suite. L'architecte Albert Speer précise dans ses mémoires, "Au cœur du Troisième Reich" qu'il a aidé Derain, Vlaminck et Despiau à plusieurs reprises, en leur passant différentes commandes. Pour Jean Hélion, Derain donne dans. Un artiste anonyme, qui prend de manière abusive le pseudonyme d'André Deran pour créer la confusion, travaille pour le service Kultur de la propagande allemande et réalise des affiches. L'une signée en 1941 : "Les bobards... sortent toujours du même nid", violemment antisémite, stigmatise les francs-maçons et les alliés. Cela peut expliquer qu'André Derain apparaît alors sur une liste noire de collaborateurs français qui devaient être assassinés ou jugés après la Libération, avec Céline, Jacques Chardonne, Jean Luchaire, Pétain, Pierre Laval, etc. liste publiée par "Life Magazine" aux États-Unis, le. À la Libération, Derain est mis en cause en raison de sa participation au voyage de 1941. Le, un collectif de se réunit sous la présidence de Picasso. Derain est exonéré des accusations portées contre lui. En revanche, un an plus tard, le comité national des artistes institué par les pouvoirs publics frappe Derain d'une interdiction professionnelle d'exposer pendant un an. Derain n'acceptera jamais ce verdict et se retirera dans sa maison de Chambourcy.  Sa nièce Geneviève se marie en avec Joseph Robert Taillade. Braque est son témoin ("Geneviève Taillade (nièce de l'artiste) avec un manteau orange", huile sur toile,, 1928, musée des beaux-arts de Boston).

Après la guerre.

Après la guerre, Derain refuse toute manifestation publique de sa production. Il quitte l'atelier de la rue d'Assas et rend l'appartement du la rue de Varennes. Il vit dans sa demeure de Chambourcy (Yvelines), avec sa femme, sa belle-sœur, ainsi que sa nièce, son mari et leurs enfants, tout en travaillant sur des décors de ballets et d'opéras. En 1947, il dessine les costumes et décors de "Mam’zelle Angot", un ballet représenté à Covent Garden à Londres. En 1948, il réalise les décors et costumes pour "Le Diable l’emporte" des ballets de Roland Petit au théâtre Marigny de Paris. Roland Petit déclare alors : Il illustre « le Génie du vin » pour les établissements Nicolas.  C'est à cette époque que l'imprimeur Pierre Mourlot tente de réunir dans un livre en trois volumes préfacés par Marcel Camus l'œuvre peint de l'artiste, l'un pour les nus, le deuxième pour les paysages, le troisième pour les décors. Ce projet, qui apportai à l'artiste la caution morale d'un « résistant littéraire », échoue. En 1947, Derain rencontre Edmonde Charles-Roux, journaliste à "Vogue", de quarante ans sa benjamine, avec qui il noue une idylle. Elle pose régulièrement pour lui, comme le prouve par exemple le "Portrait d'Edmonde de Charles-Roux au collier de perles". Avec elle, Balthus et Giacometti viennent souvent rendre visite au vieux maître. En 1949, la galerie de Berri lui rend hommage par une exposition. Marcel Duchamp écrit alors dans le catalogue de la Société anonyme, légué à la Yale University :  En 1950, Derain illustre les "Contes" de La Fontaine et "Citadelle", un roman de Saint-Exupéry et recommence à pratiquer la sculpture et le modelage. Grâce à l'entregent d'Edmonde Charles-Roux, il conçoit les décors de "L'Enlèvement au sérail" de Mozart, pour le festival d'Aix-en-Provence et, un an avant sa mort, ceux du "Barbier de Séville" pour le même festival. Ses relations avec sa femme se dégradent au point qu'Alice Derain fait saisir les comptes de son mari. De 1947 à 1954, Derain est assisté par la jeune sculptrice Nicole Algan, formée par Charles Despiau. Selon Michel Charzat, Derain aurait eu avec elle un fils (caché).  Il est atteint soudain d’une maladie des yeux. Alors qu’il s'en remet progressivement, il meurt à l'hôpital de Garches, le, des suites d'un accident de voiture. Il est enterré au cimetière de Chambourcy.  On retrouve dans son atelier les fragments d'un "Traité de la peinture", que la galerie Maeght publie partiellement en 1957 dans sa revue "Derrière le miroir", ainsi qu'un plaidoyer où il tente d'expliquer les pressions qui l'ont amené à accepter le voyage en Allemagne. Néanmoins, des historiens comme Jonathan Petropoulos prétendent que Derain aurait accepté le mécénat de Ribbentrop. Ce dernier avait dépêché un émissaire pour lui proposer de passer l'été dans son château au Tyrol et de faire le portrait des membres de sa famille : Derain avait refusé.

Après 1954.

Le musée national d'art moderne à Paris lui consacre une rétrospective, du au, sous le commissariat de Jean Cassou. Alberto Giacometti manifeste toujours son admiration pour Derain. Le, le sculpteur Paul Landowski lui écrit : Marcel Duchamp déclare quant à lui : « Derain a toujours cru fermement au message artistique vierge de toute explication méthodique et aujourd’hui encore appartient au petit groupe d’artistes qui vivent leur art ».  Pour régler les frais de succession, sa femme Alice Derain et le fils du peintre, Boby, mettent en vente les 9 et, les objets de Chine de haute époque, d'art africain et précolombien, du Louristan, d'Égypte, de Grèce, de l'Antiquité classique et du Moyen Âge, ainsi que la collection d'instruments de musique, les marionnettes, les ex-votos, etc., que Derain avait collectionnés. Puis, le, ce fut au tour de la collection de peintures, de dessins et autres de Cézanne, Corot, Ingres, Modigliani, Renoir, Seurat, Toulouse-Lautrec, Utrillo, Vlaminck, d'être vendue.  Son épouse Alice est morte le, à 91 ans. Sa nièce Geneviève Taillade vend la maison de Chambourcy en 1989 ; sa fille, Geneviève Taillade, dite « Javotte », petite-nièce du peintre est actrice et présidente de l'association des amis d'André Derain. Rachetée en 2014 par la ville de Chambourcy, la maison est cours de restauration, afin d'y créer un Espace Derain, destiné aux associations et à la culture.  Une partie de l'œuvre de Derain, provenant de l'ancienne collection de son fils, André Charlemagne Derain, dit « Boby » (1939-1992), soit a été dispersée aux enchères à Saint-Germain-en-Laye, les 23 et (succession de madame Raymonde Knaublich, mère de Boby).  En, les ayants droit d'André Derain mettaient en vente chez Christie's les photographies d'Eugène Atget découvertes fortuitement lors du déménagement de la Roseraie.

Présentation de l'œuvre.

Avant la Première Guerre mondiale, Derain pratique un art pictural d'avant-garde, post-impressionniste et fauve, fait de couleurs pures, franches et juxtaposées. Par la suite, son œuvre réaliste se concentre sur des sujets et thèmes classiques qui font écho aux œuvres des musées, dans une volonté de prolongement ou de retour à une tradition classique. Ce mouvement, également appelé par Jean Cocteau le « retour à l'ordre », caractérise l'art néo-classique figuratif des années 1920 aux années 1940.  Si l'œuvre de Derain est essentiellement picturale, il a également signé les décors et les costumes de nombreux ballets, illustré une trentaine de livres et réalisé des affiches. Il est également connu comme sculpteur. Une grande partie de son œuvre (,, des dessins, mais aussi des objets d'art primitif lui ayant appartenu), précédemment dans la collection Pierre et Denise Lévy, est présentée au musée d'art moderne de Troyes. Elle est représentée dans un nombre considérable de musées dans le monde et en France.  En 2012, le galeriste Michael Werner donne 16 œuvres de Derain, provenant de galeries allemandes, au musée d'art moderne de la ville de Paris.

Élèves.

Deux élèves d'André Derain sont notables :

Peinture.

Collections en institutions artistiques.

Liste non exhaustive. Les lieux sont classés par ordres alphabétiques (pays puis villes et noms).

André Derain, né le à Chatou (Yvelines) et mort le à Garches (Hauts-de-Seine), est un peintre français et l'un des fondateurs du fauvisme. Il est également peintre de décors et costumes de ballets et de théâtre, graveur, illustrateur, sculpteur et écrivain.

André Derain (, ; 10 June 1880 – 8 September 1954) was a French artist, painter, sculptor and co-founder of Fauvism with Henri Matisse.


Biographie.

Margery Allingham vient au monde dans le faubourg d'Ealing, fille aînée d'Emily et Herbert Allingham. Son père est alors propriétaire d'un magazine qui publie des romans de gare, dont les affaires marchent mal. La famille déménage un temps dans un petit village de l'Essex, région qui inspirera considérablement Margery dans l'écriture de ses futurs romans, puis retourne à Londres. Emily et Herbert s'essaient à la littérature populaire, ambition qui passionne la jeune fille. Margery suit sa scolarité dans un collège pour filles de Cambridge et prend aussi des cours de théâtre tout en désirant toujours devenir écrivain. Elle écrit son premier vrai roman, "Blackkerchief Dick" après la déclaration de guerre.  Dans le Londres d'après-guerre, elle fait toujours du théâtre en amateur et fréquente des milieux bohèmes. C'est là qu'elle rencontre son futur époux, le fils d'une famille d'artistes, Philip Yougman-Carter, écrivain, peintre et rédacteur en chef du journal "Tatler". Leur mariage a lieu en septembre 1927. Le jeune couple emménage dans un appartement d'Holborn Street où Philip conseille les essais littéraires de son épouse et dont il réalise parfois les illustrations. Avec "Crime à Black Dudley", Margery s'impose en 1929 comme une romancière policière : c'est aussi à l'occasion de ce roman qu'elle crée le personnage d'Albert Campion. Ce dernier sera le héros de toute une lignée d'autres romans très populaires. En 1931, Margery fait l'acquisition d'une maison au cœur du village de dans l'Essex : d'Arcy House. Elle lui sera dorénavant toujours associée.  Margery Allingham continue d'écrire jusqu'à sa mort, rencontrant toujours un beau succès et utilisant à trois reprises le pseudonyme de Maxwell March pour publier des romans sans Albert Campion. Son œuvre complète n'a malheureusement pas eu la chance d'être traduite à l'étranger dans des proportions comparables à celles dont ont bénéficié certaines de ses consœurs les plus célèbres. Elle passe les dernières années de sa vie dans l'ombre des infidélités de son mari et de la maladie qui la ronge. Elle s'éteint à d'Arcy House, sa propriété d'East-Anglia, atteinte d'une tumeur incurable.

Margery Louise Allingham (Londres, - Colchester, East Anglia, ) est une romancière britannique. Elle est considérée, dans les années 1930 et 1940, comme une figure importante de la littérature policière du whodunit, au même titre que Dorothy L. Sayers et Agatha Christie. Sa création la plus célèbre demeure le personnage d'Albert Campion, détective excentrique qui apparaît dans dix-sept romans et de nombreuses nouvelles.

Margery Louise Allingham (20 May 1904 – 30 June 1966) was an English novelist from the "Golden Age of Detective Fiction", best remembered for her hero, the gentleman sleuth Albert Campion.


Historique et provenance.

La guilde des chirurgiens d'Amsterdam est fondée en 1552, et la dissection des cadavres mâles est autorisée en 1555. Elle ne peut être faite que par un "praelector" nommé par la ville. Sa fonction est d'enseigner les apprentis-chirurgiens par un nombre annuel limité de dissections, dont une au moins est faite en public en théâtre d'anatomie.  À partir de 1603 (et jusqu'en 1758), la guilde commande des portraits de groupe autour du "praelector." Ces portraits sont des mises en valeur, magnifiant la dignité des personnes, mais de façon plutôt statique. Les personnes paient pour être représentées, bien que le tableau reste la propriété de la guilde.  En 1632, la guilde des chirurgiens demande à Hendrick van Uylenburgh (1587-1661), marchand d'art et personnalité influente d'Amsterdam, de proposer un peintre pour le prochain portrait de groupe. Plutôt que choisir un peintre déjà établi, Uylenburgh désigne une « étoile montante », Rembrandt.  Pour le jeune Rembrandt, alors âgé de 26 ans, c'est sa première grosse commande, et son premier portrait de groupe. Il est aussi le premier à vouloir introduire du mouvement et un sens du drame (raconter une histoire) dans ce genre de peinture. Cette nouveauté ne peut être acceptée que s'il satisfait pleinement l'ego du principal commanditaire : Nicolaes Tulp (1593-1674).  Le tableau est resté la propriété de la guilde jusqu'en 1828, lorsque fut décidée sa vente publique au profit de la caisse des veuves de chirurgiens. Le roi Guillaume fit empêcher cette vente et donna l'ordre d'acheter ce chef-d'œuvre pour son « cabinet royal de tableaux ». On peut maintenant le voir au Mauritshuis de La Haye.  Dans les années 1996-1998, la toile fait l'objet d'une nouvelle restauration, dont une analyse radiographique détectant une composition initiale et des modifications plus tardives effectuées par Rembrandt.  Le tableau a fait l'objet d'une exposition organisée par le Mauritshuis ( - ) intitulée « Rembrandt sous le scalpel ».

Description.

Personnages.

Le maître (personnage au chapeau) au dessus du cadavre, est Nicolaes Tulp.  Les autres personnes composent les assistants à la leçon : Frans van Loenen (le plus haut dominant la scène), devant lui Jacob Block, et tenant une feuille Hartman Hartmanszoon, en dessous, les deux plus penchés Jacob de Witt (au dessus de la tête du cadavre) et Mathijs Kalkoen. Les deux au premier rang à gauche sont Jacob Koolvelt de profil regardant Tulp, et Adriaen Slabraen qui tourne la tête pour regarder le livre.  La radiographie aux rayons X a montré que Hartmanszoon et Koovelt étaient absents lors de la composition initiale et qu'ils ont été rajoutés par la suite.  Le cadavre est celui d'un condamné à mort, Aris Kindt, de son vrai nom Adriaen Adriaenszoon, âgé de 41 ans, ou plutôt de 28 ans selon des études récentes. Kindt, ainsi surnommé pour sa petite taille (Kind = enfant en néerlandais), vient de Leyde où il a été condamné pour vols et agressions, et amputé pour cela de la main droite. Arrivé à Amsterdam, il récidive avec l'aide d'un complice afin de dérober le manteau d'un passant, mais en voulant l'empêcher de crier, il l'étouffe à mort. Arrêté, son interrogatoire se termine le, et il est pendu le.  Le corps de Kindt a été choisi pour la leçon d'anatomie (qui a lieu en hiver pour la conservation du corps), pour trois raisons : il s'agit d'un criminel exécuté (qui continue à payer sa dette, ce qui contribue aussi à son salut), d'un homme (Amsterdam n'autorise la dissection du corps féminin qu'à partir de 1684), et d'un étranger (non-citoyen de la ville).

Scène.

Le noir et le blanc, l'ocre et le gris, dominent en clair-obscur. On ne voit pas l'origine de la lumière, mais celle-ci éclaire les visages, les mains, et la plus grande partie du cadavre. Sa main gauche et son avant-bras disséqué attirent le regard par son alternance de teintes rouges et blanches (muscles, tendons et aponévroses).  Le cadavre « le seul qui n'a pas payé pour être sur le tableau » occupe une place centrale inférieure, en diagonale. Ses pieds sont dans l'ombre, avec un livre ouvert (probablement d'anatomie) dans le coin inférieur droit du tableau. Des critiques estiment que ce livre d'anatomie pourrait être la "Fabrica" d'André Vésale (1514-1564), édition révisée de 1627 par d'Adrien van den Spiegel (1578-1625) avec des planches anatomiques de (1552-1616).  Le tableau s'organise en triangles et en losanges. La personne de Tulp forme en elle-même un triangle massif, qui s'impose et s'oppose, seul sur la droite du tableau, et seul à porter un chapeau. Tulp tient une pince de la main droite, exposant un muscle fléchisseur, et de la main gauche, il semble esquisser un mouvement.  Les assistants forment aussi des triangles. Un triangle externe est celui des personnages droits qui semblent plutôt regarder soit le spectateur, comme une invitation à voir, soit le livre ouvert pour comparer ou vérifier. Une analyse aux rayons X a révélé que le personnage debout au dernier rang portait d'abord un chapeau, que Rembrandt a finalement enlevé.  Un triangle interne est celui des personnages penchés en avant, dont l'un masque la tête du cadavre, la laissant à moitié dans l'ombre. L'effet produit est un mouvement horizontal, fait de regards, de tensions, d'attentes ou d'attentions.

Interprétations.

Le tableau a fait l'objet de multiples analyses, commentaires et interprétations, parfois parfaitement contradictoires. Le fait que la toile ait été restaurée dans les années 1996-1998, et étudiée aux rayons X, n'a pas éteint les discussions, bien au contraire. Ces discussions portent sur le caractère réaliste (vérité historique d'une scène de dissection? vérité anatomique du bras disséqué?...) et sur le caractère symbolique (qu'a voulu signifier Rembrandt?).

Réalisme.

La toile ne donne pas d'indications sur le lieu de la leçon, mais selon les spécialistes elle aurait eu lieu au premier étage de la "Kleine Vleeshal" (Petite halle aux Viandes) d'Amsterdam.  Selon les données historiques, une leçon d'anatomie à Amsterdam, dans la première moitié du, se déroulait en trois jours, en hiver, à la lueur de chandelles. Le premier jour était consacré à l'éviscération de l'abdomen et du thorax, le deuxième à l'étude de la tête et du cerveau, le troisième aux membres ; pourtant le cadavre parait intact alors qu'il s'agit d'une dissection d'un bras.

Cadavre intact.

Le cadavre lui-même parait réaliste, portant des marques de corruption comme un teint grisâtre ou une "rigor mortis" (rigidité cadavérique). Mais un examen plus attentif montre des anomalies : le bras droit du cadavre est beaucoup trop court, son thorax est proéminent de type pectus carinatum, et sa tête, dont on ne voit pas le cou, n'est pas dans l'axe médian de son corps.  L'analyse radiographique a montré que la main droite a été ajoutée dans un deuxième temps sur un moignon initial. Le condamné exécuté a eu la main coupée, les Pays-Bas de cette époque pratiquant une mutilation juridique (couper les oreilles, le pouce, ou la main). Quant à la malposition de la tête, ce n'est pas une anomalie en soi, si l'on fait remarquer que le cou est rompu après une pendaison.  Les critiques divergent sur les questions de savoir s'il s'agit de détails factuels (réalistes), ou de négligences (intentionnelles ou pas) de Rembrandt. En 2018, une étude suggère que le condamné présenterait des malformations génétiques du type syndrome de Silver-Russel.  Selon les auteurs, soit la scène de dissection est exceptionnelle (ou imaginaire), débutant par le bras pour les besoins du tableau ; soit Tulp et Rembrandt se sont accordés pour masquer les deux premiers jours en évitant les horreurs macabres d'un cadavre déjà dépecé, ce qui ne sera pas le cas dans "La Leçon d'anatomie du docteur Deyman" peint 24 ans plus tard (et qui correspond à l'ouverture du crane au deuxième jour).  Quelle que soit la vérité exacte de la scène et du cadavre, la personne et la gestuelle de Nicolaes Tulp sont mises en valeur.

Anatomie du bras.

La question est de savoir si Rembrandt a voulu représenter une structure, ou montrer une fonction.

Structure.

La représentation du bras disséqué fait l'objet de discussions serrées entre spécialistes, à propos de son exactitude. Ces discussions qui portent sur « les erreurs de Rembrandt » durent depuis des décennies et ne sont pas terminées. Les explications sont multiples : erreurs de perspective, copie d'après un traité et non d'après nature, etc... En 2006, à l'occasion du 400e anniversaire de la naissance de Rembrandt, une équipe de chirurgiens a cherché à reproduire sur le cadavre, la dissection telle qu'on la voit sur le tableau, avec des résultats mitigés. Ainsi il semble que des éléments du "" ne soient pas en bonne position ou mal insérés, que certains muscles n'apparaissent pas, de même la structure longitudinale blanche que l'on voit sur le côté de l'os cubital n'a pu être mise en évidence.  D'autres critiques exonèrent Rembrandt, en mettant en avant l'existence de variantes anatomiques toujours possibles (différences d'insertion, muscles accessoires, branches et trajets nerveux...).  L'écrivain allemand W. G. Sebald propose dans son roman "Les Anneaux de Saturne", que Rembrandt, loin de toute anatomie réelle, peint dans le bras gauche anatomisé en réalité le dos du bras droit laissé entier (en raison de la position du pouce gauche). Argument rejeté par les médecins historiens, car le bras gauche anatomisé serait ici tourné (en pronosupination), pour les besoins d'une démonstration non pas anatomique, mais fonctionnelle.

Fonction.

Le tableau ne serait pas une "leçon d'anatomie", mais une "leçon de physiologie". Rembrandt aurait parfaitement compris la leçon de Tulp qui consiste à démontrer l'anatomie fonctionnelle de la main par les muscles de l'avant-bras.  Rembrandt ne représente pas Tulp isolant ou exposant un muscle, comme sur une planche anatomique. Le tableau serait comme un instantané photographique ou un arrêt sur image : c'est l'instant où Tulp va exercer une traction pour provoquer un mouvement, mouvement qu'il annonce de sa propre main gauche, et qui va se produire : la flexion des doigts.

Symbolisme.

La symbolique du tableau fait aussi l'objet d'analyses différentes. Les uns se réfèrent à l'histoire des religions, aux sentiments religieux de Rembrandt, à sa vie et à son œuvre personnelle, d'autres se réfèrent à l'histoire des sciences, dans le contexte des débats intellectuels et scientifiques de son époque. Les premiers invitent à regarder le tableau de façon horizontale en se centrant sur le cadavre, les seconds à un balayage vertical se terminant sur la personne de Tulp.

Le disséqué comme image christique.

La véritable opposition du tableau serait celle entre le cadavre et ceux qui l'entourent. Le corps torturé et nu du cadavre, à peine revêtu d'un pagne comme le Christ en croix, se situe dans une lumière centrale, alors que les chirurgiens sont en lourds vêtements sombres avec leurs fraises. Ils ont leurs plus beaux atours, car la leçon d'anatomie se termine traditionnellement par un banquet de fêtes.  Le cadavre serait l'objet d'un double tabou, de la vue et du toucher. Tous les personnages regardent dans de multiples directions, mais aucun ne voit le cadavre "en son entier," les seuls qui le voient tel qu'il est, sont Rembrandt et ceux qui regardent le tableau. Personne ne touche le cadavre, sauf Tulp mais par l'intermédiaire d'une pince, et son geste de la main gauche est un geste d'évitement. Le personnage de premier rang se retient d'approcher du bord de la table, et celui qui est à droite de Tulp appuie sa main sur sa poitrine pour ne pas être au contact.  Cette "Leçon d'anatomie" contiendrait une ironie cachée de Rembrandt, celle d'un Rembrandt profondément calviniste qui croit au salut du pécheur par la grâce de Dieu. Rembrandt serait alors en empathie avec le cadavre violenté, pour nous inciter à voir Tulp comme un faux-christ, et son entourage comme des pharisiens (au sens péjoratif). Cette œuvre serait porteuse d'un malaise ou d'une ambiguïté, celle d'un Rembrandt partagé entre ses sentiments religieux personnels et la demande de son commanditaire. Elle serait en phase avec ses idées concernant la Justice des hommes, et la future mélancolie de la fin de sa vie.  Des critiques d'art ont fait remarquer que le nombril du cadavre avait la forme d'un R, ce qui ne serait pas un artefact, mais un marqueur intentionnel d'ironie de la part de Rembrandt, dont la signature se trouve en hauteur près de la tête du personnage supérieur. De même, la main droite surajoutée sur le moignon se présente avec des ongles soignés, et trois doigts qui se touchent, ce qui serait un témoignage poignant du respect et de l'empathie de Rembrandt pour le supplicié.

La science entre l'Homme et Dieu.

D'autres critiques pensent au contraire que Rembrandt, par le cadavre quasi-intact dont les deux extrémités sont dans l'ombre, a voulu éviter que le regard s'y arrête, pour insister sur le bras disséqué, les mains et les regards. Dès lors, le tableau peut être interprété dans le contexte intellectuel et scientifique de son époque.

L'anatomiste et la main.

Sur les frontispice des premiers ouvrages imprimés d'anatomie, l'auteur se présente comme un héros autoproclamé. Les premiers anatomistes modernes n'étaient pas modestes, ils perpétuent une idée de Virgile : le souvenir des hommes de génie et de vertu perdure à jamais, alors que tout le reste est périssable. Aussi tous les anatomistes se réfèrent à Vésale, qui se réfère lui-même à Aristote et Galien. Tulp est d'ailleurs surnommé de son vivant le « Vésale d'Amsterdam », avec qui il est en filiation directe puisque son maître Pieter Pauw a fait ses études à Padoue, l'université de Vésale.  Le terme chirurgie contient la raçine "cheira-" la main. La main est « l'instrument des instruments » selon Aristote, et la préhension de la main a été célébrée par Galien comme une distinction de l'Homme. Vésale, dans un portrait de "La Fabrica", se présente en empoignant un bras disséqué. Tulp lui même est un pionner de l'étude des primates (publication sur l"'homo sylvestris", probablement un chimpanzé plutôt qu'un orang-outan), il aurait compris que l'Homme se distingue aussi par l'opposition du pouce et des autres doigts.  Tulp veut surpasser Vésale. Rembrand le met donc en valeur : comme Vésale, il tient et montre un bras disséqué, mais par l'intermédiaire d'une pince, et de façon dynamique démontrant la flexion des doigts. Pour les anatomistes, la dissection est une remontée du chemin de la création divine de l'homme. L'anatomie de cette période reste une "anatomie philosophique" dotée d'un sens moral et religieux. Le contexte est celui d'une époque marquée par Bacon, Descartes et Galilée. En médecine, une nouvelle connaissance du corps se base sur le mécanisme, en fait sur une "mécanique divine", où l'on retrouve en l'Homme la création de Dieu (un Dieu horloger dont on peut démonter les créations).

Dynamisme vertical.

Selon Schupbach et les membres du "Rembrandt Research Group", le tableau devrait être vu comme la démonstration par Tulp d'une merveille de la Création : la complexité de la main humaine. Le tableau se serait construit à partir de cette première étape, pour se terminer sur les derniers rangs de l'assistance (attitudes devant la révélation d'une vérité).  Schupbach propose de lire le tableau ainsi : le personnage supérieur au dernier rang nous regarde en désignant le cadavre de l'index, le regard s'abaisse et nous fait comprendre que l'homme est mortel ("connais toi, toi-même"), puis par le bras disséqué et la gestuelle de Tulp, le regard remonte jusqu'au visage illuminé de Tulp qui porte le regard au loin, pour nous faire comprendre la part divine (l'âme immortelle) qui est en l'Homme (connaitre l'homme, c'est connaitre l'œuvre de Dieu).

Regards et visibilité.

La scène serait un « théâtre social de la maitrise » (rapport des apprentis au maître). Le tableau de Rembrand peut être vu comme un témoin de l'atmosphère intellectuelle du, comme un point de bascule ou de rupture épistémologique. Cette bascule peut se voir dans les différents regards qui se portent vers l'ouvrage aux pieds du cadavre, vers le geste ou la figure de Tulp, ou sur le bras disséqué.  Les appréciations sur le niveau des détails rendus par Rembrandt diffèrent. Les uns insistent sur le fait qu' pour donner une explication rationnelle à toute anomalie apparente.  D'autres, rappellent la liberté et la variété de son style, et les contrastes internes à une même œuvre concernant la disparité des détails (dessin soigné ou grossier) (Arnold Houbraken).  D'un point de vue pictural, le tableau serait centré sur un effet de miroir entre la main disséquée et la main qui dissèque. "La Leçon d'anatomie" traiterait d'une même pratique ambiguë, commune à l'art et à la science : l'essentiel ne serait pas de voir mais de percevoir l'intention de la main de l'anatomiste ou du peintre.  Comme pour les autres "leçons d'anatomie" qui suivront tout au long du, la question posée serait celle de la provenance de la vérité (vérité scientifique et vérité artistique), « s'il ne suffit pas "d'en croire ses yeux", où se situe alors la vérité?».  Ce tableau de Rembrandt. D'autres critiques estiment au contraire que cette œuvre illustre le début d'une utopie médicale : la croyance en une visibilité absolue de la maladie, toute entière dans l'imagerie, mais aveugle à ses dimensions psycho-socio-culturelles.  En 2014, une étude de neurosciences propose d'utiliser l'œuvre de Rembrandt et notamment "la Leçon d'anatomie" pour étudier l'imagerie cérébrale fonctionnelle des sujets contemplant le tableau, pour saisir le fonctionnement neurocognitif des amateurs d'art. La mise en abyme serait alors totale.

Pastiches, références et détournements.

Ce tableau a été repris et reconstitué dans un des albums d'Astérix : "Le Devin".  En 2010, un artiste sud-africain, Yiull Damaso, a peint un pastiche de l'œuvre de Rembrandt, représentant plusieurs personnalités sud-africaines, principalement politiques, penchées au-dessus d'un corps représentant Nelson Mandela. Les personnes supposées assister à cette autopsie imaginaire sont : Desmond Tutu (ancien archevêque du Cap et ancien président de la Commission de la vérité et de la réconciliation, lauréat du Prix Nobel de la paix), Frederik de Klerk (dernier président blanc de l'Afrique du Sud), Thabo Mbeki (successeur de Nelson Mandela à la présidence de la République), Jacob Zuma (actuel président de la République), le syndicaliste Cyril Ramaphosa, Trevor Manuel, ancien ministre des Finances, Helen Zille, Premier ministre de la province du Cap-Occidental, ainsi que, dans le rôle du praticien officiant, le jeune Nkosi Johnson, célèbre enfant victime du SIDA, mort en 2001. Ce tableau, dont l'existence a été révélée à quelques jours du de Nelson Mandela, le, provoque une vive émotion en Afrique du Sud, Jackson Mthembu, un porte-parole de l'ANC, parti au pouvoir, le condamnant notamment pour son, son caractère, et le fait qu'il soit ().  Le tableau est évoqué dans le roman de Maylis de Kerangal "Réparer les vivants". Une reproduction de "La Leçon d'anatomie" est en effet accrochée dans l'entrée de l'appartement familiale d'Alice Harfang, jeune interne, assistant Virgilio Breva dans le prélèvement du cœur de Simon Limbres, personnage principal du roman.  Le tableau est également évoqué dans le film "Barbara" (de Christian PETZOLD, 2012). Le médecin-chef de l'hôpital (André REISER, joué par Ronald ZEHRFELD) le commente à l'héroïne (la médecin déclassée Barbara WOLFF, jouée par Nina HOSS).  En 2019, le "trailer" du jeu d'Eidos fait une référence claire au tableau, en animant ses personnages. Il est également dépeint à l'intérieur du jeu même, dans quelques niveaux.

La Leçon d'anatomie du docteur Tulp (ou "La Leçon d'anatomie du docteur Nicolaes Tulp" ou "La Leçon d'anatomie du professeur Tulp") est une peinture à l'huile sur toile de réalisée par Rembrandt en 1632.

The Anatomy Lesson of Dr. Nicolaes Tulp is a 1632 oil painting on canvas by Rembrandt housed in the Mauritshuis museum in The Hague, the Netherlands. The painting is regarded as one of Rembrandt's early masterpieces.


Biographie.

Maria Reiche est née à Dresde le. Elle a étudié l'astronomie, les mathématiques, la géographie et les langues étrangères à l'Université Technique de Dresde. Elle était l'aînée des trois enfants du juge Felix Reiche-Grosse et de sa femme Elisabeth. En 1981 Maria Reiche était encore à Nazca, ville qui l'hébergeait dans son principal hôtel. Elle savait transmettre ses convictions avec force mais peu de voix.

Les lignes de Nazca.

En 1940, Maria Reiche devient l'assistante de Paul Kosok, un historien américain de L'université de Long Island à Brooklyn (New York), qui étudiant les anciens systèmes d'irrigation au Pérou. En juin 1941, Kosok avait remarqué que des lignes dans le désert convergeaient vers le point correspondant au solstice d'hiver dans l'hémisphère sud. Kosok et Reiche commencèrent à étudier et cartographier les lignes, en les reliant à des événements astronomiques. Ensuite Reiche trouva des lignes convergeant vers le solstice d'été et développa une théorie selon laquelle les lignes formaient une sorte de calendrier céleste. En 1946 environ, Reiche commença à cartographier les figures représentées par les Lignes de Nazca et détermina qu'elles représentaient 18 sortes différentes d'animaux et de végétaux.  Après que Kosok partit en 1948, lors de son deuxième voyage d'études aux Pérou, Reiche continua à cartographier le site. Elle eut recours à son expertise en tant que mathématicienne pour analyser comment les Nazca avaient pu créer des figures à une telle échelle : la précision mathématique était en effet très rigoureuse. Reiche a élaboré une théorie selon laquelle les populations qui construisirent ces lignes les utilisaient comme un calendrier solaire ou en tant qu'observatoire des cycles astronomiques.  On surnomma Maria Reiche "la Dame aux lignes".

Maria Reiche, née le à Dresde (Empire allemand) et morte le à Lima (Pérou), est une archéologue allemande, qui consacra la majeure partie de sa vie à l'étude archéologique et à la préservation des géoglyphes nazcas du Pérou.

Maria Reiche (15 May 1903 – 8 June 1998) was a German-born Peruvian mathematician, archaeologist, and technical translator. She is known for her research into the Nazca Lines, which she first saw in 1941 together with American historian Paul Kosok. Known as the "Lady of the Lines", Reiche made the documentation, preservation and public dissemination of the Nazca Lines her life's work.


Biographie.

Basil Poledouris a été initié à la musique via le piano, dès l'âge de sept ans. Plus tard, il abandonnera ses études de musique pour se consacrer au cinéma, car il le considérait comme « la musique de sa génération, un art nouveau sans aucune règle, s'accordant parfaitement avec la façon dont les Beatles changeaient le monde et dont le monde lui-même changeait ». À l'USC, où il étudiera alors le septième art, il fait la rencontre de personnes qui seront importantes dans sa vie d'artiste, telles que George Lucas, Randal Kleiser et surtout John Milius.  Le compositeur commencera par quelques compositions pour la télévision, avant de commencer une étroite collaboration avec John Milius sur 5 films.  Pour ce dernier, Poledouris compose en 1982 la partition épique de "Conan le Barbare", qui sera considérée par la suite comme une de ses plus belles réussites. La puissance et le lyrisme qu'elle insuffle au film aura contribué à en faire une des œuvres phares des années 1980 et a été, depuis, une grande source d'inspiration dans le domaine de l'Heroic fantasy.  En 1985, sa rencontre avec le réalisateur Paul Verhoeven sera également déterminante. Pour lui, il compose une autre pièce maîtresse pour le film "La Chair et le sang". Les deux hommes collaborent ensuite dans le registre de la science fiction, sur "RoboCop" en 1987 et "Starship Troopers" en 1997.  Poledouris compose également pour le western avec ses partitions pour la mini-série "Lonesome Dove" en 1989, qui sera récompensée par l'Emmy Award de la meilleure musique et pour le film "Mr Quigley l'Australien" en 1990, tous deux réalisés par Simon Wincer.  Par amitié pour John Milius qui lui confie la musique de "Flight of the Intruder" en 1990, il décline la proposition de Kevin Costner qui l'avait sollicité pour composer la musique de "Danse avec les loups" et manque peut-être l'occasion de connaître la consécration de sa carrière (le film vaudra à son remplaçant John Barry, l'Oscar de la meilleure musique de film en 1991).  La même année, il compose néanmoins la musique d"'À la poursuite d'Octobre rouge", avec un hymne chanté dans la tradition des Chœurs de l'Armée rouge. Cette utilisation des chœurs aura fortement inspiré par la suite d'autres compositeurs comme Hans Zimmer pour sa partition de "USS Alabama". En 1993, il compose la musique d'un autre succès au box-office, "Sauvez Willy". La même année, pour la comédie "Hot Shots! 2", il n'hésite pas à parodier amicalement la musique de Jerry Goldsmith en reprenant certains passages de "".  Il écrit également la musique de l'une des séquences d'ouverture des Jeux olympiques d'été d'Atlanta, nommée ""The Tradition of the Games"", en 1996.  Au début des années 2000, un cancer lui est diagnostiqué et il est contraint de réduire considérablement son activité. Il compose sa dernière partition en 2002.  En juillet 2006, quelques mois avant de décéder, il dirigera néanmoins une dernière fois sa fameuse musique de "Conan le Barbare" lors d'un concert en forme d'adieux au "Festival de musique de films d'Úbeda".  Avec son style très épique, Basil Poledouris était un spécialiste des films d'aventures ou de science-fiction et malgré la qualité de ses compositions dont certaines sont devenues des classiques, il reste relativement méconnu du grand public.

Basilis Konstantine Poledouris, dit Basil Poledouris, né le à Kansas City (Missouri) et mort le à Los Angeles (Californie) des suites d'un cancer, était un compositeur de musiques de films américain d'origine grecque.

Basil Konstantine Poledouris (; August 21, 1945 – November 8, 2006) was a Greek-American composer, conductor, and orchestrator of film and television scores, best known for his long-running collaborations with directors John Milius and Paul Verhoeven. Among his works are scores for the films "Conan the Barbarian" (1982), "Red Dawn" (1984), "Iron Eagle" (1986), "RoboCop" (1987), "The Hunt for Red October" (1990), "Free Willy" (1993), "Starship Troopers" (1997) and "Les Miserables" (1998). Poledouris won the Primetime Emmy Award for Outstanding Music Composition for a Limited Series, Movie, or Special for his work on the four-part miniseries "Lonesome Dove" in 1989, and was a four-time recipient of the BMI Film Music Award.


Biographie.

Richard Tolman étudia le génie chimique au Massachusetts Institute of Technology, ou il obtint son "bachelor's degree" en 1903 et son "Ph.D." en 1910.  En 1912, il inventa le concept de masse relativiste en écrivant que ".  Lors d'une expérience en 1916, Tolman démontra que l'électricité consiste en un flux d'électrons circulant dans un conducteur électrique métallique. Un sous-produit de cette expérience fut la mesure de la valeur de la masse de l'électron. Mais cependant et par-dessus tout, il était d'abord connu comme un théoricien.  Tolman fut élu en 1922 membre de l'American Academy of Arts and Sciences. La même année, il rejoignit la faculté du California Institute of Technology, où il devint professeur de chimie physique et de physique mathématiques, puis ultérieurement doyen du second cycle. Un des premiers étudiants de Tolman au Caltech a été le théoricien de la chimie Linus Pauling, à qui il enseigna les prémisses de la théorie quantique de la mécanique ondulatoire.  Tolman a enseigné au Massachusetts Institute of Technology et aux universités de Michigan, de Cincinnati (Ohio), et d'Illinois. Il fut Directeur du Fixed Nitrogen Research Laboratory, professeur de physico-chimie et de physique mathématique et doyen de troisième cycle d'université au California Institute of Technology.  En 1927, Tolman publia un texte sur la mécanique statistique s'appuyant sur l'ancienne théorie quantique de Max Planck, Niels Bohr, et Arnold Sommerfeld. En 1938, il publia un travail entièrement nouveau, couvrant en détail l'application de la mécanique statistique à la fois aux systèmes classique et quantique. C'est devenu un ouvrage de référence sur ce sujet pendant de nombreuses années, et il conserve toujours de l'intérêt au début du.  Pendant les dernières années de sa carrière, il a été parmi les premiers à s'intéresser au problème des perturbations cosmologiques, ainsi qu'à des aspects relatifs à la thermodynamique dans un univers en expansion. Tolman s'est intéressé de plus en plus aux applications de la thermodynamique aux systèmes relativistes et à la cosmologie. Ces travaux culminèrent dans une monographie importante de 1934. Il a notamment démontré qu'un rayonnement ayant un spectre de corps noir dans un univers en expansion se refroidissait en conservant ce spectre, mais voyait sa température décroître du fait de son expansion. Ce résultat crucial explique le fait que le fond diffus cosmologique, sorte d'écho lumineux du Big Bang est aujourd'hui un rayonnement extrêmement froid à 2,7 K. Ses recherches autour de l'hypothèse du modèle oscillatoire, qu'Einstein avait proposé en 1930, conduisirent à une diminution notable de son influence jusque dans les années 1960.  Coauteur avec Albert Einstein de plusieurs articles sur les paradoxes apparents de la mécanique quantique, il est l'auteur de la théorie semi-classique des interactions entre matière et rayonnement. Pour ce faire, il s'appuya sur les travaux d'Arthur Compton et Chandrashekhara Venkata Râman et discuta, dès 1924, les (aujourd'hui, cette expression est remplacée par inversion de population) qui rendront possible l'invention du laser.  Pendant la Seconde Guerre mondiale, il fut désigné au National Defense Research Committee. Lorsque le Président Roosevelt nomma Vannevar Bush comme président, les autres membres du comité le choisirent comme vice-Président. Il occupa le poste de conseiller scientifique du général Leslie Richard Groves pendant le Projet Manhattan. Au moment de son décès à Pasadena (Californie), il était conseiller-en-chef de Bernard Baruch, le représentant américain auprès de la Commission de l'énergie atomique des Nations unies.  Chaque année, la section Californie du Sud de l'American Chemical Society honore Tolman en attribuant sa médaille Tolman.  Il fut également membre de l'American Academy of Arts and Sciences. Il est enfin l'auteur de "Statistical Mechanics with Applications to Physics and Chemistry".  Il était membre de l'Alliance Technique fondée en 1918-19 par Howard Scott.  Son frère est le psychologue comportementaliste Edward Chace Tolman.

Richard Chase Tolman (né le à West Newton, Massachusetts, États-Unis - à Pasadena) était un physicien, physico-chimiste et cosmologiste d'origine américaine. Il fut une sommité en mécanique statistique. Il apporta également d'importantes contributions à la cosmologie théorique dans les années ayant immédiatement suivi la création de la relativité générale par Albert Einstein. Il était professeur de chimie physique ainsi que de physique mathématique au California Institute of Technology (Caltech).

Richard Chace Tolman (March 4, 1881 – September 5, 1948) was an American mathematical physicist and physical chemist who made many contributions to statistical mechanics. He also made important contributions to theoretical cosmology in the years soon after Einstein's discovery of general relativity. He was a professor of physical chemistry and mathematical physics at the California Institute of Technology (Caltech).


Biographie.

Dicke naît à Saint-Louis dans le Missouri, il obtient son bachelor à l'université de Princeton et son doctorat de physique nucléaire en 1939 à l'université de Rochester. Durant la Seconde Guerre mondiale il est membre du laboratoire des radiations (RadLab) du Massachusetts Institute of Technology où il travaille sur le développement du radar. Il y construit aussi le radiomètre de Dicke, un récepteur micro-onde qu'il utilise pour vérifier que la température d'antenne du fond diffus cosmologique est inférieur à 20 kelvins.  En 1946 il retourne à Princeton où il reste jusqu'à la fin de sa carrière. Il travaille en physique atomique, plus particulièrement sur les lasers et mesure le facteur de Landé de l'électron.  Il contribue aux premières mesures du fond diffus cosmologique avec James Peebles, David Todd Wilkinson et Peter G. Roll. Le radiomètre de Dicke est utilisé pour ces mesures. Toutefois ils sont battus par Arno Allan Penzias et Robert Woodrow Wilson qui découvrent accidentellement ce rayonnement en travaillant sur un nouveau type d'antenne aux Laboratoires Bell. Dicke avait oublié les travaux de George Gamow sur ce sujet.  Il consacre le reste de sa carrière au développement de tests de précision de la relativité générale basé sur le principe d'équivalence. Avec il met au point la théorie de Brans et Dicke, une alternative à celle d'Einstein. Il effectue des mesures de précision de l'aplatissement du Soleil qui sont utiles pour comprendre la précession du périhélie de Mercure, un des tests classiques de la relativité générale.  Dicke développe aussi l'amplificateur lock-in, qui est devenu un instrument indispensable en sciences appliqués et en ingénierie.  L'effet Dicke est utilisé dans le domaine des micro-ondes pour annuler l'effet Doppler.

Robert Henry Dicke (Saint-Louis, - Princeton (New Jersey), ) est un physicien américain qui a fait d'importantes contributions à l'astrophysique, la physique nucléaire la cosmologie et l'étude de la gravité.

Robert Henry Dicke (; May 6, 1916 – March 4, 1997) was an American astronomer and physicist who made important contributions to the fields of astrophysics, atomic physics, cosmology and gravity. He was the Albert Einstein Professor in Science at Princeton University (1975 - 1984).


Historique.

Le chien de Castro Laboreiro est sans doute, avec le chien de la Serra da Estrela, l'une des plus anciennes races du Portugal. Il est originaire du petit village de Castro Laboreiro situé au nord de la péninsule Ibérique, dans une région montagneuse et reculée propice au maintien du type morphologique de cette race. Il ne se trouve que dans les montagnes de Peneda et de Suajo et dans les régions des fleuves Minho et Lima, s'adaptant à des altitudes allant jusqu'à. Le chien de Castro Laboreiro est traditionnellement sélectionné pour garder les troupeaux de vaches. La race est très peu répandue et introuvable en dehors de son pays d'origine.  Les premiers spécimens de la race sont inscrits dans le livre des origines portugais (LOP) en 1932. Le premier standard est rédigé en 1935. Le nombre d'inscriptions annuelles de 1932 à 1983 a rarement dépassé la trentaine de sujets. Après 1983, le nombre d'inscriptions s'est progressivement accru jusqu'en 1996 avec un record de inscrits. Une centaine de chiens de Castro Laboreiro sont inscrits chaque année au LOP depuis 2006. Le chien de Castro Laboreiro est en 2010 la septième race portugaise la plus populaire au Portugal.

Standard.

Le chien de Castro Laboreiro est un chien de grande taille de type mâtin et lupoïde, d'aspect vigoureux et robuste. Le corps s'inscrit dans un rectangle. Épaisse à sa base, la queue atteint le jarret. La répartition des poils lui donne un aspect plus épais au centre. Au repos, elle tombe entre les fesses tandis qu'en action, elle est relevée au-dessus de la ligne du dessus sans toucher le bas du dos. Les membres sont forts et bien musclés, avec une ossature développée. Les allures sont rythmées et faciles, les membres se mouvant parallèlement au corps. Les allures les plus utilisées sont le pas normal et parfois le pas d'amble, le trot et le galop sont plus rares.  De grandeur moyenne, la tête est plutôt légère, sèche sans être décharnée en forme de rectangle allongé. Le stop n'est pas marqué. De grandeur moyenne, les yeux en amande sont disposés obliques ; ils sont de couleur marron plus ou moins clair en accord avec la robe. Placées relativement haut, les oreilles sont tombantes, de forme triangulaire arrondie à l'extrémité. La largeur de l'oreille est égale à sa longueur.  Le poil est court sur le corps, plutôt terne, lisse, épais et bien couché, sans sous poil. Il est plus court et plus dense sur la tête, les oreilles et sur les membres en dessous du coude et du jarret. Il est plus épais et long sur les fesses. La robe est le plus souvent bringée clair ou foncé dite. Une petite tache blanche est admise sur le poitrail. Selon le standard de la Fédération cynologique internationale, les éleveurs de la région de Castro Laboreiro considèrent le comme une caractéristique de la race. Le montagne est une robe bringée allant de la couleur du pignon de pin à l'acajou.

Caractère.

Le standard FCI décrit le chien de Castro Laboreiro comme loyal, docile, vigilant, agile et actif. Son aboiement très sonore, décrit comme un, proche d'un hululement, est caractéristique de la race. Très agile et actif, il peut se montrer hostile avec les étrangers sans être querelleur.  L'éducation doit se faire avec fermeté et sans brutalité afin de s'adapter au caractère assez fort de la race.

Utilité.

Le chien de Castro Laboreiro est un chien de berger de type bouvier, spécialisé dans la protection des troupeaux, notamment contre les loups. C'est un chien de garde très compétent.  Au Portugal, le Comité de la région achètent des chiens de Castro Labreiro pour protéger la population et le bétail des petits hameaux isolés.

Le chien de Castro Laboreiro ( en portugais) est une race de chiens originaire du village de Castro Laboreiro au Portugal. D'origine inconnue, la race est cependant considérée comme l'une des plus anciennes du Portugal. De distribution très limitée, c'est une race très méconnue en dehors du Portugal.

The Castro Laboreiro Dog (, 'dog of Castro Laboreiro'), also known as the Portuguese cattle dog or Portuguese watchdog, is an "extremely ancient" dog breed of the livestock guardian type, originating from Castro Laboreiro in the northern mountains of Portugal.


Histoire.

Origines.

Selon certaines théories, les Afars seraient présents et identifiés dans la Corne de l'Afrique depuis plusieurs milliers d'années avant notre ère. Cependant les continuités ne sont pas établies et les premières mentions connues remontent au plus au, si l'on accepte une continuité entre Adal et Afar. Les «sultanats» de Tadjoura et Rehayto auraient été créés au, plus probablement au.  Selon des analyses linguistiques, les Afars et les Saho seraient les premiers peuples répertoriés dans cette corne d'Afrique. On retrouve des os et des traces des peuples préhistoriques dans la région Afare. Leur langue forme un ensemble distinct au sein des Couchites orientaux qui s'est ensuite scindé. Les Afars sont décrit par Herodote comme étant des troglodytes éthiopiens vivant le long de la Mer rouge et que les garamantes chassaient. Les troglodytes vivent dans des cavernes, le mot « Afar » a sans doute une origine berbère, car ce mot signifie « habitant des grottes » ce qui traduit bien l’habitat troglodytes que leur prête Herodote. Ce mot n’étant pas attesté en langue afar (se désignant par le terme « Adal ») D’après certaines théories sur l’étymologie de ce mot. Ce nom a pu être donné par les berbères garamantes qui les ont nommés ainsi à cause de leur habitat troglodytes.  Des traditions afares intègrent la conversion à l'Islam, à partir du. Par exemple, des généalogies font remonter les lignages à des ancêtres venus d'Arabie. Des mélanges et circulations entre les deux rives de la mer Rouge et à l'intérieur de la Corne sont certains même si l'on n'est pas capable de les préciser.

Période historique.

Selon certains auteurs, au début du, sous le nom d'« Adal », des Afars auraient fait partie des troupes qualifiées de musulmanes dirigées par Ahmed Ibn Ibrahim Al-Ghazi qui affrontent l'Abyssinie chrétienne. Mais pour Amélie Chekroun, « aucune source de l’époque ne mentionne la présence des Afar, nommés “Dankali” dans la littérature, dans cette zone de la Corne de l’Afrique ».  Malgré la pression des peuples voisins (Oromos et Somalis en particulier), les Afars étendent leur territoire vers le sud à la fin du. À partir des années 1840, certains aident les Européens en assurant, moyennant finance, la sécurité des caravanes occidentales qui circulent entre le littoral méridional de la mer Rouge et l'Éthiopie centrale. Mais le contrôle du territoire leur échappe peu à peu à partir de 1885 avec les avancées de l'Éthiopie de Ménélik II, reconnue comme un État souverain après Adwa. Les côtes de la mer Rouge sont alors partagées entre des puissances européennes : l'Angleterre forme le Somaliland avec Zeila et Berbera, l'Italie l'Erythrée avec Assab et Massaoua, et la France la Côte française des Somalis à Djibouti.  Des frontières nationales sont tracées entre 1891 et 1955. Les Afars voient alors leurs zones de pâturage partagées entre plusieurs entités nationales. L'accession à l'indépendance de l'Érythrée en 1993 ajoute une troisième souveraineté sur les territoires afars.

Commerce.

Le sel qui provient du lac Assal, à Djibouti, est récolté lorsqu'il est tout à fait sec. Il faut d'abord soulever la croûte superficielle à l'aide de longues perches, puis la casser à la hache pour découper des plaques d'environ quarante centimètres d'épaisseur ("amoles"). Elles sont ensuite chargées sur des dromadaires ; le sel est alors transporté en Éthiopie où il est vendu.

Les Afars (ge'ez: አፋር) sont des habitants de la Corne de l'Afrique. Ils représenteraient personnes, dont en Éthiopie, en Érythrée (y compris Saho) et à Djibouti. Ils sont majoritairement de confession islamique sunnite. Leur langue, l'afar, est rattachée au groupe des langues couchitiques orientales.

The Afar (), also known as the Danakil, Adali and Odali, are an ethnic Cushitic people inhabiting the Horn of Africa. They primarily live in the Afar Region of Ethiopia and in northern Djibouti, as well as the entire southern coast of Eritrea. The Afar speak the Afar language, which is part of the Cushitic branch of the Afroasiatic family. Afars are the only Horners whose traditional territories borders both the Red Sea and the Gulf of Aden.


Situation.

Situé à au sud d’Amman, le Krak de Montréal domine la vallée de l'Arabah et contrôlait les voies commerciales reliant l'Égypte, la Péninsule Arabique et la mer Rouge.  Outre l'aspect stratégique de sa position, le château se dresse sur une montagne qui possède deux sources, au cœur d'une grande oasis très fertile.

Histoire.

La forteresse a été construite en 1115 par Baudouin de Jérusalem, lors d'une expédition dans la région,. Après s'être particulièrement impliqué dans sa construction, Baudouin en remit la garde et les droits seigneuriaux au chevalier Romain du Puy qui prit le titre de « seigneur de la Terre au Delà du Jourdain ».  Son successeur fut le dénommé Payen le Bouteiller qui consolida ses positions en édifiant en 1142 le « Krak des Moabites ».  Si la première moitié du est pour le Krak de Montréal une période de développement, de prospérité et de paix relative, à partir de 1169, prise en étau entre l'Égypte de Saladin et la Syrie de Nur ad-Din et plusieurs fois assiégée, la situation de la citadelle se détériore. En 1174, le chevalier Renaud de Châtillon, prince d'Antioche consort, qui venait de passer seize ans prisonnier de Nur ad-Din à Alep devient seigneur consort d'Outre-Jourdain.  En avril 1187, plus de assiègent les kraks de Montréal et des Moabites. En, Renaud de Châtillon est fait prisonnier avec son beau-fils Homfroy de Toron à la bataille de Hattin et décapité par Saladin en personne. Des négociations sont menées avec sa veuve Étiennette de Milly afin d'échanger son fils Homfroy contre la capitulation d'Al Karak et Montréal. Les garnisons concernées refusèrent le marché. Après un an et demi de siège, entre avril et juin 1189 les assiégés,, durent rendre les armes et Saladin s'empara de la forteresse.  La citadelle fut donnée par Saladin à son frère Malec Adel et forma dès lors une principauté dont les émirs prirent quelquefois le titre de Sultan. L'endroit fut considéré par la suite comme une des principales places de l'islamisme.  Le fort a par la suite été occupé par les mamelouks de 1250 à 1517 et occupé tout au long de l'Empire ottoman.  Le Krak de Montréal fut en partie détruit par Ibrahim Pacha lors de son occupation du Levant en 1840.

Description.

Construite grâce à la pierre calcaire extraite des carrières de la région, la forteresse aurait possédé trois murs d’enceinte, dont un seul subsiste actuellement. Des glacis aux pierres taillées et polies pavaient les pentes naturelles de la montagne afin d'en rendre l'escalade difficile.  La cour intérieure renferme divers bâtiments plus ou moins bien conservés, notamment deux églises, une mosquée, un pressoir et une citerne. Un tunnel conduit à une source d'eau potable grâce à un escalier en colimaçon de plus de 300 marches.  Chacune des tours rectangulaire ou circulaire possède trois étages et de nombreuses pièces.  Soumis à graves dommages au cours des siècles en raison des tremblements de terre, de la désertification et de l'érosion, le Krak de Montréal est gravement menacé dans sa conservation  Le site a été inscrit sur la liste indicative au patrimoine mondial de l'Unesco depuis 2001.

Le krak de Montréal ou de Mont Réal, aussi appelé par les historiens arabes Karac el Chobac, château d'al-Shawbak ou de Schaubak est un château fort datant du, à l'époque des croisades. Il est situé dans la région d'Édom (« Idumée ») à environ au sud-est de la mer Morte. Les ruines d'al-Shawbak sont situées en Jordanie.

Montréal (; ) is a Crusader castle on the eastern side of the Arabah, perched on the side of a rocky, conical mountain, looking out over fruit trees below. The ruins, called Shoubak (), are located in modern town of Shoubak in Jordan.


Biographie.

Né dans le village Kfar Tabor, au pied du Mont Tavor dans l'est de la Basse Galilée, sous le nom d'Igal Païcovitch. Son père Reuven, marié avec Haya, et dont la famille était originaire de Roumanie et qui comptait parmi les premiers pionniers juifs habitants de la nouvelle localité Rosh Pina en Haute Galilée, a été en 1901 l'un des fondateurs du village Kfar Tavor. À six ans Yigal perdit sa mère. Dès l'enfance il aima lire des livres, se distingua par ses compositions écrites et aida son père dans les travaux agricoles. Il étudia dans la première promotion du lycée agricole Kaddouri (Kadoorie) qui se trouve aussi au pied du Mont Tavor. En 1937, il fut un des fondateurs du kibboutz Guinossar sur la rive nord du Lac de Tibériade et resta toute sa vie membre de cette coopérative. Un an après, il se maria avec Ruth Baron, nouvelle immigrante venue d'Allemagne.  Enrôlé depuis son jeune âge aux rangs des "notrim", les gardiens des villages juifs de la "Jewish Settlement Police", il était déjà à treize ans membre dans la principale organisation de défense juive, Haganah. Pendant l'"Intifada" des années 1936-1939, connue comme la Grande Révolte arabe, il fit partie des "Special Night Squads" fondés par Orde Charles Wingate. En 1941, il devint membre du Palmah, les unités mobiles d'assaut de la Haganah commandées par Yitzhak Sadeh. Le jeune Yigal combattit dans les détachements "arabisants" de la Hagana et participa, au service de l'effort de guerre britannique pendant la Seconde Guerre mondiale, à des missions militaires au Liban, contre le régime ennemi de Vichy, allié de l'Allemagne. En 1943, il devint l'adjoint de Yitzhak Sadeh et après deux ans, en 1945, fut son successeur à la tête du Palmakh. Le Palmakh, avec son esprit de camaraderie, ses idéaux et ses exploits légendaires fut une pépinière de l'élite politique et culturelle israélienne. En 1945 il prit part au congrès sioniste qui se déroula a Bâle, puis visita Auschwitz.

Pendant la Guerre de 1948.

Durant la guerre de 1948, Ygal Allon est commandant de trois brigades du Palmach.  Il dirige entre avril et l'opération Yiftah (appelée d'après le juge biblique Iftakh ou Jephté et en même temps d'après les initiales des noms Igal Paikovitch Tel Haï (du nom originel d'Ygal Allon avant que ne l'hébraïse et de Tel Haï, une localité située dans le théâtre des opérations et où est mort le héros juif Joseph Trumpeldor). Durant les opérations, ses hommes prennent le contrôle de l'est de la Galilée et des villes de Tibériade et Safed dont les habitants arabes palestiniens sont chassés ou fuient notamment à la suite de sa campagne de « guerre psychologique ». Après le, ses forces repoussent les forces syriennes et libanaises qui essaient d'envahir la Galilée.  Juste avant la première trêve, Yigal Allon arrive au centre du pays comme adjoint du général David (Mickey) Marcus et dirige l'Opération Yoram. Secondé par Moshe Dayan, il dirige les combats contre la Légion arabe dans la zone entre Tel-Aviv et Jérusalem. Au cours de l'Opération Dani, ses troupes conquièrent Lydda (aujourd'hui Lod) et Ramle dont ils chassent à nouveau les habitants vers Ramallah. L'opération se poursuit par deux assauts sur Latroun qui échouent.  Yigal Allon doit se conformer aux ordres de Ben Gourion de dissoudre les organisations paramilitaires juives, y compris la sienne, le Palmach, l'Irgoun et Lehi et de les joindre à la nouvelle armée d'Israël : Tsahal. Yigal Allon est nommé lieutenant-général et prend le commandement militaire du front sud d'Israël. En tant que tel, il commande les opérations Yoav, Lot, Assaph, Horev et Ouvda, qui garantissent aux Israéliens le contrôle du Neguev avant que les Nations unies n'arrivent à trancher sur le sort de cette région. La défaite de l'armée égyptienne, la conquête de Beer Sheva et d'Eilat ont fait d'Yigal Allon un des hommes qui ont le plus contribué au tracé des lignes d'armistice et ainsi des frontières d'Israël.

Politique : le plan Allon.

À cause de ses sympathies connues pour la fraction de gauche opposée à Ben Gourion, il doit en fin de compte renoncer à ses aspirations d'être nommé chef de l'état major de l'armée et se retirer de Tsahal. Il joint les rangs du Mouvement coopératiste agricole "Ha'kibboutz Ha'meoukhad" lié au parti "Mapam" et se trouve parmi les dirigeants du parti Akhdout Ha'Avoda - Poaley Tzion, né de la scission du Mapam. De 1955 à 1960. il représente ce parti à la Knesset. Après avoir terminé des études à l'université hébraïque de Jérusalem, il passe deux ans à Oxford au St Antony's College.  De retour en Israël, Yigal Allon occupe des postes importants dans les gouvernements social-démocrates du pays. Il est de nouveau député à la Knesset, ministre du Travail de 1961 à 1968, vice-premier ministre de 1968 à 1977, ministre de l'Intégration des immigrés de 1968 à 1969, ministre de l'Éducation et de la Culture de 1969 à 1974, et enfin ministre des Affaires étrangères de 1974 à 1977.  Il a également occupé temporairement le poste de Premier ministre en remplacement de Levi Eshkol décédé en 1969. Rival de Moshe Dayan encore depuis les jours du Palmah, Yigal Allon est candidat au poste de premier ministre mais le leadership du parti se décide pour choisir Golda Meir.  Après la démission de Golda Meir en 1974, Yigal Allon est nommé ministre des affaires étrangères dans le gouvernement Itzhak Rabin. À ce titre, il est le premier à avoir tenu son discours en hébreu à l'Assemblée générale de l'ONU. Considéré comme une « colombe » du point de vue des opinions sur le règlement du conflit avec les Arabes, Yigal Allon a été l'architecte en 1968 (époque où il était vice-Premier ministre) du plan Allon — en hébreu : — qui proposait la fin de l'occupation israélienne de la Cisjordanie en négociant un partage des territoires avec la Jordanie (environ 30 % pour Israël, et 70 % pour la Jordanie). Après la victoire de la droite en 1977, il entre dans l'opposition.  Yigal Allon meurt soudainement à Afoula en 1980 d'une insuffisance cardiaque, après avoir reçu à son domicile, au kibboutz Ginosar, le ministre de la Défense égyptien Kamal Hassan Ali. C'était précisément pendant la campagne pour l'élection primaire du Parti travailliste où il briguait la place de premier secrétaire, pour pouvoir devenir premier ministre.

Yigal Allon (en hébreu : יגאל אלון), né à Kfar Tabor le et mort le à Afula, est un général et homme d'État israélien membre de l'Akhdout Ha'avoda, puis du parti travailliste. Héros du combat de l'indépendance d'Israël, il a été le commandant du Palmah entre 1945 et 1948. Plusieurs fois ministre, vice-Premier ministre d'Israël (1968-1977), ministre des Affaires étrangères (1974-1977), il est Premier ministre intérimaire d'Israël après le décès de Levi Eshkol en 1969.

Yigal Allon (; 10 October 1918 – 29 February 1980) was an Israeli politician, a commander of the Palmach, and a general in the IDF. He served as one of the leaders of Ahdut HaAvoda party and the Israeli Labor party, and acting Prime Minister of Israel. He was a Knesset member and government minister from the third Knesset to the ninth inclusive.