text: Biografia Compì gli studi a Roma e si laureò in matematica presso l'Università "La Sapienza" il 5 luglio 1910, discutendo una tesi concernente un problema geometrico di carattere proiettivo/differenziale nello spazio a quattro dimensioni, con il matematico Guido Castelnuovo, al quale oggi è intitolato l'Istituto di Matematica de La Sapienza. Fu proprio Enrico Bompiani, direttore dell'Istituto medesimo dal 1939 al 1959, a presentare la proposta di questa intitolazione, a nome dei colleghi matematici, in occasione della commemorazione del Castelnuovo nel 1954. Dal 1911 al 1913 e dal 1917 al 1922 Enrico Bompiani fu assistente alla cattedra di Geometria analitica e proiettiva tenuta dal Castelnuovo nel medesimo ateneo. Negli anni 1913-1915 fu assistente alla cattedra di Geometria proiettiva e descrittiva all'Università di Pavia e fu ivi professore interno dell'Istituto Matematico. Nel 1914 conseguì la libera docenza in "Geometria analitica" e nel 1918 ottenne il diploma di ingegneria aeronautica all'École supérieure d'aéronautique di Parigi. Partecipò alla prima guerra mondiale nell'arma dell'aeronautica militare. Negli anni 1919 e 1920 fu professore incaricato, presso la Facoltà di Scienze, del "Corso di integrazione di Geometria analitica e proiettiva" e nell'anno 1920 - 1921 del Corso di Analisi matematica presso la Scuola Superiore di Architettura a Roma. Vinto il concorso a cattedra per l'algebra e la geometria del 1920, nel 1922 fu chiamato alla cattedra di "Geometria analitica e proiettiva" del Politecnico di Milano. Dal 1923 al 1927 ricoprì la cattedra di "Geometria proiettiva e descrittiva" dell'Università di Bologna, ove fu anche incaricato per i corsi di "Applicazione di Geometria descrittiva" e di "Geometria superiore". Nel 1927 la Facoltà di Scienze dell'Università La Sapienza di Roma lo chiamò, su proposta di Guido Castelnuovo, a ricoprire la cattedra di "Geometria descrittiva", lasciata libera da Giulio Pittarelli. Enrico Bompiani tenne questo posto fino alla fine della sua carriera, nel 1959, alternando l'insegnamento della Geometria descrittiva con quello della Geometria analitica e proiettiva. Nel 1931 ebbe l'incarico di "Analisi superiore"; tenne poi per molti anni l'incarico dell'insegnamento di "Geometria differenziale". Fu professore emerito dal 1964. La vastissima produzione scientifica di Enrico Bompiani è costituita da oltre 320 pubblicazioni. Esse riguardano principalmente la Geometria differenziale e la Topologia differenziale. Degni di nota particolare gli sviluppi da lui dati alla Teoria degli elementi differenziali, sia lineari che a più dimensioni. L'attività scientifica di Enrico Bompiani ebbe numerosi ed ambiti riconoscimenti sia in campo nazionale che internazionale. Ricevette il Premio per la Matematica dalla Fondazione Besso (1923); la Medaglia d'oro dell'Accademia nazionale delle scienze, detta dei XL (1926); il Premio reale per la Matematica conferito dall'Accademia Nazionale dei Lincei (1938); la Stella d'oro al merito della Scuola (13 settembre 1942); la Medaglia d'oro del Presidente della Repubblica (2 giugno 1956); la Medaglia d'oro per il 50.mo anniversario della fondazione dell'Unione matematica italiana (1972). Fu dottore Honoris causa dell'Università di Groninga (Paesi Bassi, 8 luglio 1964), dell'Università di Bologna (23 giugno 1966) e dell'Università di Iași (Romania, maggio 1970). Fu membro di numerose Accademie italiane e straniere: Accademia delle scienze dell'Istituto di Bologna (11 gennaio 1925); Accademia Nazionale dei Lincei (Socio corrispondente luglio 1935, Socio Nazionale 4 febbraio 1948); Accademia di Romania (Bucarest); Istituto Lombardo Accademia di Scienze e Lettere (Milano); Accademia delle Scienze di Torino (16 luglio 1937); Societé Royale des Sciences de Liège (21 maggio 1951); Accademia Nazionale delle Scienze detta dei XL (13 giugno 1951); Akademie der Wissenschaften di Vienna (17 maggio 1955); Académie Nationale des Sciences, Lettres et Beaux Arts de Belgique (Bruxelles, 19 giugno 1956); "Membre honorifique de la Republique Populaire Roumaine" (febbraio 1965). Fu anche membro di numerosi comitati scientifici o di redazione: Comitato per la Matematica e la Fisica del Consiglio Nazionale delle Ricerche (Roma 1926 - 1965); Istituto nazionale di alta matematica, INdAM (dal 1941); Annali di Matematica pura ed applicata (Bologna); Circolo Matematico di Palermo; Rendiconti di Matematica e delle sue applicazioni, (Roma dal 1926); Bollettino dell'Unione Matematica Italiana (Bologna); Zentralblatt fur Mathematik (Berlino); Archiv der Mathematik (Friburgo); Compositio Mathematica (Groninga); Tensor Society (Sapporo); Series on Pure and Applied Mathematics (Londra). Dal 1938 al 1949 fu vice presidente dell'Unione Matematica Italiana, presidente dal 1949 al 1952 e presidente onorario dal 1952. Dal 1951 al 1956 fu segretario dell'Unione matematica internazionale. Dal 1948 al 1960 fu membro della Commissione Americana per gli scambi culturali con l'Italia (Programma Fulbright). Ha tenuto numerosi corsi e conferenze in Italia e all'estero: in Europa, negli Stati Uniti e in India. Fu per la prima volta negli Stati Uniti nel 1930, in qualità di professore visitatore presso l'Università di Chicago, dove ritornò nel 1934. Subito dopo la seconda guerra mondiale fu professore visitatore alla Missouri University di Kansas City (1946) e successivamente all'Università di Pittsburgh (Pennsylvania 1947 - 1961), della quale fu anche "A.W. Mellon Professor" dal 1959 al 1961. Dei corsi tenuti negli Stati Uniti da Enrico Bompiani restano alcuni volumi di lezioni di Geometria differenziale (Chicago 1930 e Pittsburgh 1948 e 1949). Nel 1954 fondò il Centro internazionale matematico estivo (CIME), del quale rimase direttore sino al 1974. L'attività di questo centro, che si è avvalso dell'opera dei migliori specialisti in campo internazionale, è stata, e continua ad essere, di grandissimo aiuto e giovamento per i giovani matematici italiani e stranieri. Tra i suoi allievi va menzionato Fabio Conforto. Voci correlate Scuola italiana di geometria algebrica Altri progetti Collegamenti esterni Biografia SISM Bibliografia, Roma Bibliografia , Palermo Accademici dei Lincei Membri dell'Istituto Lombardo Accademia di Scienze e Lettere Membri dell'Accademia delle Scienze di Torino Professori della Sapienza - Università di Roma


source: CulturaX

text: Questo mantello nero con cappuccio per adulto è caratterizzato da finiture molto curate. Il materiale è morbido e l'aspetto è leggermente brillante (abito non incluso). Accessorio ideale per completare il vostro travestimento da vampiro la sera di Halloween o per ogni altro evento in costume. Questo travestimento da pirata per bambina è composta da un abito con sottogonna ornato di pizzo con manicotti a sbuffo in velo trasparente. La tenuta comprende anche una giacca senza maniche con passamanerie e stemmi dorati e un cappello coordinato (stivali non inclusi). Questo costume sarà perfetto per il Carnevale o per ogni altro evento in maschera. Misure: Taglia 7/9 anni: lunghezza spalla-fine gonna 58 cm Taglia 10/12 anni: lunghezza spalla-fine gonna 72 cm


source: wikipedia

text: Eventi, invenzioni e scoperte 1910 Inizia la Rivoluzione messicana. 1911 Conquista di Ciudad Juárez da parte dell'esercito rivoluzionario di Pancho Villa, durante la Rivoluzione messicana. Muore a Vienna dopo una lunga malattia il grande compositore Gustav Mahler. Seconda crisi marocchina (Crisi di Agadir) Ernest Rutherford elabora il primo modello di atomo con nucleo centrale. Scoppia la guerra italo-turca per il possesso della Libia. 1912 15 aprile: dopo essere entrato in collisione con un iceberg, il transatlantico Titanic affonda in meno di tre ore, portando con sé circa 1.500 persone perlopiù di 3a classe, risparmiandone circa 705. Tutti i superstiti del più famoso naufragio dell'epoca vengono tratti in salvo dalle scialuppe dal Carpathia. Oltre un milione di minatori del Galles incrociano le braccia in un gigantesco sciopero generale. 28 novembre: nasce la nazione albanese. 8 ottobre: inizia la Prima guerra balcanica. Alfred Lothar Wegener formula la teoria della deriva dei continenti. 1913 Assedio di Adrianopoli, nell'ottobre dello stesso anno. Il 16 giugno scoppia la Seconda guerra balcanica. Prima a Parigi, il 29 maggio, de La sagra della primavera di Igor Stravinskij. 1914 28 giugno: l'arciduca Francesco Ferdinando, erede al trono dell'Impero austro-ungarico, rimane ucciso assieme alla moglie in un attentato a Sarajevo, per mano dell'indipendentista serbo Gavrilo Princip. 28 luglio: inizia la prima guerra mondiale. Viene assemblata la prima macchina fotografica a 35 mm. 1915 24 maggio: l'Italia entra in guerra a fianco di Francia e Gran Bretagna Il Lusitania, una nave della Cunard Line sorella del Mauretania in competizione con il Titanic, Olympic e Britannic, viene affondata da un sottomarino tedesco. All'inizio dell'anno una forte scossa sismica del 7o della scala Richter colpisce la Marsica, regione interna dell'Abruzzo, distruggendo diverse località, tra le quali Avezzano, e causando 30.000 vittime. (Terremoto della Marsica) 1916 11 maggio: Albert Einstein pubblica la teoria della relatività generale. 21 novembre: il Britannic, nave sorella del Titanic, viene affondato da una mina tedesca nonostante portasse con evidenza i segni di una nave ospedale. Ora si trova sul fondo del Mar Egeo quasi spezzata in due senza alcuna speranza di riportarla alla luce. Dublino: ad aprile inizia la "Insurrezione di Pasqua" L'inglese William Tritton inventa il Carro armato. 1917 Aprile: Gli Stati Uniti entrano in guerra a fianco dell'Intesa. 7 novembre: inizia la Rivoluzione Russa. 1918 A Ekaterinburg il 17 luglio lo zar Nicola II e la famiglia sono assassinati dai bolscevichi. Il 4 novembre l'Austria-Ungheria firma l'armistizio con l'Italia dopo la vittoria italiana a Vittorio Veneto. L'11 novembre la Germania firma l'armistizio con gli Alleati, finisce la prima guerra mondiale. L'Austria e la Gran Bretagna consentono il diritto di voto alle donne. Si diffonde in Europa e in America la terribile influenza spagnola, che farà milioni di vittime in tutto il mondo; tra quelle illustri, Guillaume Apollinaire, Egon Schiele e Gustav Klimt. 1919 Trattato di Versailles che sancisce le condizioni imposte alla Germania dagli Alleati. In Europa scoppia la rivolta operaia denominata Biennio Rosso. 28 giugno: inizia la Conferenza di Parigi, in seguito alla quale nasce la Società delle Nazioni su iniziativa del presidente USA Wilson. A Milano nasce il movimento politico dei Fasci italiani di combattimento su iniziativa di Benito Mussolini. Personaggi Pancho Villa Emiliano Zapata Thomas Woodrow Wilson Nicola II di Russia Guglielmo II di Germania Francesco Giuseppe I d'Austria Francesco Ferdinando d'Asburgo-Este Raymond Poincaré Lenin Altri progetti 02


text: Aree di crisi nel mondo n. 11 del 12-7-2019 La tensione nel mondo non accenna a scendere, proseguiamo oggi nel nostro lavoro di controllo su vari scenari


text: Eventi, invenzioni e scoperte 350, gli Unni iniziano ad invadere i Sasanidi Personaggi Costanzo II, imperatore romano. Flavio Claudio Giuliano, imperatore romano. Seleuco, sacerdote e retore romano, amico di Giuliano. Altri progetti 06


Fisica. Quaderno operativo. Per le Scuole superiori: 2 (["Mario Gatti","Roberta | eBay 9788846829580 Fisica. Quaderno operat... 9788846829573 Fisica. Quaderno operat... 9788846826336 Geometria. Quaderno ope... Dettagli su Fisica. Quaderno operativo. Per le Scuole superiori: 2 (["Mario Gatti","Roberta Fisica. Quaderno operativo. Per le Scuole superiori: 2 (["Mario Gatti","Roberta 282600849651 Codici EAN: 9788846829573 ISBN: 8846829573 Data di pubblicazione: 05/05/2011 MPN: 8846829573 Editore: La Spiga Languages Lingua: Pubblicato: Italiano; Studio: La Spiga Languages Dimensioni pacco: 27,79 x 19,20 x 0,79 (cm) Categoria 1: Libri > Libri per bambini > Scienze, natura e tecnologia > Fisica Etichetta: La Spiga Languages Categoria 2: Libri > Libri per bambini > Testi di formazione e consultazione > Produttore: La Spiga Languages Categoria 3: Libri > Scienze, tecnologia e medicina > Fisica Data di rilascio: 05-05-2011 Categoria 4: Libri > Libri scolastici Autore: Mario Gatti, Roberta Pirovano EAN: 9788846829573


Lotus Elise: l'omogeneizzato dell'emozione - Auto.it "Infilarsi nel sedile di questa piccola pillola d'amore vale sempre la pena". Lorenzo Moro 14 set - 12:46 0 Sfogliando il listino del nuovo noterete anche voi qualcosa d'interessante. L’auto più vecchia present fra le meno nuove nella lista non è la Grande Punto, bensì la Lotus Elise. Esatto, a contendersi lo scettro di macchina più datata attualmente in commercio con la Grande Punto e la Lada Niva (che in realtà non c’è più) ecco la leggera meraviglia di Heitel. Lotus Elise è stata prodotta ininterrottamente dal 1996 ad oggi, la piccola sportiva inglese è un tale spettacolo di meccanica applicata alle quattro ruote che speriamo di vedere nei listini anche per i prossimi dieci anni. Aggiornata nella linea e nei dettagli per renderla sempre attuale ed al passo coi tempi, la Lotus è riuscita nell’apparente impresa di tenere tutto quanto di buono c’era fin dal primo modello senza il bisogno di aggiungere ed appesantire le cose, con il rischio di snaturare l’esperienza di guida assoluta che è capace di regalare questo piccolo mucchietto di plastica ed alluminio. Se negli anni l’abbiamo quindi vista evolvere e migliorare, la sostanza è rimasta sempre quella. Una leggera vasca in alluminio incollato, grande abbastanza per ospitare due adultini, rivestita da un sottile vestito in vetroresina aderente quel tanto che basta per coprire la raffinatissima meccanica sottostante. E se la Lotus Elise rappresenta la quintessenza stessa della guida, per l’occasione abbiamo voluto trovare il vero unicorno, una “vecchia” Lotus Elise 111S importata direttamente dalla piovosa isola del nord. Anno 1999, spinta dal classico che più classico non si può Rover serie K con fasatura variabile delle valvole, questa Elise è il concentrato dell’essenza, è un’estratto della meraviglia, è un omogeneizzato dell’emozione che ha reso questa macchina l’incredibile gioiello su ruote che è. È la macchina più meravigliosamente inutile che esista: non c’è nulla di più di quello che vi serve a bordo di questa Lotus. C’è talmente poca roba oltre al telaio e al motore che risulta difficile snocciolare altri dati e caratteristiche oltre a quelle già dette. Non posso raccontarvi di quanto sia capiente e comodo il baule e non posso descrivervi la qualità dei rivestimenti interni che non ci sono. Ma posso darvi qualche informazione circa l’infotainment. Quest’ultimo è dato dal 4 cilindri in linea trasversale, milleotto di cilindrata da 145 cavalli incastrato dietro di voi. Non c’è bisogno di altro infotainment qua sopra, fidatevi. Che poi per descrivere questo ferro bisogna sconfinare nel vicino mondo delle moto. Questa Lotus, come una moto ma forse più di una moto, non è un semplice mezzo di trasporto, questo è un giocattolo, pensato, studiato, progettato e creato per spostare lo spirito, per emozionare e per assaporare il vero gusto della guida. È un po’ come una MX-5 ma di più, molto di più. Come una moto, forse più di una moto, questa Lotus è la via più breve tra la vostra anima e l’asfalto. E vi assicuro che questa via è veramente breve. Sulla Lotus Elise non si sale, bensì si scende, quasi come andare in cantina. Infilarsi nel sedile di questa piccola pillola di amore è tutt’altro che semplice. Bisogna abbassarsi e contemporaneamente contorcersi per scavalcare il largo longherone di alluminio del telaio a vista. Si scende dentro ad una nuda e fredda vasca di leggero metallo incollato, spesso con le incollature a vista. Ci siete voi e la vostra anima. Lotus Elise è nata da un sogno del visionario signor Artioli (sì, lo stesso della Bugatti EB110): guidare l’Elise, specialmente questa, tanto rozza e pura e fuori dal mondo, è un’esperienza mistica. Ci si cala in un mondo in cui anche una 500 pare enorme e pericolosa, figuratevi un fastidioso SUV con magari a bordo uno con lo smartphone in mano. La concentrazione richiesta è tantissima, sempre e comunque. Ci si sente esposti, ci si sente un po’ fuori luogo. Il rumore è forte e presente, bisogna urlare anche per pensare. I pedali, piccoli, minuscoli e vicini impegnano i piedi. Le sospensioni rigide non rendono il gioco più semplice. Ma aspettate che la strada si allarghi ed il traffico si diradi. Aspettate di avere spazio tempo e benzina. E allora lasciatela scorrere, lasciatele sgranchirsi le gambe, lasciate che la fredda meccanica diventi viva, lasciate che vi parli e che vi ascolti. È allora che troverete semplicemente lei, la Guida nella sua forma più pura. Tutto il resto sono semplicemente automobili, ma questa qui è un’altra cosa. PS. Fra le usate si trova al prezzo di poco più di dieci iPhone: riflettete. Youngtimer Lotus Elise: l'omogeneizzato dell'emozione


19Controllate e formate i vostri dipendenti sulle pratiche e le procedure legislative?


Dopo Staranzano nell'under 12, approda a Ronchi dei Legionari un altro titolo italiano nel baseball giovanile. I New Black Panthers hanno vinto lo scudetto nella categoria under 18 dopo due nette vittorie ai danni di UnipolSai Bologna e Torre Pedrera Falcons. Un successo, quello per la squadra allenata da Fabio Santin, che completa un ciclo eccezionale per un gruppo di giocatori che, insieme, ha conquistato il titolo tricolore in quattro diverse categorie nel corso degli ultimi sette anni. Il primo impegno nella superfinale di Modena si conclude con il successo di Ronchi dei Legionari sul Bologna per 12-2 in cinque inning. Si sente la tensione ad inizio partita per i felsinei e per il partente Pietro Perilli che colpisce i primi due battitori. Un errore del seconda base emiliano e il doppio da due punti di Daniele Di Monte producono i primi tre punti della partita. La Fortitudo rientra in partita con tre valide consecutive e un errore dei ronchesi che fruttano due punti, ma l’illusione della rimonta dura poco, poiché i New Black Panthers ingranano la sesta marcia con tre segnature, due su lancio pazzo e palla persa dal ricevitore e uno giunto sul singolo di Pasqualini. L’affondo decisivo dei ronchesi arriva al quinto inning. Dopo l’entrata di due punti, Stefano Nunin scarica un doppio che sparecchia le basi piene e successivamente segna il punto del 12 a 2. Marco Pizzolini, partente per la squadra di Ronchi dei Legionari, chiude tutte e cinque le riprese e sigilla la vittoria della sua squadra. I New Black Panthers si aggiudicano quindi la finale contro i Torre Pedrera Falcons con un 8-3 senza troppi patemi. In vantaggio fin dal primo inning, con un triplo di Di Monte, i bisiachi scavano un solco che si è poi rivelato incolmabile nella terza ripresa, nella quale riempiono le basi con 3 singoli a seguire per poi non permettere più agli avversari di avvicinarsi. —


FluidPro PALTM | SGS Italia SGS può aiutarvi a eseguire gli impegnativi test richiesti dall'esplorazione petrolifera grazie al nostro FluidProTM laboratorio analitico portatile per l'analisi PVT sul greggio. Che cos'è un FluidProTMlaboratorio di analisi portatile? Il laboratorio di analisi portatile (PAL) FluidProè un laboratorio chimico per l'esecuzione di analisi in condizioni di volume-pressione-temperatura (PVT) e di chimica di produzione dotato di apparecchiature per il campionamento sul campo utilizzate da chimici specializzati in questo tipo di analisi. Il PAL dispone delle stesse apparecchiature e strumentazioni presenti nella maggior parte dei laboratori fissi, è certificato DNV per applicazioni A60 / Zona 1 ed è progettato per essere utilizzato anche in condizioni ambientali estreme. I vantaggi di utilizzare FluidProTM PAL Con questo laboratorio mobile potrete disporre di una vostra struttura dedicata per studi PVT, chimica di produzione, servizi di campionamento e di trasferimento liquidi ad alta pressione/temperatura ovunque sia richiesto (piattaforma, base d'appoggio centralizzata o struttura remota indipendente). Avere sul posto strutture di prova dedicate e personalizzabili contribuisce a minimizzare i costi connessi con il noleggio e il trasporto delle bombole. Ed in più consente di eliminare i soliti tempi di risposta richiesti dalla spedizione dei campioni HazMat e anche di evitare le lunghe attese normalmente associate ai laboratori fissi per via del lavoro arretrato. Studi (PVT) fluidi serbatoio Analisi estese sulla composizione Chimica di produzione Proprietà del petrolio e dei condensati: Proprietà del gas: Umidità mediante igrometro (opzionale) Misurazione con provette colorimetriche secondo le specifiche del cliente Tenore in radon / mercurio (opzionale) Supportati dalla competenza SGS Tutti i nostri laboratori portatili sono supportati dalla competenza SGS. Per ciascun laboratorio mettiamo a disposizione chimici specializzati in analisi PVT in possesso di certificazione indipendente, che hanno dovuto superare un rigoroso corso di formazione interno prima di diventare operatori FluidProTM. Tutti i laboratori portatili sono, inoltre, monitorati da un team QA/QC di grande esperienza. I nostri laboratori mobili FluidProTM sono garantiti per fornirvi dati di alta qualità e un servizio eccellente ad un prezzo competitivo. Contattateci per ulteriori informazioni.


text: Nella sua carriera, durata più di sessant'anni, recitò in una vasta gamma di generi cinematografici, dalla Screwball comedy ai film drammatici. Ottenne dodici candidature al premio Oscar come migliore attrice, vincendone quattro e risultando la persona con più vittorie in tale categoria nella storia. Nel 1999 l'American Film Institute l'ha classificata al primo posto fra le più grandi star, ritenendola la più grande attrice cinematografica di tutti i tempi. Cresciuta in Connecticut, Katharine Hepburn incominciò a recitare mentre studiava al Bryn Mawr College. Dopo quattro anni di teatro, le recensioni favorevoli del suo lavoro a Broadway la portarono all'attenzione di Hollywood. I suoi primi anni nel mondo del cinema furono segnati dal successo e dal premio Oscar per il suo terzo film, La gloria del mattino (1934), ma in seguito fu protagonista di una serie di film che fecero fiasco quanto all'attenzione del pubblico, tanto che nel 1938 venne etichettata come «veleno per il botteghino». L'attrice fu la stessa artefice della propria rimonta, riscattando il suo contratto con la RKO Radio Pictures e comprando i diritti cinematografici di Scandalo a Filadelfia: li vendette a condizione di interpretare il ruolo della protagonista ed esso la consacrò nuovamente a Hollywood. Nel 1940 venne ingaggiata dalla Metro-Goldwyn-Mayer, dove lavorò a fianco di Spencer Tracy, suo partner cinematografico in nove film e segretamente compagno nella vita fuori dal set. Nella seconda parte della sua carriera apparve in produzioni teatrali shakespeariane e affrontò una serie di ruoli letterari. Vinse altri tre premi Oscar per le sue interpretazioni in Indovina chi viene a cena? (1967), Il leone d'inverno (1968) e Sul lago dorato (1981). Nel 1970 iniziò a comparire in film per la televisione, ove proseguì la sua carriera fino in età avanzata. Nel 1976 vinse anche un Premio Emmy, come miglior attrice protagonista per Amore tra le rovine, al fianco di Laurence Olivier. Abbandonò le scene nel 1994, all'età di 87 anni, dopo aver recitato in Love Affair - Un grande amore. Dopo un periodo di inattività e cattiva salute, morì nel 2003 a 96 anni. Oltre a quelli citati, tra i suoi film più famosi si ricordano: Febbre di vivere (1932), Piccole donne (1933), Susanna! (1938), La donna del giorno (1942), La costola di Adamo (1949), La regina d'Africa (1951), Lui e lei (1952), Tempo d'estate (1955), Il mago della pioggia (1956), Improvvisamente l'estate scorsa (1959), Il lungo viaggio verso la notte (1962), La pazza di Chaillot (1969) e Le troiane (1971). Oltre ai quattro Oscar (record rimasto imbattuto), la Hepburn vinse due premi BAFTA, un NYFCC Award, un David di Donatello, una Coppa Volpi alla Mostra del cinema di Venezia e un prix al Festival di Cannes. Biografia Katharine Hepburn nacque a Hartford, capitale del Connecticut, il 12 maggio 1907, seconda di sei fratelli. I suoi genitori furono Katherine Martha Houghton, nativa di Corning (New York), una femminista suffragetta ed impegnata nel sociale, e Thomas Norval Hepburn, urologo, nato in Virginia e discendente di una famiglia britannica, strenuo assertore della profilassi pubblica e della necessità di informare la gente sui rischi delle malattie veneree, argomento del quale all'epoca nessuno parlava. La madre fu a capo dell'associazione statale delle suffragette, sostenitrice della contraccezione e fondatrice, con Margaret Sanger, di Planned Parenthood, associazione per la promozione dell'aborto e della maternità responsabile e pianificata. La stessa Hepburn raccontava, nella sua autobiografia, di aver più volte, da bambina, aiutato la madre nella sua causa, partecipando a varie manifestazioni e distribuendo in giro palloncini con lo slogan "Il voto alle donne". La casa degli Hepburn era, quindi, un ambiente privo di argomenti-tabù, in cui si affrontavano serenamente davanti ai figli argomenti di carattere sociale, politico o di educazione sessuale. Nel corso della sua vita adulta, Katharine Hepburn avrebbe in più occasioni riconosciuto ai suoi genitori il merito di averla fatta crescere libera da pregiudizi, indipendente e con la curiosità di fare sempre nuove esperienze. Avviata allo sport dal padre, si impegnò nel nuoto, nell'equitazione, nel golf e nel tennis, tra l'altro vincendo la medaglia di bronzo a una gara di pattinaggio artistico al Madison Square Garden di New York e raggiungendo le semifinali di un torneo giovanile femminile di golf del Connecticut. Il suo sport preferito però fu il nuoto: da ragazza aveva l'abitudine di tuffarsi nel freddo specchio di mare di fronte casa sua e non perse l'abitudine di mantenersi in forma nuotando fino agli anni ottanta, come si vede in una scena del film Sul lago dorato (1981). La sua infanzia fu funestata da un episodio che ebbe conseguenze a lungo termine anche nella sua vita adulta: un giorno trovò il fratello Tom impiccato a una corda pendente da una trave. Sebbene le circostanze facessero pensare al suicidio, i genitori rigettarono questa ipotesi, ritenendo piuttosto che Tom fosse rimasto vittima di qualche esperimento condotto maldestramente e finito tragicamente. Indipendentemente dalla ragione della morte di suo fratello, la Hepburn cadde in depressione e vi rimase per molto tempo, evitando di frequentare i ragazzi della sua età e studiando a casa. Per molti anni usò come propria la data di nascita di Tom (8 novembre) e rivelò la vera data solo nella sua autobiografia Io (tit. or.: Me: Stories of my Life). Nel 1924 entrò al Bryn Mawr College, che frequentò principalmente per compiacere la madre, che aveva studiato lì, e ricordò l'esperienza con antipatia. Era la prima volta che tornava a scuola dopo diversi anni ed era a disagio con i suoi compagni di classe. Lottò contro le regole scolastiche dell'università, venendo sospesa una volta perché aveva fumato in camera. Si dimostrò portata per la recitazione, ma i ruoli nelle rappresentazioni del college erano subordinati ai risultati scolastici. Una volta migliorati i propri voti, iniziò a esibirsi regolarmente. Interpretò il ruolo di protagonista in una produzione di The Woman in the Moon nel suo anno da senior, e la risposta positiva ricevuta rafforzò i suoi piani di proseguire nella carriera teatrale. Si laureò in storia e filosofia nel giugno 1928. Al 1928 risale il matrimonio con l'uomo d'affari Ludlow Ogden Smith, al quale la Hepburn chiese di invertire il cognome per non doversi confondere con la cantante Kathe Smith. Tra alti e bassi il matrimonio andò avanti fino al 1934, anno del divorzio avvenuto in Messico e riformalizzato negli Stati Uniti nel 1942. Nonostante il fallimento del matrimonio, la Hepburn riconobbe sempre a suo marito il sostegno morale e finanziario datole durante i primi anni della sua carriera di attrice. Carriera Gli esordi a teatro Nel 1928 fece il suo esordio a Broadway nella commedia teatrale Night Hostess, dopo anni di apprendistato nei teatri di Baltimora. Fu poi chiamata a sostituire l'attrice protagonista di The Big Pond in scena al Great Neck di New York, licenziata a pochi giorni dalla prima teatrale. La Hepburn si trovò all'improvviso sulla scena e non diede una prova convincente, tanto che fu tolta dal cast e destinata a produzioni minori. Venne poi licenziata poco prima di andare in scena con Art and Mrs. Bottle ma, siccome la produzione non trovò un'altra attrice disponibile, dovette riassumerla. Nel 1932 si fece però notare per la sua interpretazione di Antiope nel dramma The Warrior's Husband, una moderna rivisitazione di Lisistrata. La pièce ebbe recensioni favorevoli e di Katharine Hepburn si iniziò a parlare anche a Hollywood, non più solo a New York. I primi anni a Hollywood L'agente hollywoodiano Leland Hayward vide una performance della Hepburn in The Warrior's Husband e le chiese di fare un provino per la parte di Sydney Fairfield in Febbre di vivere, film in produzione alla RKO Pictures. Il regista George Cukor rimase impressionato da quello che vide: «C'era questa strana creatura», ricordò, «diversa da qualsiasi cosa avessi mai sentito». Apprezzò particolarmente il modo in cui lei posò un bicchiere: «Ho pensato che ci fosse molto talento in quella azione». Per il ruolo, la Hepburn chiese a settimana, un compenso spropositato per un'attrice sconosciuta. Cukor incoraggiò la casa di produzione ad accettare le sue richieste e la giovane attrice firmò un contratto a tempo determinato con una garanzia di tre settimane. La venticinquenne Hepburn arrivò in California nel luglio 1932. Recitò in Febbre di vivere con John Barrymore, non mostrando alcun segno di soggezione. Anche se lottò per adattarsi alla recitazione cinematografica, rimase affascinata dal settore fin dall'inizio. Il film fu un successo e l'attrice ricevette recensioni positive. Mordaunt Hall del The New York Times definì la performance «eccezionalmente buona» precisando che «la caratterizzazione della sig.na Hepburn è una delle più belle viste sul grande schermo». Dopo il successo di Febbre di vivere, la RKO firmò con l'attrice un contratto a lungo termine e il regista George Cukor strinse una duratura amicizia e un sodalizio professionale con lei (avrebbero girato altri nove film insieme). Il secondo film della Hepburn fu La falena d'argento, la storia di un'aviatrice e la sua relazione con un uomo sposato. Non fu un successo commerciale, ma le recensioni sulla sua interpretazione furono positive. Regina Crewe scrisse sul New York Journal che, sebbene i suoi manierismi fossero irritanti, «costringono all'attenzione e affascinano il pubblico. È una personalità distinta, definita e positiva». Il terzo film della Hepburn la consacrò come una delle principali attrici di Hollywood: per la interpretazione dell'aspirante attrice Eva Lovelace, ruolo inizialmente destinato a Constance Bennett, ne La gloria del mattino vinse il suo primo Oscar alla miglior attrice. La Hepburn aveva visto il copione sulla scrivania del produttore Pandro S. Berman e, convinta di essere nata per interpretare quella parte, insistette per ottenerla. L'attrice decise di non partecipare alla cerimonia di premiazione degli Oscar, scelta che continuerà per tutta la durata della sua carriera, ma fu entusiasta della propria vittoria. Il suo successo proseguì con il ruolo di Jo March in un adattamento cinematografico di Piccole donne (1933) diretta da George Cukor. Il film fu un nuovo successo, uno dei più grandi dell'industria cinematografica fino ad allora, e la Hepburn vinse la Coppa Volpi alla 2a Mostra internazionale d'arte cinematografica di Venezia. Piccole donne fu uno dei film preferiti dell'attrice e rimase sempre orgogliosa della propria performance, affermando in seguito: «Sfido chiunque a essere [una Jo] brava quanto me». Alla fine del 1933 Katharine Hepburn era un'attrice cinematografica rispettata, ma desiderava imporsi anche a Broadway. Jed Harris, produttore teatrale che stava attraversando una crisi di carriera, le propose di apparire nello spettacolo The Lake, che lei accettò di fare anche con un basso stipendio. Nel frattempo la RKO le chiese di recitare in Argento vivo, nel ruolo di Trigger Hicks, una ragazza di montagna dai modi bruschi. Il film, considerato uno dei suoi peggiori, fu un disastro al botteghino e l'interpretazione dell'attrice ricevette recensioni negative. La Hepburn mantenne una foto di Hicks nella sua camera da letto per tutta la sua vita come ammonimento a mantenere l'umiltà. L'anteprima di The Lake fu a Washington, dove ci fu una grande vendita di biglietti, ma la Hepburn aveva perso fiducia nella regia di Harris e lottò per proseguire le prove. Nonostante questo, Harris spostò lo spettacolo a New York senza fare ulteriori prove, andando in scena presso il Martin Beck Theatre il 26 dicembre 1933. La Hepburn fu sonoramente stroncata dai critici newyorkesi. Dorothy Parker, all'epoca critico teatrale per il New Yorker, scherzando scrisse la memorabile frase: «Katharine Hepburn è capace di recitare tutta la gamma delle emozioni dalla A alla B». Già legata a un contratto di dieci settimane, l'attrice dovette sopportare l'imbarazzo del rapido calo delle vendite di biglietti al botteghino. Harris decise di spostare lo spettacolo a Chicago, dicendo all'attrice che l'unico interesse che aveva per lei era il denaro che gli poteva fruttare. La Hepburn rifiutò e pagò Harris per chiudere la produzione. Più tardi definì Harris come «la persona più diabolica che abbia mai incontrato» e sostenne che questa esperienza le insegnò a prendere con maggiore responsabilità la propria carriera. "Veleno per il botteghino" Dopo il fallimento di Argento vivo e The Lake, la RKO la fece recitare in Amore tzigano (1934) di Richard Wallace, tratto da un romanzo vittoriano di J. M. Barrie, nel tentativo di ripetere il successo di Piccole donne, ma il film fu un flop. Il dramma romantico Quando si ama (1935), con Charles Boyer, ebbe recensioni mediocri e fu un fallimento commerciale. Dopo tre film da dimenticare, la Hepburn tornò al successo con Primo amore (1935) di George Stevens, la storia di una ragazza alla ricerca di affermazione sociale. La Hepburn amava il libro e fu ben felice del ruolo. Il film, tra i favoriti dell'attrice, fu un successo e le valse la seconda candidatura agli Oscar. Ricevette il secondo maggior numero di voti dopo la vincitrice Bette Davis. In seguito l'attrice recitò in un nuovo progetto di George Cukor, Il diavolo è femmina (1935), in cui lavorò per la prima volta in coppia con Cary Grant. Le furono tagliati corti i capelli poiché il suo personaggio si mascherava come un ragazzo per gran parte del film. La pellicola non piacque alla critica né al pubblico e lei la definì «un fiasco completo». Interpretò Maria Stuart nel film Maria di Scozia (1936) di John Ford, nonostante non fosse interessata al personaggio: «Non mi aveva mai interessato [...], la ritenevo fondamentalmente un'oca. Avrei preferito fare un film su Elisabetta». Il film si rivelò un fiasco al botteghino, anche perché il regista, non convinto del soggetto, se ne disinteressò. Tuttavia la Hepburn ricorda nella sua autobiografia che fece il suo esordio alla regia, dirigendo una piccola parte del film. Seguì Una donna si ribella (1936) di Mark Sandrich, un dramma vittoriano in cui il personaggio della Hepburn sfidava le convenzioni sociali avendo un figlio fuori dal matrimonio: «un'antesignana del femminismo [...], che la Hepburn avrebbe interpretato per onorare le idee della propria madre» scrive Paolo Mereghetti. Anche la successiva commedia Dolce inganno (1937) di George Stevens non ebbe successo, il che significava che aveva recitato in quattro film rivelatisi un flop dopo l'altro. Ai problemi dati da una serie di film impopolari, si aggiunse l'atteggiamento della Hepburn. Ebbe un rapporto difficile con la stampa, con la quale a volte era rude e provocatoria. Si divertiva a spiazzare ammiratori e giornalisti con risposte apparentemente senza senso, che avevano il solo scopo di mettere alla berlina la curiosità di conoscere i particolari della vita privata dei personaggi pubblici. Non rilasciava interviste e si negava alle richieste di autografi, il che le valse il soprannome di "Katharine l'arrogante". Il pubblico rimaneva sconcertato dal suo comportamento e dal suo eccentrico modo di vestire, che la rendevano ulteriormente impopolare. Sentendo il bisogno di lasciare Hollywood, tornò sull'East Coast a recitare in un adattamento teatrale di Jane Eyre. Malgrado il successo della tournée e incerta sulla sceneggiatura, non volle rischiare il fallimento dopo il disastro di The Lake e decise di non prendere parte allo spettacolo a Broadway. Verso la fine del 1936, fu una delle molte attrici che ambirono al ruolo di Rossella O'Hara in Via col vento, ma il produttore David O. Selznick si rifiutò di offrirle la parte, perché disse che non aveva sex appeal e perché non riusciva a vedere lei e Rhett Butler inseguirsi per dodici anni. Nel 1937 apparve accanto a Ginger Rogers in Palcoscenico di Gregory La Cava, in un ruolo che rispecchiava la sua vita, quella di una ragazza dell'alta società con l'intenzione di diventare attrice. La Hepburn fu elogiata per la sua interpretazione nel film, che fu candidato come miglior film ai premi Oscar 1938, ma che non fu il successo al botteghino che la RKO aveva sperato. Gli esperti del settore incolparono la Hepburn per il basso profitto, ma lo studio continuò a impegnarsi per far risorgere la sua popolarità. Fu rilanciata nella screwball comedy Susanna! di Howard Hawks, insieme con Cary Grant e un famoso leopardo addomesticato. La Hepburn si impegnò molto e si fece consigliare sui tempi comici dalla sua costar Walter Catlett. Il film fu acclamato dalla critica, ma risultò comunque infruttuoso al botteghino. Visto che sia il genere di film sia Grant erano molto popolari in quel momento, il biografo A. Scott Berg ritiene che la colpa del flop fosse il rifiuto degli spettatori per l'attrice. Dopo l'uscita di Susanna!, la Hepburn fu inclusa in un elenco di attori considerati "Veleno per il botteghino". La sua reputazione era al ribasso e quando l'attrice si vide proporre dalla RKO un B-movie di scarse prospettive, rifiutò il ruolo, scegliendo invece di riscattare il proprio contratto per 75.000 dollari. Molti attori avevano paura di lasciare la stabilità dello studio system ma, data la sua ricchezza personale, la Hepburn poteva permettersi di essere indipendente. Nel 1938 girò Incantesimo, prodotto dalla Columbia Pictures, per la terza volta al fianco di Cary Grant. La commedia fu ben accolta dalla critica, ma non riuscì a richiamare molto pubblico. Per la sceneggiatura successiva, la Hepburn si vide offrire un compenso di 10.000 dollari, meno di quanto avesse ricevuto all'inizio della sua carriera cinematografica. Riflettendo su questo cambiamento di sorte, Andrew Britton scrive di lei: «Nessun'altra stella è emersa con maggiore rapidità o con acclamazione più estatica. Nessun'altra stella è diventata così impopolare in maniera così rapida per tanto tempo». La rinascita A seguito del declino della sua carriera cinematografica, la Hepburn tentò nuove occasioni di rilancio. Lasciò Hollywood per cercare un progetto teatrale e firmò per recitare nella nuova commedia di Philip Barry, Scandalo a Filadelfia. Nello spettacolo interpretava il personaggio della capricciosa ereditiera Tracy Lord, una miscela di umorismo, aggressività, nervosismo e vulnerabilità. Howard Hughes, l'eccentrico ed introverso miliardario partner della Hepburn all'epoca, intuendo che la commedia potesse essere per lei il biglietto di ritorno fra le stelle di Hollywood, le comprò i diritti cinematografici prima ancora dell'esordio sul palcoscenico. La prima tournée di Scandalo a Filadelfia negli Stati Uniti ebbe recensioni positive, e così anche alla rappresentazione del teatro Shubert di New York, il 29 marzo 1939. Fu un grande successo sia a livello critico sia finanziariamente, che proseguì anche con una seconda tournée. Molte delle più importanti case di produzione avvicinarono la Hepburn per produrre la versione cinematografica della commedia di Barry. Alla fine lei scelse di vendere i diritti alla Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) a varie condizioni: interpretare la protagonista, affidare la regia a George Cukor e scegliere i coprotagonisti. Poiché Clark Gable e Spencer Tracy erano entrambi non disponibili, Louis B. Mayer le promise James Stewart e per chiunque altro avesse voluto. L'attrice scelse il suo amico Cary Grant. Berg, biografo della Hepburn, descrive come il personaggio di Tracy sia stato realizzato perché il pubblico «ridesse di lei, ma che in ultima analisi, simpatizzasse con lei» e che la Hepburn sentì fondamentale per "ricreare" la sua immagine pubblica. Scandalo a Filadelfia fu uno dei più grandi successi del 1940 e cambiò l'atteggiamento del pubblico nei confronti della Hepburn, decretandone il successo per gli anni a venire. Le recensioni dell'epoca dichiararono: «Torniamo indietro Katie, tutto è perdonato», il Variety: «È il film di Katharine Hepburn [...] la storia senza di lei è quasi inconcepibile». La Hepburn fu candidata al terzo premio Oscar alla miglior attrice e vinse il New York Film Critics Circle Award alla miglior attrice protagonista. Al film che seguì, La donna del giorno (1942) di George Stevens, è legato l'episodio che segnò una svolta nella vita sentimentale della Hepburn. Un anno prima il regista e produttore Joseph L. Mankiewicz le aveva presentato l'attore Spencer Tracy, che avrebbe dovuto recitare con lei sul set; l'attrice, che quel giorno indossava tacchi alti, lo salutò dicendogli: «Temo di essere troppo alta per lei, signor Tracy...». Mankiewicz intervenne dicendo: «Non preoccuparti, ti accorcia lui». Fu l'inizio di una lunga relazione professionale e personale: essi duettarono (e spesso duellarono) sia sulla scena sia nella vita fino al 1967, anno della morte di lui. Un connubio singolare, la Hepburn atea dichiarata e Tracy che, nonostante tale relazione, non divorziò mai dalla legittima consorte perché cattolico. Nel 2003, come epitaffio, il Daily Telegraph scrisse: «Katharine e Spencer erano tanto più seducenti quanto più le loro schermaglie verbali erano affilate. Difficile dire se essi trovassero più soddisfazione l'una nell'altro o nella battaglia». Comunque sia, la coppia non convisse mai e condusse vita discreta, perché il pubblico non avrebbe apprezzato una relazione extraconiugale da parte di Tracy, che era sposato ed aveva un figlio affetto dalla sindrome di Usher. Furono nove i film in cui i due apparvero insieme, tra cui La costola di Adamo e Indovina chi viene a cena?, l'ultimo film di Spencer Tracy. Spencer Tracy non fu l'unico personaggio pubblico con il quale Katharine Hepburn ebbe una relazione. Degli anni trenta è una difficile storia con il miliardario e aspirante aviatore Howard Hughes, la cui vita (e la cui relazione sentimentale con l'attrice) sarebbero state messe in scena nel film The Aviator (2004); qui viene interpretata da Cate Blanchett che per il ruolo ha ricevuto un Oscar alla miglior attrice non protagonista. Ebbe anche una breve storia con John Ford, benché tutti siano concordi nell'affermare che l'unica vera storia d'amore sia stata quella con lo stesso Tracy. Gli anni cinquanta Gli anni cinquanta videro Katharine Hepburn cimentarsi in una serie di sfide professionali, a un'età in cui la maggior parte delle altre attrici cominciava a ritirarsi. Il biografo dell'attrice Scott A. Berg definisce il decennio come «il cuore del suo vasto patrimonio» e il periodo in cui si mise veramente in luce. Nel gennaio del 1950, si avventurò nell'interpretazione di ruoli shakespeariani, portando sulle scene la Rosalinda da Come vi piace. Sperava di dimostrare che poteva interpretare anche ruoli di grande impegno e disse che era «meglio cercare qualcosa di difficile e di possibile insuccesso piuttosto che puntare sempre sul sicuro». Lo spettacolo andò in scena al Cort Theatre a New York e registrò un quasi tutto esaurito per 148 repliche e una successiva tournée. Le recensioni sulla Hepburn furono contrastanti, ma si fece notare come l'unica star hollywoodiana in grado di recitare ruoli di grande impegno sul palcoscenico. Un'altra celebre interpretazione fu quella di Rose Sayer in La regina d'Africa di John Huston, suo primo film a colori: suo partner sul set fu Humphrey Bogart, nella parte di un capitano tanto coraggioso quanto alcolista, che viene convinto da una missionaria ed attempata zitella (la Hepburn), ad affondare con la sua modesta barca una nave ammiraglia tedesca nelle acque di un lago africano nel 1914. Le riprese del film furono molto laboriose e costellate di problemi, tanto che la Hepburn (come numerosi altri componenti della troupe) si ammalò di dissenteria sul set africano, inconveniente che la svuotò di energie per mesi: in realtà, e a dispetto del fatto di essere la figlia di un urologo, l'attrice aveva bevuto acqua del posto (nonostante le scorte giungessero in bottiglie sigillate); gli unici a restare indenni furono gli stessi Bogart e Huston, entrambi forti bevitori di alcolici. A questo episodio, e all'intera avventurosa lavorazione del film, l'attrice nel 1984 dedicò un libro intitolato La regina d'Africa: ovvero come sono finita in Africa con Bogart, Bacall e Huston e per poco non ho perso la ragione, il cui successo fece di lei un'autrice di best seller a 77 anni. Distribuito alla fine del 1951, il film fu un grande successo di pubblico e di critica e fece guadagnare alla Hepburn la sua quinta candidatura come miglior attrice protagonista ai premi Oscar 1952. Fu il suo primo film di successo ottenuto senza essere affiancata da Spencer Tracy come coprotagonista sin dai tempi di Scandalo a Filadelfia, e ciò dimostrò che poteva gestire anche da sola la propria popolarità. Di nuovo al fianco di Tracy, la Hepburn recitò poi nella briosa commedia a sfondo sportivo Lui e lei (1952) di George Cukor, scritta appositamente per la coppia da Garson Kanin e Ruth Gordon: entrambi descrissero l'amore per gli sport che la Hepburn mostrava con orgoglio sin dagli anni della prima giovinezza e ne fecero la loro primaria ispirazione per il film, nel quale apparvero brevemente anche veri campioni sportivi dell'epoca; si trattò di uno dei film più popolari e acclamati della coppia Kanin/Gordon, e anche il preferito della Hepburn tra i nove girati insieme a Tracy. La sua performance le fece ottenere una candidatura al Golden Globe per la migliore attrice in un film commedia o musicale. Nell'estate del 1952 la Hepburn apparve al West End di Londra per lo spettacolo La miliardaria di George Bernard Shaw, che rimase in replica per dieci settimane. I suoi genitori le avevano letto Shaw da bambina, il che rese quella occasione in teatro un'esperienza speciale per l'attrice. Due anni di intenso lavoro l'avevano lasciata esausta, tanto che l'amica Constance Collier scrisse che la Hepburn era «su sull'orlo di una crisi di nervi». Apprezzata, La miliardaria fu portata a Broadway. Nel mese di ottobre di quello stesso anno fu messa in scena al Teatro Shubert, dove nonostante una risposta critica tiepida, lo spettacolo fu sold out per dieci settimane. L'attrice successivamente cercò di ottenere l'adattamento cinematografico del testo teatrale: il copione venne scritto da Preston Sturges e lei stessa si offrì di pagare un regista e di lavorare senza compenso, ma nessuno studio di produzione approvò allora il progetto, anche se nel 1960 ne venne tratto un film diretto da Anthony Asquith e interpretato da Sophia Loren. In seguito l'attrice indicò questa come la più grande delusione della sua carriera. Lui e lei fu l'ultimo film previsto dal contratto della Hepburn con la MGM, rendendola libera di scegliere i propri progetti. Trascorse due anni a riposarsi e a viaggiare, per poi impegnarsi nel film romantico Tempo d'estate (1955) di David Lean. Girato a Venezia, e con la partecipazione anche di Isa Miranda, racconta la fugace storia d'amore tra una zitella statunitense di provincia, interpretata appunto dalla Hepburn, e un fascinoso ma già sposato antiquario italiano interpretato da Rossano Brazzi. L'attrice disse che lavorare con Lean era stata «un'esperienza affascinante». Su sua insistenza, la Hepburn eseguì una scena in cui doveva cadere in un canale e in seguito a ciò sviluppò un'infezione cronica agli occhi. Il ruolo le fece guadagnare un'altra candidatura agli Oscar ed è citato come uno dei suoi migliori lavori sia per la critica sia soprattutto per il pubblico. David Lean in seguito disse che quello era il preferito tra i film che aveva girato e che la Hepburn era la sua attrice preferita. L'anno seguente la Hepburn trascorse sei mesi in tour in Australia con la compagnia teatrale Old Vic, interpretando Porzia in Il mercante di Venezia, Caterina ne La bisbetica domata, e Isabella ne Misura per misura. Il tour ebbe successo e l'attrice fu applaudita per il suo lavoro. La Hepburn ricevette un'altra candidatura all'Oscar, per il secondo anno consecutivo, per Il mago della pioggia (1956) di Joseph Anthony, interpretando un ruolo già portato in teatro nel 1953 dalla più giovane Geraldine Page. Anche in questo caso interpretò una romantica zitella che grazie al vibrante personaggio interpretato da Burt Lancaster riscopre l'amore. In quegli anni l'attrice dimostrò una particolare bravura nelle interpretazioni di "zitelle alla ricerca d'amore", apprezzate da pubblico e critica, e affermò che "[nei ruoli di] Lizzie Curry [de Il mago della pioggia], Jane Hudson [di Tempo d'estate] e Rosie Sayer [de La regina d'Africa] Interpretavo me stessa. Non è stato difficile per me impersonare queste donne, perché sono la zia nubile". Il successivo film La sottana di ferro (1957) di Ralph Thomas, con Bob Hope, una rielaborazione della commedia Ninotchka, fu invece un passo falso. La Hepburn interpretò la parte di un pilota sovietico dal cuore di ghiaccio, una performance che Bosley Crowther definì «orribile». Fu un fallimento commerciale e di critica e la Hepburn lo considerò il peggior film sul suo curriculum. Tracy e la Hepburn tornarono insieme sullo schermo per la commedia La segretaria quasi privata (1957) di Walter Lang, ove vennero affiancati da Joan Blondell, Dina Merrill e Neva Patterson. In quella occasione Berg fece notare che il film era come un ibrido tra i loro precedenti successi delle commedia sentimentali e il nuovo personaggio da zitella interpretato dall'attrice, ma si trattò di un insuccesso al botteghino. Quell'estate la Hepburn tornò a recitare Shakespeare a Stratford, nel Connecticut, all'American Shakespeare Theatre, dove reinterpretò Porzia ne Il mercante di Venezia e portò sulle scene Beatrice di Molto rumore per nulla. Gli spettacoli furono accolti positivamente. Gli anni sessanta Dopo due anni di lontananza dagli schermi, la Hepburn recitò nell'adattamento cinematografico del controverso e particolarmente audace, per l'epoca, dramma teatrale di Tennessee Williams Improvvisamente l'estate scorsa (1959) di Joseph L. Mankiewicz, con Elizabeth Taylor e Montgomery Clift. Il film fu girato a Londra e fu giudicato una «esperienza completamente infelice» per la Hepburn. Si scontrò varie volte con il regista durante le riprese, anche per il modo giudicato irrispettoso con cui veniva trattato Clift, e il tutto culminò con un suo sputo in faccia all'uomo. Il film fu tuttavia un ennesimo successo e la sua interpretazione della raccapricciante zia Violet Venable le procurò la sua ottava candidatura all'Oscar. Williams era molto soddisfatto della prestazione dell'attrice: «Kate è l'attrice da sogno di un drammaturgo» ammirando come riuscisse a rendere al meglio i dialoghi. Il drammaturgo scrisse per lei anche la piece teatrale La notte dell'iguana, ma l'attrice, sia pure lusingata, sentì di essere fuori parte e la rifiutò (il ruolo fu poi interpretato per alcuni mesi nel 1961 da Bette Davis e nel 1964 al cinema da Ava Gardner). La Hepburn tornò a Stratford nell'estate del 1960 per interpretare Viola ne La dodicesima notte e Cleopatra in Antonio e Cleopatra. Il New York Post della sua Cleopatra disse che «[la] Hepburn offre una prestazione altamente versatile [...] per i suoi famosi manierismi sempre affascinanti da guardare». La stessa Hepburn era orgogliosa del ruolo. Il suo già notevole repertorio migliorò ulteriormente quando apparve in Il lungo viaggio verso la notte (1962) di Sidney Lumet, trasposizione sul grande schermo della omonima piece di Eugene O'Neill. Fu una produzione a basso budget e l'attrice, pur di parteciparvi, si accontentò di un decimo del compenso stabilito, tuttavia lo definì «una commedia molto bella e il personaggio della madre è tracciato con una tale sensibilità che interpretarlo è veramente una cosa che ispira. [...] Bastava riflettere, concentrarsi e leggere le battute». Pensò pure che la sua performance nel film fosse la migliore della sua carriera. Per questa interpretazione guadagnò un'altra candidatura agli Oscar e vinse il Prix d'interprétation féminine al 15o Festival di Cannes; lo stesso premio, per la categoria maschile, venne assegnato anche ai suoi comprimari Ralph Richardson, Jason Robards e Dean Stockwell, caso fino ad allora unico nella storia del Festival. Dopo il film di Lumet del 1962, che pur amato dalla critica circolò poco nelle sale, la Hepburn si concesse una consistente pausa dalla carriera e dalle apparizioni in pubblico per prendersi cura di Spencer Tracy, ragione per cui, tra l'altro, non prese parte al film La nave dei folli (1965) di Stanley Kramer, in un ruolo poi assegnato a Vivien Leigh. Infatti non lavorò più fino all'inizio del 1967, quando iniziarono le riprese di Indovina chi viene a cena? di Stanley Kramer, il suo nono film con Tracy. La pellicola, piuttosto audace per l'epoca e molto attesa alla sua uscita, tratta con toni semi-brillanti il tema dell'integrazione razziale e dei matrimoni "misti", e nell'occasione la Hepburn impersonò il ruolo dell'energica madre di Katharine Houghton, della quale, nella vita reale, era la zia. In quel periodo Tracy, già piuttosto anziano, era gravemente malato di cuore, e la Houghton ricordò in seguito che la zia era «estremamente tesa» durante la lavorazione del film: Tracy infatti morì di infarto nel giugno di quell'anno, 17 giorni dopo la ripresa della sua ultima scena. Il film segnò il trionfale ritorno sulle scene per la Hepburn e un nuovo grande successo anche per la sua immagine pubblica. Per questa interpretazione vinse il suo secondo premio Oscar alla miglior attrice, 34 anni dopo il primo. L'attrice ha sempre pensato che quella vittoria le sia stata attribuita anche per onorare la memoria di Tracy. Con sorpresa di molti, l'attrice tornò presto a recitare dopo la morte di Tracy. Ricevette numerose sceneggiature giudicate interessanti, ma scelse di interpretare la regina Eleonora d'Aquitania in Il leone d'inverno (1968) di Anthony Harvey, un ruolo che definì «affascinante» e per il quale si documentò molto per la preparazione del personaggio, vissuto nel XII secolo. Le riprese ebbero luogo presso l'Abbazia di Montmajour nella Francia meridionale, e l'attrice apprezzò l'esperienza al fianco del più giovane collega britannico Peter O'Toole, recatosi di persona in volo a Los Angeles per proporle il film e convincerla a parteciparvi. Entusiasta dell'attrice, con cui avrebbe lavorato ancora nel 1984, il regista disse al termine delle riprese che girare un film con lei era "come andare a Parigi a 18 anni e trovarvi esattamente tutto quello che si era immaginato prima". John Russell Taylor su The Times scrisse che la parte di Eleonora era «la performance della sua carriera» e che aveva dimostrato che era tuttora in «crescita» e «[un']attrice ancora sorprendente». Il film fu candidato in tutte le principali categorie ai Premi Oscar 1969, e per il secondo anno consecutivo la Hepburn vinse l'Oscar per la migliore attrice (ex aequo con Barbra Streisand per Funny Girl). Per questa interpretazione, in combinazione con la sua performance in Indovina chi viene a cena?, ricevette anche il primo premio BAFTA alla migliore attrice protagonista da parte della British Film Academy. La sua successiva apparizione fu in La pazza di Chaillot (1969) di Bryan Forbes, che venne girato a Nizza subito dopo la fine delle riprese della pellicola di Harvey, e inizialmente con la regia di John Huston, ma fu accolto freddamente tanto dal pubblico quanto dalla critica, che definì il film troppo bizzarro e la Hepburn sostanzialmente fuori parte. Dal dicembre 1969 all'agosto 1970 la Hepburn recitò nel musical di Broadway Coco, basato sulla vita di Coco Chanel. Ammise che prima di partecipare allo spettacolo non era mai andata a vedere un musical teatrale. Non essendo una grande cantante, prese lezioni di canto sei volte a settimana. Era nervosa ad ogni esibizione e ricordò di essersi domandata spesso "cosa diavolo ci facessi lì." Le recensioni furono mediocri, ma la sua interpretazione venne elogiata e lo spettacolo risultò popolare. In seguito riferì che con Coco le sembrò per la prima volta che il pubblico non fosse contro di lei, ma che in realtà sembrava amarla. Per questo lavoro venne candidata a un Tony Award alla miglior attrice protagonista in un musical. Gli ultimi anni Negli anni settanta prese parte al western Torna "El Grinta" (1975) di Stuart Millar, nel ruolo di una missionaria quacchera che riesce a ingentilire l'anziano e rude cowboy interpretato da John Wayne. Di quel periodo rimarchevoli furono anche le sue partecipazioni ai film Le troiane (1971) di Michael Cacoyannis, per il quale vinse il premio come migliore attrice del Kansas City Film Critics Circle Awards, e Un equilibrio delicato (1973) di Tony Richardson. Nel 1972 avrebbe dovuto recitare nel film In viaggio con la zia di George Cukor, ma il suo ruolo venne poi assegnato a Maggie Smith. Nel 1976 vinse un Premio Emmy come miglior attrice protagonista per il film televisivo Amore tra le rovine di George Cukor, interpretato insieme a Sir Laurence Olivier. Ottima la sua prova, diretta ancora da Cukor, anche nel film televisivo Il grano è verde (1979), ove ripropose un personaggio reso celebre sul grande schermo nel 1945 da Bette Davis, e per il quale ottenne una ennesima candidatura Premio Emmy per la miglior attrice. Malgrado le numerose candidature e il record di premiazioni, Katharine Hepburn apparve per la prima volta alla cerimonia degli Academy Awards solo nel 1974, quando era già stata candidata undici volte e premiata tre: si presentò con giacca da camera, pantaloni e dolcevita in segno di protesta contro la falsità di superficie dell'Academy, fu accolta da una standing ovation da parte del pubblico e consegnò il Premio alla memoria Irving G. Thalberg al produttore Lawrence Weingarten. Non avrebbe mai più partecipato alla cerimonia. Durante un periodo di riposo durato due anni l'attrice vide uno spettacolo a Broadway intitolato Sul lago dorato, tratto da un soggetto di Ernest Thompson, e rimase colpita dalla raffigurazione di una coppia di coniugi anziani che deve far fronte alle difficoltà della vecchiaia. Jane Fonda aveva acquistato i diritti cinematografici per suo padre, l'attore Henry Fonda, e la Hepburn cercò di ottenere il ruolo della coprotagonista, l'eccentrica Ethel Thayer. Sul lago dorato (1981) di Mark Rydell fu un successo commerciale, il secondo film campione di incassi del 1981. Il film le fece vincere un secondo premio BAFTA e il quarto Oscar alla miglior attrice, facendola diventare l'attrice più premiata dall'Academy. Homer Dickens, nel suo libro sulla Hepburn, fa notare che venne ampiamente considerato una vittoria sentimentale: «un omaggio alla sua carriera duratura». Nel 1984, diretta per la seconda volta da Anthony Harvey, recitò accanto a Nick Nolte nel film Agenzia omicidi. La sua ultima apparizione al cinema, in un ruolo non più da protagonista, fu nel 1994 in Love Affair - Un grande amore di Glenn Gordon Caron. Sempre attiva nel sociale, Katharine Hepburn sostenne molte battaglie civili, principalmente quella sulla pianificazione familiare. Nel 1985 ricevette l'Humanist Arts Award dalle mani del suo amico, e presidente onorario dell'Associazione Umanista Americana, il filantropo Corliss Lamont. Vita privata Oltre al collega e compagno di una vita Spencer Tracy, la Hepburn ebbe anche relazioni sentimentali con Leland Hayward, Howard Hughes e John Ford. Margaret "Peg" Perry è stata l'ultima sorella di Katharine, morta il 13 febbraio 2006, all'età di 85 anni: lavorò come bibliotecaria a Canton, Connecticut. Robert Hepburn, l'ultimo fratello di Katharine, è morto il 26 novembre 2007: medico come il padre, il dottor Thomas Hepburn, fu a capo del dipartimento di urologia all'Hartford Hospital per più di 30 anni. La Hepburn affermò che, pur condividendo i principi cristiani, non credeva nella religione o nell'aldilà. Il nonno paterno, Sewell Snowden Hepburn, era un pastore episcopale, ma sul tema della religione l'attrice dichiarò a un giornalista nell'ottobre del 1991: La Hepburn iniziò ad avere successo proprio in un periodo in cui, con gli uomini partiti per la guerra, nei primi anni ’40, le donne iniziavano ad avere un ruolo più incisivo nella società americana. E lei, con la sua personalità così spiccata e la sua ironia, non poté che esserne un esempio lampante. Nel tempo libero usava indossare pantaloni palazzo a vita alta e camicie da uomo.“Ciò che le donne indossano oggi è stato incommensurabilmente influenzato dalla forza della personalità di Katharine Hepburn e dall’insistenza nell’indossare ciò che voleva“, disse Jean Druesedow, direttrice del Kent State University Museum. “Quel suo precorrere i tempi, indossando spesso e volentieri i pantaloni (ed anche l’allestimento esalta questo suo modo di essere, presentando in maniera ironica e inusuale questi indumenti), e non perdendo nulla in femminilità, ma anzi imponendo una nuova visione anche di questo termine, che sapesse unire e tradurre, anche nel vestire, una sensualità che partisse dalla testa. E tutto ciò si riflette nel modo di vestire, sia nella vita privata, sia in scena dove, pur in situazioni più tradizionali, anche a livello di costumi, si avverte una sua influenza, fosse anche solo nel modo di indossare questi abiti. Vestiti ai quali la Hepburn, dunque, con il suo stile conferiva sempre qualcosa di particolare”. Il suo anticonformismo e la sua modernità di pensiero si infransero soltanto di fronte al tabù dell’epoca. Fra la carriera e i figli, lei scelse la carriera: «Sarei stata una madre terribile, sono troppo egoista». Morte Morì il 29 giugno 2003 all'età di 96 anni, a Old Saybrook, nella casa di famiglia. Nel rispetto delle sue volontà non ricevette funerali religiosi. In suo onore vennero però oscurate per un'ora tutte le luci di Broadway, a ricordo della sua intensa attività teatrale. Venne sepolta nel Cedar Hill Cemetery ad Hartford, sua città natale. Nel 2004, come indicato nel suo testamento, i suoi effetti personali vennero messi all'asta da Sotheby's a New York. Tra di essi, fotografie e un busto di Spencer Tracy, da lei personalmente scolpito, e alcuni dipinti a olio. Il ricavato della vendita, diversi milioni di dollari, fu devoluto a parenti e amici. Eredità Per onorare la Hepburn, è stato costruito un teatro a Old Saybrook, in Connecticut (dove Katharine Hepburn visse e morì). Nell'ottobre 2007, la città ricevette un assegno di dollari da parte della Commissione del Connecticut per la cultura e il turismo, per il restauro di questo teatro, per un totale di un milione di dollari ricevuto in sovvenzioni per il progetto. Durante la primavera del 2009, il Katharine Hepburn Cultural Arts Center e il teatro sono stati aperti. L'8 e il 9 settembre 2006, il Bryn Mawr College e l'Alma Mater Hepburn hanno aperto lo Houghton Katharine Hepburn Center, dedicato sia all'attrice che a sua madre. Alla celebrazione d'apertura erano presenti Lauren Bacall e Blythe Danner. Katharine Hepburn prestò il suo nome ad alcune cause politiche e sociali, in particolare per la pianificazione familiare. Nel 1985 ricevette il "Premio Arte Umanista della Humanist Association", presentato dal suo amico Corliss Lamont. Per celebrare il 100o anniversario della sua nascita, nel maggio 2007, il canale via cavo Turner Classic Movies ha dedicato una settimana di trasmissioni serali ai suoi film e ai documentari sulla sua vita. Filmografia Cinema Febbre di vivere (A Bill of Divorcement), regia di George Cukor (1932) La falena d'argento (Christopher Strong), regia di Dorothy Arzner (1933) La gloria del mattino (Morning Glory), regia di Lowell Sherman (1933) Piccole donne (Little Women), regia di George Cukor (1933) Argento vivo (Spitfire), regia di John Cromwell (1934) Amore tzigano (The Little Minister), regia di Richard Wallace (1934) Quando si ama (Break of Hearts), regia di Philip Moeller (1935) Primo amore (Alice Adams), regia di George Stevens (1935) Il diavolo è femmina (Sylvia Scarlett), regia di George Cukor (1935) Maria di Scozia (Mary of Scotland), regia di John Ford (1936) Una donna si ribella (A Woman Rebels), regia di Mark Sandrich (1936) Dolce inganno (Quality Street), regia di George Stevens (1937) Palcoscenico (Stage Door), regia di Gregory La Cava (1937) Susanna! (Bringing Up Baby), regia di Howard Hawks (1938) Incantesimo (Holiday), regia di George Cukor (1938) Scandalo a Filadelfia (The Philadelphia Story), regia di George Cukor (1940) La donna del giorno (Woman of the Year) regia di George Stevens (1942) Prigioniera di un segreto (Keeper of the Flame), regia di George Cukor (1943) La taverna delle stelle (Stage Door Canteen), regia di Frank Borzage (1943) La stirpe del drago (Dragon Seed), regia di Harold Bucquet e Jack Conway (1944) Senza amore (Without Love), regia di Harold S. Bucquet (1945) Tragico segreto (Undercurrent), regia di Vincente Minnelli (1946) Il mare d'erba (The Sea of Grass), regia di Elia Kazan (1947) Canto d'amore (Song of Love), regia di Clarence Brown (1947) Lo stato dell'Unione (State of the Union), regia di Frank Capra (1948) La costola di Adamo (Adam's Rib), regia di George Cukor (1949) La regina d'Africa (The African Queen), regia di John Huston (1951) Lui e lei (Pat and Mike), regia di George Cukor (1952) Tempo d'estate (Summertime), regia di David Lean (1955) Il mago della pioggia (The Rainmaker), regia di Anthony Mann (1956) La sottana di ferro (The Iron Petticoat), regia di Ralph Thomas (1956) La segretaria quasi privata (Desk Set), regia di Walter Lang (1957) Improvvisamente l'estate scorsa (Suddenly Last Summer), regia di Joseph L. Mankiewicz (1959) Il lungo viaggio verso la notte (A Long Day's Journey into Night), regia di Sidney Lumet (1962) Indovina chi viene a cena? (Guess Who's Coming to Dinner), regia di Stanley Kramer (1967) Il leone d'inverno (The Lion in Winter), regia di Anthony Harvey (1968) La pazza di Chaillot (The Madwoman of Chaillot), regia di Bryan Forbes e John Huston (1969) Le troiane (The Trojan Women), regia di Michael Cacoyannis (1971) Un equilibrio delicato (A Delicate Balance), regia di Tony Richardson (1973) Torna "El Grinta" (Rooster Cogburn), regia di Stuart Millar (1975) Olly, Olly, Oxen Free, regia di Richard Colla (1978) Sul lago dorato (On Golden Pond), regia di Mark Rydell (1981) Agenzia omicidi (The Ultimate Solution of Grace Quigley), regia di Anthony Harvey (1985) Love Affair - Un grande amore (Love Affair), regia di Glenn Gordon Caron (1994) Televisione Lo zoo di vetro (The Glass Menagerie), regia di Anthony Harvey – film TV (1973) Amore tra le rovine (Love Among Ruins), regia di George Cukor – film TV (1975) Il grano è verde (The Corn Is Green), regia di George Cukor – film TV (1979) Soli contro tutti (Mrs. Delafield Wants to Marry), regia di George Schaefer – film TV (1986) Laura Lansing ha dormito qui (Laura Lansing Slept Here), regia di George Schaefer – film TV (1988) L'evaso e la signora (The Man Upstairs), regia di George Schaefer – film TV (1992) Un amore senza età (This Can't Be Love), regia di Anthony Harvey – film TV (1994) Fiocchi di neve per Buddy (One Christmas), regia di Tony Bill – film TV (1994) Teatro The Czarina, di Edward Sheldon (1928) The Cradle Snatchers, di Russell G. Medcraft e Norma Mitchell (1928) The Big Pond, di George Middleton and A. E. Thomas, regia di Edwin H. Knopf (1928) Night Hostess, di Philip Dunning, regia di Winchell Smith (1928) These Days, di Kate Clugston, regia di Arthur Hopkins (1928) Holiday, di Philip Barry, regia di Arthur Hopkins (1929) Un mese in campagna, di Ivan Turgenev, regia di Rouben Mamoulian (1930) A Romantic Young Lady, di Gregorio Martínez Sierra (1930) The Admirable Crichton di J. M. Barrie (1930) Art and Mrs. Bottle, di Benn Wolfe Levy, regia di Clifford Brooke (1930) It's a Wise Child, di Laurence E. Johnson (1931) Alias the Deacon, di John B. Hymer e Leroy Clemens (1931) The Cat and the Canary, di John Willard (1931) Let Us Be Gay, di Rachel Crothers (1931) The Man Who Came Back, di John Fleming Wilson (1931) The Warrior's Husband, di Julian F. Thompson, regia di Burk Symon (1932) The Bride the Sun Shines on, di Will Cotton (1932) The Lake, di Dorothy Massingham e Murray MacDonald, regia di Jed Harris (1933) Jane Eyre, di Helen Jerome, regia di Worthington Miner (1936) The Philadelphia Story, di Philip Barry, regia di Robert B. Sinclair (1939) Without Love, di Philip Barry, regia di Robert B. Sinclair (1942) Come vi piace, di William Shakespeare, regia di Michael Benthall 1950) La miliardaria, di George Bernard Shaw, regia di Michael Benthall (1952) La bisbetica domata, di William Shakespeare, regia di Michael Benthall (1955) Misura per misura, di William Shakespeare, regia di Michael Benthall (1955) Il mercante di Venezia, di William Shakespeare, regia di Michael Benthall (1955) Molto rumore per nulla, di William Shakespeare, regia di John Houseman e Jack Landau (1957) La dodicesima notte, di William Shakespeare, regia di Jack Landau (1960) Antonio e Cleopatra, di William Shakespeare, regia di Jack Landau (1960) Coco, musical, regia di Michael Benthall (1969) A Matter of Gravity, di Enid Bagnold, regia di Noel Willman (1976) The West Side Waltz, di Ernest Thompson, regia di Noel Willman (1981) Riconoscimenti Premio Oscar 1934 – Miglior attrice per La gloria del mattino 1936 – Candidatura alla miglior attrice per Primo amore 1941 – Candidatura alla miglior attrice per Scandalo a Filadelfia 1943 – Candidatura alla miglior attrice per La donna del giorno 1952 – Candidatura alla miglior attrice per La regina d'Africa 1956 – Candidatura alla miglior attrice per Tempo d'estate 1957 – Candidatura alla miglior attrice per Il mago della pioggia 1960 – Candidatura alla miglior attrice per Improvvisamente l'estate scorsa 1963 – Candidatura alla miglior attrice per Il lungo viaggio verso la notte 1968 – Miglior attrice per Indovina chi viene a cena? 1969 – Miglior attrice per Il leone d'inverno 1982 – Miglior attrice per Sul lago dorato Golden Globe 1953 – Candidatura alla miglior attrice in un film commedia o musicale per Lui e lei 1957 – Candidatura alla miglior attrice in un film drammatico per Il mago della pioggia 1960 – Candidatura alla miglior attrice in un film drammatico per Improvvisamente l'estate scorsa 1963 – Candidatura alla miglior attrice in un film drammatico per Il lungo viaggio verso la notte 1968 – Candidatura alla miglior attrice in un film drammatico per Indovina chi viene a cena? 1969 – Candidatura alla miglior attrice in un film drammatico per Il leone d'inverno 1982 – Candidatura alla miglior attrice in un film drammatico per Sul lago dorato 1993 – Candidatura alla miglior attrice in una mini-serie o film per la televisione per L'evaso e la signora Screen Actors Guild Awards 1980: Premio alla Carriera 1995: Candidatura come Migliore attrice in una miniserie o film per la televisione per Fiocchi di neve per Buddy BAFTA 1953: Candidatura come Miglior attrice straniera per La regina d'Africa 1956: Candidatura come Miglior attrice straniera per Tempo d'estate 1958: Candidatura come Miglior attrice straniera per Il mago della pioggia 1969: Miglior attrice protagonista per Indovina chi viene a cena? e Il leone d'inverno 1983: Miglior attrice protagonista per Sul lago dorato David di Donatello 1968: Miglior attrice straniera per Indovina chi viene a cena? (ex aequo con Faye Dunaway) Emmy Award 1974: Candidatura come Miglior attrice protagonista in una serie tv drammatica per Lo zoo di vetro 1975: Miglior attrice protagonista in un programma speciale drammatico o commedia per Amore tra le rovine 1979: Candidatura come Miglior attrice protagonista in una miniserie o un programma speciale per Il grano è verde 1986: Candidatura come Miglior attrice protagonista in una miniserie o un programma speciale per Soli contro tutti 1986: Candidatura come Premio speciale per The Spencer Tracy Legacy: A Tribute by Katharine Hepburn 1993: Candidatura come Premio speciale per Katharine Hepburn: All About Me Tony Award 1970: Candidatura come Miglior attrice in un musical per Coco 1981: Candidatura come Miglior attrice protagonista in uno spettacolo per The West Side Waltz People's Choice Awards 1983: Attrice dell'anno (ex aequo con Jane Fonda) 1983: Attrice dell'anno American Comedy Awards 1989: Premio alla Carriera American Movie Awards 1982: Miglior attrice per Sul lago dorato Golden Apple Awards 1975: Star dell'anno 1981: Star dell'anno Hasty Pudding Theatricals Award 1958: Donna dell'anno Kansas City Film Critics Circle Awards 1973: Migliore attrice per Le troiane (ex aequo con Cicely Tyson) Laurel Awards 1960: Candidatura come Miglior performance drammatica femminile per Improvvisamente l'estate scorsa 1963: Candidatura come Miglior performance drammatica femminile per Il lungo viaggio verso la notte 1970: Miglior performance drammatica femminile per Il leone d'inverno 1970: Miglior star femminile 1971: Miglior star femminile Festival del cinema di Venezia 1934: Miglior interpretazione femminile per Piccole donne Altri riconoscimenti Hollywood Walk of Fame 1960: Cinema - 6284 Hollywood Boulevard Doppiatrici italiane Nelle versioni in italiano dei suoi film, Katharine Hepburn è stata doppiata da: Wanda Tettoni in Scandalo a Filadelfia, Prigioniera di un segreto, La stirpe del drago, Senza amore, Il mare d'erba, Canto d'amore, Lo stato dell'Unione, La costola di Adamo, Lui e lei, Love Affair - Un grande amore Anna Miserocchi in Il lungo viaggio verso la notte, Indovina chi viene a cena?, Il leone d'inverno, La pazza di Chaillot, Lo zoo di vetro, Agenzia omicidi Lydia Simoneschi in Maria di Scozia, Palcoscenico, Tempo d'estate, Il mago della pioggia Vittoria Febbi nei ridoppiaggi di Primo amore, Dolce inganno, La donna del giorno, La stirpe del drago Andreina Pagnani in Tragico segreto, La regina d'Africa, Improvvisamente l'estate scorsa Gianna Piaz in Un equilibrio delicato, Amore tra le rovine, Il grano è verde Rina Morelli in La sottana di ferro, La segretaria quasi privata Cinzia De Carolis nei ridoppiaggi di Piccole donne e Argento vivo Maria Pia Di Meo nei ridoppiaggi di Il diavolo è femmina e Susanna! Livia Giampalmo nei ridoppiaggi di Incantesimo e Scandalo a Filadelfia Lia Orlandini in Susanna! Lilla Brignone in Le troiane Rosalba Oletta in Torna "El Grinta" Isa Bellini in Sul lago dorato Alina Moradei in L'evaso e la signora Rossella Acerbo in Febbre di vivere (ridoppiaggio) Sonia Scotti ne La falena d'argento (ridoppiaggio) Aurora Cancian in Amore tzigano (ridoppiaggio) Roberta Greganti in Quando si ama (ridoppiaggio) Paola Mannoni ne Lo stato dell'Unione (ridoppiaggio) Onorificenze Note Bibliografia Bergan, Ronald. Katharine Hepburn: una leggenda americana. Gremese Editore, 1997. Hepburn, Katharine. Me: Stories of My Life. Ballantine Books, 1996. Higham, Charles. Kate: The Life of Katharine Hepburn. Norton, 2004. Edwards, Anne. Katharine Hepburn: A Remarkable Woman. Rowman & Littlefield, 2019. Diedwardo, Maryann Pasda. The Legacy of Katharine Hepburn: Fine Art As a Way of Life: A Memoir. AuthorHouse, 2008. Hepburn, Katharine. Io. Frassinelli, 2003. Altri progetti Collegamenti esterni Partecipazioni e premi al Festival di Cannes Attori teatrali statunitensi Attori televisivi statunitensi Cantanti da musical Coppa Volpi per la migliore interpretazione femminile David di Donatello per la migliore attrice straniera Personalità dell'ateismo nelle arti Premi BAFTA alla migliore attrice protagonista Primetime Emmy alla miglior attrice protagonista in una miniserie o film TV Prix d'interprétation féminine del Festival di Cannes


Corrono il lavaggio del ragazzo a frequentare di un servizio.


16Dove viene collocato il materiale da distruggere?


text: È noto per essere stato l'inventore della dinamite e l'ideatore e fondatore del premio Nobel. Biografia Origini e formazione Nel 1850 il giovane Alfred Nobel giunse a Parigi, dove frequentò i laboratori dello scienziato Théophile-Jules Pelouze e incontrò il professor Ascanio Sobrero, L'invenzione della dinamite Tornato in Europa, nel 1856, Nobel brevettò una serie di perfezionamenti per le bombe. Inventò un primo detonatore relativamente sicuro nel 1863, mentre due anni dopo inventò il primo tappo di sabbiatura. Purtroppo, il 3 settembre 1864, Emil, il fratello più giovane, perse la vita durante una grave esplosione nel capannone-laboratorio. Altri incidenti meno gravi con la nitroglicerina accaddero nei mesi successivi, finché Alfred, in uno stabilimento di Geesthacht, in Germania, riuscì a perfezionare l'uso della stessa, attraverso una polvere inerte composta da farina fossile e, in seguito, anche di semplice segatura compressa, rendendo quindi l'esplosivo più maneggevole, solido e stabile. Nacque così la dinamite, il cui brevetto però venne depositato soltanto agli inizi del 1867. L'invenzione gli consentì, in breve tempo, di aprire società e laboratori in una ventina di paesi esteri, fra cui uno dei più grandi stabilimenti proprio in Italia, presso la località Valloja di Avigliana, nelle vicinanze di Torino. Socio francese di Nobel e suo rappresentante in Francia fu l'abile imprenditore e politico francese Paul Barbe, assai più spregiudicato dell'inventore. Assommando la disponibilità dei suoi allora 360 brevetti industriali, Nobel diventò quindi un ricco imprenditore, acquistando anche la Saab Bofors Dynamics, una grande industria svedese, e riconoscendo una parte di paternità dell'invenzione della dinamite anche al collega chimico piemontese Sobrero, intestandogli un vitalizio. Dopo la morte del padre, Nobel continuò sia i suoi affari che i suoi esperimenti: nel 1875 inventò la gelignite, esplosivo gelatinoso ancor più stabile e potente della dinamite, e nel 1887 brevettò la balistite, base della futura cordite. L'istituzione del Premio Nobel Una consigliera critica sull'utilizzo della dinamite a scopo bellico fu la sua segretaria pacifista Bertha von Suttner. Nel 1888 il fratello di Alfred, Ludvig, morì mentre si trovava a Cannes. Per errore, un giornale francese pubblicò il necrologio della morte di Alfred, condannandolo aspramente per l'invenzione della dinamite. Il titolo del necrologio recitava Il mercante di morte è morto (Le marchand de la mort est mort), continuando poi: "Alfred Nobel, che divenne ricco trovando il modo di uccidere il maggior numero di persone nel modo più veloce possibile, è morto ieri". A seguito di questo episodio, Nobel avrebbe iniziato a preoccuparsi di come sarebbe stato ricordato dopo la sua morte e sarebbe quindi maturata la volontà di lasciare un'eredità migliore. Perciò, il 27 novembre 1895 sottoscrisse il suo famoso testamento, con il quale istituì quei riconoscimenti che sono diventati noti come premi Nobel. Il patrimonio stimato di Alfred Nobel si aggirava intorno ai trenta milioni di corone svedesi, corrispondente a circa 180 milioni di euro odierni. Gli ultimi anni e la morte Filantropo nella più classica delle accezioni, negli ultimi anni Alfred Nobel fu sinceramente tormentato in coscienza dalle possibili applicazioni belliche e distruttive delle sue scoperte. In tale contesto contraddittorio istituì quindi il premio Nobel, che rese immortale il suo nome, per stimolare con la premiazione la ricerca nei campi che illuminano e aiutano l'essere umano a vivere degnamente. Ebbe anche delle velleità letterarie: scrisse infatti un certo numero di poesie e drammi e pensò anche di dedicarsi esclusivamente a questa attività. Non si sposò mai; tuttavia, dal 1876 circa, il suo grande amore fu l'austriaca Sofie Hess. Nel 1896 Nobel morì per un'emorragia cerebrale in Italia, nella sua villa sulla Riviera ligure, precisamente a Sanremo, nota in seguito come Villa Nobel. Il suo corpo venne quindi restituito alla Svezia, dove riposa al Norra begravningsplatsen, cimitero di Stoccolma. Note Bibliografia Paola Maria Delpiano, Viaggio intorno alla Dinamite Nobel, Editris, Torino, 2011, ISBN 978-88-89853-20-7. Voci correlate Saab Bofors Dynamics Dinamite Premio Nobel Altri progetti Collegamenti esterni Premio Nobel Alfred Nobel


C’era una volta l’adolescente ribelle, il figlio eventualmente da correggere per i suoi atteggiamenti oppositivi, che ingaggiava in famiglia vere e proprie battaglie tese a marcare la raggiunta maturità. Che non sia più così lo constatano in molti, il perché ce lo spiega Matteo Lancini, psicoterapeuta e presidente della Fondazione Minotauro di Milano, ospite domani alle 17 nell’aula magna del liceo scientifico Galilei di Trieste. Un incontro organizzato dall’Associazione Alt per la prevenzione e il contrasto alle dipendenze, a conclusione del ciclo di incontri “Dialoghi 2018” sull’educazione emotiva volta a instaurare un’efficace comunicazione genitori-figli. A questo scopo “Abbiamo bisogno di genitori autorevoli. Aiutare gli adolescenti a diventare adulti” è il titolo della conferenza che enuncia il problema affrontato dal relatore. «E la questione principale consiste da parte dei genitori di sviluppare la capacità di ascolto di cui il giovane ha bisogno». Dottor Lancini, quali sono le caratteristiche dell’adolescente di oggi? «Mentre l’infanzia si è adultizzata, l’adolescenza si è bambinizzata. Si è passati dalla famiglia normativa, quella che ti imponeva di obbedire a una serie di regole e tradizioni, a quella dove il fine ultimo è il mantenimento della relazione affettiva». In tal caso dov’è il problema? «Nella mente dei genitori, il figlio ideale studia, fa tante attività collaterali, ha tanti amici. A quel punto ci si aspetta che metta da parte smartphone e realtà virtuali e soddisfi l’investimento narcisistico degli adulti. Invece spesso lo delude. Nei casi più gravi si verifica il caso di ritiro sociale: non escono, non studiano, non fanno nulla. Il sentimento di inadeguatezza per i maschi è l’equivalente dell’anoressia per le femmine». Intende dire che li carichiamo di aspettative che non sono in grado di assolvere? «Certamente. Fin dall’infanzia sono dotati di cellulare - peraltro, dati Istat alla mano - regalato dalla famiglia. Oggi la distanza corporea è maggiore, ma la supplisce la vicinanza mentale. Trionfa la madre virtuale, assente fisicamente ma pervasiva grazie ai dispositivi elettronici. Dispone e governa la crescita dei figli, costruisce relazioni attraverso WhatsApp; stabilisce il loro piano accademico per l’anno in corso. Infine, varcata la soglia della fanciullezza, a questi ultimi viene chiesto di spegnere quel 22e0 lo stesso telefonino che ha fatto parte di tutto il loro sistema di crescita». Come si fa a misurare la dipendenza da internet? «La questione non si risolve certo contingentando il tempo. Semmai i giovani vanno predisposti a cercare in internet forme più individuali e creative. Oggi i problemi insorgono a causa della fragilità narcisistica. Tutto il mondo si riflette in internet. Il cortile in cui una volta ci si azzuffava è diventato virtuale ma non provoca minor sofferenza. Attenzione: vita virtuale e vita reale si intrecciano, non sono disgiunte. Si pensi agli influencer. Ma anche banalmente agli acquisti attraverso negozi on line: scegliamo, comperiamo e ci viene recapitato tutto a casa, magari attraverso un drone. Si tratta di uno sconvolgimento epocale; invece di subirlo, va compreso e cavalcato come un’occasione». In tutto questo pare esserci un grande assente: il padre. «Se la madre è la grande burattinaia, per l’altro verso si verifica la crisi dell’autorità paterna. Oggi essere padre significa essere affettivo, giocare, spingere il passeggino... Quando i figli entrano nell’età dell’adolescenza le cose si complicano. Finita l’era del padre come canale veicolatore di valori e principi, che magari infliggeva quote di dolore mentale e distanza relazionale, il suo ruolo è incerto. Ormai gli adolescenti diventano adulti per delusione, non per opposizione alla figura paterna». Cosa significa essere un adolescente a rischio? «Significa non saper vedere il proprio futuro. Cercherà di anestetizzarsi contro la sofferenza dopo aver cercato aiuto nella rete. Nei casi estremi considererà: meglio morto ma popolare che vivo ma trasparente. Il conflitto generazionale è ai minimi termini; con noi adulti gli adolescenti cercano la relazione, è una congiuntura favorevole. Bisogna fornirli di allenatori che contrastino l’individualismo prima che si arrabbino sul serio». —


TRIESTE Era comparsa una stella, durante le notti del “San Lorenzo”, nella “Selva” servolana, e nessuno fra gli addetti ai lavori se n’era accorto. Per lo sprovveduto cronista (facilmente individuabile in chi scrive) il filiforme biondino aveva sì una buona mano e, comunque, non sembrava pronto per il campionato italiano. Precedente che avallerà una frase celebre di Tanjevic in risposta semiseria a certe critiche strampalate: «Sapessi tutto della pallacanestro mi sarei dedicato anch’io al giornalismo...». Infatti, John Grochowalski, il predestinato - proveniva dalla natia Springfield – , giocò a Torino per quattro campionati. Da quelle parti il calcio è da sempre la vitamina preferita, tuttavia c’è stato un periodo in cui “Mamma Fiat” decise di adottare le operaie del basket. Il vero sesso forte con la palla a spicchi era rappresentato da loro. Così brave e avvenenti da salire alla ribalta della prima diretta televisiva. Allora – correva l’anno 1954 – la pudica Rai, temendo di turbare gli spettatori, obbligava persino le ballerine a indossare una castigatissima calzamaglia. Ma per le belle gambe delle atlete, beh, si poteva fare un’eccezione... Ne dovevano passare di canestri sotto la Mole prima di sentire rimbombare il “Tuono”. Battezzato con il discutibile appellativo di “Baby Gorilla” al debutto con i Philadelphia Sixers che speravano di vedere in lui il nuovo Chamberlain, Mr. 100 punti, Darryl Dawkins divenne ben presto “Thunder Chocolate”, soprannome affibbiatogli dal cantante Stevie Wonder, affascinato dalle sue devastanti schiacciate. Potente e stravagante il ragazzo prodigio, che in un’occasione si presentò calzando scarpe diverse, una Nike e l’altra Converse. I campioni hanno il potere di fermare il tempo, lo testimonia l’epica sfida vista al PalaChiarbola nel febbraio del 1991 fra i due giganti, con SuperDino Meneghin, voglioso di completare il menù dell’ ultraventennale carriera facendo una scorpacciata di “Chocolate”. Trieste consumava la vendetta-bis – si era imposta alla grande pure nell’andata – nei confronti di “Dido” Guerrieri, amabile e vulcanico professore, che ai tempi della Mobiam ebbe a dichiarare che in caso di sconfitta nel derby con l’Hurlingham se ne sarebbe tornato a Udine a piedi. Evitò il martirio vincendo di un punto. Chiusa la lunga parentesi della Stefanel, Virginio Bernardi avrebbe voluto ingaggiare Dawkins alla Illycaffè. Lo inseguì tempestando di fax la sorella, unico punto di contatto oltroceano. Dopo lunga attesa, ecco arrivare una parolaccia che troncava ogni possibile trattativa a causa di crediti non onorati. —


source: fineweb

text: Tra le ultime novità nel settore videogiochi che vengono presentate in questi giorni all’E3 di Los Angeles oggi è è il turno di The Adventures of Tintin: The Game, il videogioco basato sull’omonimo film diretto da Steven Spielberg prodotto da Peter Jackson. Tintin: il segreto del Liocorno è il primo capitolo di una trilogia cinematografica basata sulla graphic novel del belga Hergé. Questo primo epidodio segue le avventure del giovane Tintin, del cagnolino Snowy e dell Capitano Haddock alle prese con il Liocorno, una nave scomparsa che racchiude un tesoro segreto e la chiave di un’antica maledizione. Seguendo le linee guida del film, realizzato interamente in performance capture, la Ubisoft e la Paramount Digital Entertainment, in collaborazione con i produttori del film, hanno sviluppato questo videogioco che inserisce anche elementi chiave dei capitoli successivi della trilogia (Il Tesoro di Rakam il Rosso e Il Granchio d’Oro). The Adventures of Tintin: The Game sembra essere a metà strada tra una classica avventura grafica e un platform, il gioco, come viene spiegato nel filmato da Spielberg e da Jackson, avrà diverse storyline in base alle scelte prese dal giocatore ed inoltre molte delle ambientazioni, che, come si vede dal trailer, sono riprese direttamente dal film, e che potranno essere esplorate nel dettaglio; sarà inoltre possibile giocare anche in modalità multiplayer. L’uscita del videogame è prevista per ottobre 2011 sulle varie piattaforme: PS3, Xbox 360, Wii, Nintendo 3DS e PC. Il film, Tintin: il segreto del Liocorno, diretto da Spielberg, vedrà nel cast Jamie Bell, Daniel Craig, Andy Serkis, Simon Pegg, Nick Frost, Cary Elwes, Toby Jones, Mackenzie Crook e Daniel Mays Qui il trailer italiano (Fonte: Gametrailer)


Questa sarebbe la soluzione immediata e più semplice ma non soddisfa appieno le richieste del committente che ha chiesto espressamente di limitare il corridoio rompendo anche la monotonia dei muri squadrati.


text: Nella teoria degli insiemi si indica con insieme vuoto quel particolare insieme che non contiene alcun elemento. Nella teoria assiomatica degli insiemi l'assioma dell'insieme vuoto ne postula l'esistenza. Partendo da questo sono costruiti tutti gli insiemi finiti. L'insieme vuoto è chiamato talvolta anche insieme nullo, ma ciò può creare confusione con il concetto esposto nella voce insieme nullo, argomento studiato in teoria della misura. Diverse proprietà insiemistiche sono banalmente vere per l'insieme vuoto. Notazione Solitamente l'insieme vuoto è indicato col simbolo , , ∅ oppure , usato per la prima volta dal gruppo di matematici, principalmente francesi, dell'inizio del XX secolo che scrivevano sotto lo pseudonimo collettivo di Nicolas Bourbaki (in particolare, fu il matematico André Weil ad introdurlo nel 1939). Non deve essere confuso con la lettera greca Φ (phi) o con la vocale scandinava Øø (sebbene Weil si sia ispirato proprio a questa). Si noti che la notazione {} indica l'insieme che contiene l'insieme vuoto e va pertanto non confusa con il semplice insieme vuoto . Per notare meglio le differenze tra i vari simboli, li si osservi uno a fianco all'altro: ∅ Øø Φ - il simbolo di insieme vuoto è basato su un cerchio, mentre la lettera scandinava è più simile a un ovale, come la lettera O; infine la barra della Φ è verticale e non obliqua. Proprietà l'insieme vuoto è un sottoinsieme di ogni insieme A: l'unione di un qualunque insieme A con l'insieme vuoto è A: l'intersezione di un qualunque insieme A con l'insieme vuoto è l'insieme vuoto: il prodotto cartesiano di un qualunque insieme A con l'insieme vuoto è l'insieme vuoto: l'unico sottoinsieme dell'insieme vuoto è l'insieme vuoto stesso: il numero di elementi dell'insieme vuoto (vale a dire la sua cardinalità) è zero; l'insieme vuoto è quindi finito: data una proprietà qualunque: per ogni elemento di la proprietà è valida; non esistono elementi di per cui la proprietà vale; allo stesso modo, se per una qualche proprietà valesse che: per ogni elemento di A la proprietà è valida; non ci sono elementi di A per cui la proprietà vale; allora . Poiché l'insieme vuoto è unico si parla dell'''insieme vuoto e non di un insieme vuoto. Nella teoria degli insiemi, infatti, due insiemi sono uguali se hanno gli stessi elementi, quindi ci può essere un solo insieme senza elementi. Considerato come sottoinsieme della retta reale (o, più in generale, di un qualsiasi spazio topologico), l'insieme vuoto è sia chiuso che aperto. Tutti i suoi punti frontiera (cioè nessun punto) appartengono all'insieme vuoto, che perciò è chiuso; ma anche tutti i suoi punti interni (ancora una volta nessun punto) appartengono all'insieme vuoto, che dunque è anche aperto. Inoltre l'insieme vuoto è un insieme compatto per il fatto che ogni insieme finito è compatto. La chiusura dell'insieme vuoto è vuota. Questo fatto è noto come "conservazione dell'unione nulla". Problemi comuni Il concetto di insieme vuoto non è la stessa cosa che il concetto di niente. È un insieme che non contiene niente al suo interno, ma un insieme è qualcosa. Questo fatto spesso causa difficoltà a chi lo incontra per la prima volta. Può essere d'aiuto immaginare un insieme come un contenitore di oggetti: un contenitore vuoto è vuoto, eppure certamente esiste. L'insieme vuoto è un sottoinsieme di un qualunque insieme A. Per definizione di sottoinsieme, si ha che per ogni elemento x di {}, x appartiene ad A. Se non fosse vero che ogni elemento di {} si trova in A, allora dovrebbe esistere almeno un elemento di {} che non è presente in A. Ma dal momento che non ci sono elementi in {}, allora non esiste alcun elemento di {} che non sta in A, e dunque si può concludere che ogni elemento di {} si trova in A e quindi {} è un sottoinsieme di A. Questo concetto è spesso parafrasato con "tutto è vero per gli elementi dell'insieme vuoto" e può essere visto come una applicazione della regola logica "ex falso quodlibet". Teoria assiomatica degli insiemi Nella teoria assiomatica degli insiemi nota come teoria degli insiemi di Zermelo-Fraenkel, l'esistenza dell'insieme vuoto è assicurata dall'assioma dell'insieme vuoto. L'unicità dell'insieme vuoto segue dall'assioma di estensionalità. Ogni assioma che stabilisce l'esistenza di un qualunque insieme implica l'assioma dell'insieme vuoto, utilizzando lo schema di assiomi di specificazione. Per esempio, se è un insieme, allora lo schema di assiomi di separazione permette la costruzione dell'insieme , che può essere definito come l'insieme vuoto. Esiste, o è necessario? Sebbene l'insieme vuoto sia un concetto standard ed universalmente accettato in matematica, esistono persone che ancora manifestano qualche dubbio. Jonathan Lowe ha affermato che anche se l'idea "è stata certamente una pietra miliare nella storia della matematica, ... non dobbiamo assumere che la sua utilità nei calcoli sia dipendente dal suo denotare effettivamente un qualche oggetto". Non è chiaro se tale idea abbia un senso. "Tutto ciò di cui siamo a conoscenza riguardo all'insieme vuoto è che (1) è un insieme, (2) non ha elementi, e (3) è unico tra tutti gli insiemi che non hanno elementi. Però esistono molte cose che "non hanno elementi" nel senso della teoria degli insiemi — e cioè tutti i non-insiemi. È chiaro il motivo per cui questi oggetti non hanno elementi: perché non sono insiemi. Ciò che non è chiaro è come possa esistere, in modo univoco tra gli insiemi, un insieme che non ha elementi. Non possiamo evocare una tale entità semplicemente per accordo". In seguito George Boolos, in "To be is to be the value of a variable...", Journal of Philosophy, 1984 (ristampato nel suo libro Logic, Logic and Logic), ha detto che si può fare molta strada utilizzando semplicemente la quantificazione multipla sugli oggetti, senza reificare gli insiemi come singole entità che hanno altre entità come membri. In un libro recente Tom McKay ha espresso un'opinione negativa riguardo all'assunzione "singolarista" che le espressioni naturali che usano il plurale possano essere analizzate utilizzando surrogati del plurale, come i simboli per gli insiemi. Egli appoggia una teoria anti-singolarista che differisce dalla teoria degli insiemi nel fatto che non esiste l'analogo dell'insieme vuoto, ed esiste una sola relazione, fra (among in inglese), che è analoga sia al concetto di appartenenza che a quello di inclusione. Operazioni sull'insieme vuoto Le operazioni sull'insieme vuoto (inteso come insieme di oggetti sui quali si effettua l'operazione) possono creare confusione. Per esempio, la somma degli elementi dell'insieme vuoto è zero, ma la moltiplicazione degli elementi dell'insieme vuoto è uno (è il prodotto vuoto). Questo fatto può sembrare sbagliato, dato che non ci sono elementi nell'insieme vuoto, e quindi sembra che non possa fare differenza se essi sono sommati o moltiplicati (dato che “essi” non esistono). In effetti, i risultati di queste operazioni rivelano di più sulle operazioni stesse di quanto non facciano sull'insieme vuoto. Per esempio, si noti che lo zero è l'elemento neutro per l'addizione, mentre l'uno è l'elemento neutro per la moltiplicazione. Estremi Dato che l'insieme vuoto non ha elementi, quando viene considerato come sottoinsieme di un qualunque insieme ordinato risulta che ogni elemento di quell'insieme è sia un maggiorante che un minorante per l'insieme vuoto. Per esempio, quando l'insieme vuoto viene considerato un sottoinsieme dei numeri reali, con l'ordinamento usuale, risulta che ogni numero reale è sia maggiorante che minorante per esso. Quando viene considerato come sottoinsieme dei numeri reali estesi (formati aggiungendo i due "numeri" (o punti) "meno infinito", indicato con e "più infinito", indicato con ai numeri reali, definiti in modo tale che è minore di qualunque numero reale e è maggiore di qualunque numero reale) si ha che: , e . E cioè, il più piccolo maggiorante (sup o estremo superiore) è , mentre il più grande minorante (inf o estremo inferiore) è . L'insieme vuoto e lo zero In precedenza si è affermato che l'insieme vuoto ha zero elementi, o che la sua cardinalità è zero. La connessione tra questi due concetti va oltre: nella definizione astratta di numero naturale lo zero è per definizione associato all'insieme vuoto, l'uno all'insieme con unico elemento l'insieme vuoto, e così via, in questo modo: 0 = {} 1 = { 0 } = { {} } 2 = { 0, 1 } = { {}, { {} } } 3 = { 0, 1, 2 } = { {}, { {} }, { {}, { {} } } }. Teoria delle categorie Se A è un insieme, allora esiste esattamente una funzione f da {} a A, la funzione vuota. Di conseguenza, l'insieme vuoto è l'unico oggetto iniziale della categoria degli insiemi e delle funzioni. L'insieme vuoto può essere considerato uno spazio topologico in un unico modo (definendolo aperto); questo spazio topologico vuoto è l'unico oggetto iniziale nella categoria degli spazi topologici con funzioni continue. Note Bibliografia L. Cerlienco: Numeri e poco altro (dispense del corso di Algebra 1, Università di Cagliari), Cap. 1 Elementi di logica matematica e teoria degli insiemi'', pp. 1–14. Voci correlate Teoria degli insiemi Sottoinsieme Altri progetti Collegamenti esterni Teoria degli insiemi