text: Arte (do termo latino ars, significando técnica e/ou habilidade) pode ser entendida como a atividade humana ligada às manifestações de ordem estética ou comunicativa, realizada por meio de uma grande variedade de linguagens, tais como: arquitetura, desenho, escultura, pintura, escrita, música, dança, teatro e cinema, em suas variadas combinações. O processo criativo se dá a partir da percepção com o intuito de expressar emoções e ideias, objetivando um significado único e diferente para cada obra. Nas palavras de um Poeta brasileiro, Ferreira Gullar, a "Arte existe porque a vida não basta". Definição A definição de arte é uma construção cultural sem significado preciso ou constante, variando com o tempo e de acordo com as várias culturas humanas, depende do resultado das interações do "campo" onde são sacramentados, ou não, as obras e seus artífices. Muito do que hoje uma cultura ou grupo chama de arte não era ou não é considerado como tal por culturas ou grupos diferentes daqueles onde foi produzida, e até numa mesma época e numa mesma cultura pode haver múltiplas acepções do que é arte. As sociedades pré-industriais em geral não possuem ou possuíam sequer um termo para designar arte. Numa visão muito simplificada, a arte está ligada principalmente a um ou mais dos seguintes aspectos: a manifestação de alguma habilidade especial; a criação artificial de algo pelo ser humano; o desencadeamento de algum tipo de resposta no ser humano, como o senso de prazer ou beleza; a apresentação de algum tipo de ordem, padrão ou harmonia; a transmissão de um senso de novidade e ineditismo; a expressão da realidade interior do criador; a comunicação de algo sob a forma de uma linguagem especial; a noção de valor e importância; a excitação da imaginação e a fantasia; a indução ou comunicação de uma experiência-pico; coisas que possuam reconhecidamente um sentido; coisas que deem uma resposta a um dado problema. Ao mesmo tempo, mesmo que uma dada atividade seja considerada arte de modo geral, há muita inconsistência e subjetividade na aplicação do termo. Por exemplo, é hábito, entre os ocidentais, chamar de arte o canto operístico, mas cantar despreocupadamente enquanto trabalhamos muitas vezes não é tido como arte. Pode haver, assim, uma série de outros parâmetros que as culturas empregam para separar o que consideram arte do que não consideram. Mesmo que se possa, em tese, estabelecer parâmetros gerais válidos consensualmente, a análise de cada caso pode ser extraordinariamente complexa e inconsistente. Num contexto geográfico, se a cultura ocidental chama de arte a ópera, possivelmente uma cultura não ocidental poderia considerar aquele tipo de canto muito estranho. Na perspectiva histórica, muitas vezes um objeto considerado artístico em uma determinada época pode ser considerado não artístico em outra. História do conceito No ocidente, um conceito geral de arte, ou seja, aquilo que teriam em comum coisas tão distintas como, por exemplo, um madrigal renascentista, uma catedral gótica, a poesia de Homero, os autos de mistério medievais, um retábulo barroco, só começou a se formar em meados do século XVIII, embora a palavra já estivesse em uso há séculos para designar qualquer habilidade especial. Na Antiguidade clássica, uma das principais bases da civilização ocidental e a primeira cultura que refletiu sobre o tema, considerava-se arte qualquer atividade que envolvesse uma habilidade especial: habilidade para construir um barco, para comandar um exército, para convencer o público em um discurso, em suma, qualquer atividade que se baseasse em regras definidas e que fosse sujeita a um aprendizado e desenvolvimento técnico. Em contraste, a poesia, por exemplo, não era tida como arte, pois era considerada fruto de uma inspiração. Platão definiu arte como uma capacidade de fazer coisas de modo inteligente através de um aprendizado, sendo um reflexo da capacidade criadora do ser humano; Aristóteles a definiu como uma disposição de produzir coisas de forma racional, e Quintiliano a entendia como aquilo que era baseado em um método e em uma ordem. Já Cassiodoro destacou seu aspecto produtivo e ordenado, assinalando três funções para ela: ensinar, comover e agradar ou dar prazer. Essa visão atravessou a Idade Média, mas, no Renascimento, iniciou-se uma mudança, separando-se os ofícios produtivos e as ciências das artes propriamente ditas e incluindo-se, pela primeira vez, a poesia no domínio artístico. A mudança foi influenciada pela tradução para o italiano da Poética de Aristóteles e pela progressiva ascensão social do artista, que buscava um afastamento dos artesãos e artífices e uma aproximação dos intelectuais, cientistas e filósofos. O objeto artístico passou a ser considerado tanto fonte de prazer como meio de assinalar distinções sociais de poder, riqueza e prestígio, incrementando-se o mecenato e o colecionismo. Começaram a aparecer também diversos tratados sobre as artes, como o De pictura, De statua e De re aedificatoria, de Leon Battista Alberti, e os Comentários de Lorenzo Ghiberti. Ghiberti foi o primeiro a periodizar a história da arte, distinguindo a arte clássica, a arte medieval e a arte renascentista. O renascimento e o maneirismo assinalam o início da arte moderna. O conceito de beleza se relativizou, privilegiando-se a visão pessoal e a imaginação do artista em detrimento do conceito mais ou menos unificado e de índole científica do Renascimento. Também se deu valor ao fantástico e ao grotesco. Para Giordano Bruno, havia tantas artes quantos eram os artistas, introduzindo o conceito de originalidade, pois, para ele, a arte não tem normas, não se aprende e procede da inspiração. No século XVIII, começou a se consolidar a estética como um elemento-chave para a definição de arte como hoje a entendemos - a despeito da vagueza e inconsistências do conceito. Até então, toda a arte do ocidente estava indissociavelmente ligada a uma ou mais funções definidas, ou seja, era uma atividade essencialmente utilitária: servia para a transmissão de conhecimento, para a estruturação e decoração de rituais e festividades, para a invocação ou mediação de poderes espirituais ou mágicos, para o embelezamento de edifícios, locais e cidades, para a distinção social, para a recordação da história e a preservação de tradições, para a educação moral, cívica, religiosa e cultural, para a consagração e perpetuação de valores e ideologias socialmente relevantes, e assim por diante. Esta mudança de paradigma estava ligada a transformações culturais desencadeadas pelo cientificismo e pelo iluminismo. Estas correntes de pensamento passaram a defender a tese de que a arte não era uma ciência, não podia descrever com exatidão a realidade, e por isso não poderia ser um veículo adequado para o conhecimento verdadeiro. Não sendo uma ciência, a arte passou para a esfera da emoção, da sensorialidade e do sentimento. A própria origem da palavra "estética" deriva de um termo grego que significa "sensação". Em trabalhos de Jean-Baptiste Dubos, Friedrich von Schlegel, Arthur Schopenhauer, Théophile Gautier e outros, nasceu o conceito de arte pela arte, onde ela tinha um fim em si mesma, despojando-a de toda a sua antiga funcionalidade e utilidade prática e associações com a moral. Ao mesmo tempo em que isso abriu um novo e rico campo filosófico, gerou dificuldades importantes: perdeu-se a capacidade de se entender a arte antiga em seu próprio contexto, onde ela era toda funcional - um testemunho desta tendência é a proliferação de museus no século XIX, instituições onde todos os tipos de arte são apresentados fora de seu contexto original -, e criaram-se conceitos inteiramente baseados na subjetividade, tornando cada vez mais difícil encontrar-se pontos objetivos em comum que pudessem ser aplicados a qualquer tipo de arte, tanto para defini-la quanto para valorá-la ou interpretar seu significado. O esteticismo foi um dos elementos teóricos básicos para a emergência do Romantismo, que rejeitou o utilitarismo da arte e deu um valor principal à criatividade, à intuição, à liberdade e à visão individuais do artista, erigindo-o ao status de demiurgo e profeta e fomentando, com isso, o culto do gênio. Por outro lado, o esteticismo ofereceu uma alternativa para a descrição de aspectos do mundo e da vida que não estão ao alcance da ciência e da razão. Charles Baudelaire foi um dos primeiros a analisar a relação da arte com o progresso e a era industrial, prefigurando a noção de que não existe beleza absoluta, mas que ela é relativa e mutável de acordo com os tempos e com as predisposições de cada indivíduo. Baudelaire acreditava que a arte tinha um componente eterno e imutável - sua alma - e um componente circunstancial e transitório - seu corpo. Este dualismo nada mais do que expressava a dualidade inerente ao homem em seu anelo pelo ideal e seu enfrentamento da realidade concreta. Em que pese a grande influência do esteticismo, cujo corolário apareceria no início do século XX na forma do abstracionismo, uma apoteose do individualismo artístico, houve correntes que o combateram. Hippolyte Taine elaborou uma teoria de que a arte tem um fundamento sociológico, aplicando-lhe um determinismo baseado na raça, no contexto social e na época. Reivindicou, para a estética, um caráter científico, com pressupostos racionais e empíricos. Jean-Marie Guyau apresentou uma perspectiva evolucionista, afirmando que a arte está na vida e evolui com ela, e assim como a vida se organiza em sociedades, a arte deve ser um reflexo da sociedade que a produz. A estética sociológica teve associações com os movimentos políticos de esquerda, especialmente o socialismo utópico, defendendo, para a arte, o retorno a uma função social, contribuindo para o desenvolvimento das sociedades e da fraternidade humana, como se percebe nos trabalhos de Henri de Saint-Simon, Lev Tolstoi e Pierre Joseph Proudhon, entre outros. John Ruskin e William Morris denunciaram a banalização da arte causada pelo esteticismo e pela sociedade industrial, e defenderam a volta ao sistema corporativo e artesanal medieval. Na mesma época, a arte começou a ser estudada sob o ponto de vista psicológico e semiótico através da contribuição de Sigmund Freud. Ele declarou que a arte poderia ser uma forma de representação de desejos e de sublimação de pulsões irracionais reprimidas. Disse que o artista era um narcisista, e que as obras de arte podiam ser analisadas da mesma forma que os sonhos, os símbolos e as doenças mentais. Continuou, nessa linha, seu discípulo Carl Jung, que introduziu o conceito de arquétipo na análise artística. Outra novidade foi introduzida por Wilhelm Dilthey, considerando arte e vida serem uma unidade. Prefigurando a arte contemporânea, reconheceu a importância da reação do público na definição do que é um objeto artístico, o que instaurava uma espécie de anarquia do gosto, inaugurando a estética cultural. Reconheceu, também, que a época assinalava uma mudança social e uma nova interpretação da realidade. Ao artista, caberia intensificar nossa visão de mundo em uma obra coerente e significativa. Na primeira metade do século XX, conceitos inovadores foram introduzidos pela Escola de Frankfurt, destacando-se Walter Benjamin e Theodor Adorno, estudando os efeitos da industrialização, da tecnologia e da cultura de massa sobre a arte. Benjamin analisou a perda da aura do objeto artístico na sociedade contemporânea, e Adorno refletiu que a arte não é um reflexo mecânico da sociedade que a produz, pois a arte expressa o que não existe e indica a possibilidade de transformação e transcendência. Representante do pragmatismo, John Dewey definiu a arte como "a culminação da natureza", defendendo que a base da estética é a experiência sensorial. A atividade artística seria uma consequência da atividade natural do ser humano, cuja forma organizativa depende dos condicionamentos ambientais em que se desenvolve. Assim, arte seria o mesmo que "expressão", onde fins e meios se fundem em una experiência agradável. Já Ortega y Gasset apontou o caráter elitista e a desumanização da arte de vanguarda, devido ao seu hermetismo, ao repúdio da imitação da natureza e à perda da perspectiva histórica. Na escola semiótica, Luigi Pareyson elaborou uma estética hermenêutica, onde arte é a interpretação da verdade. Para ele, a arte é "formativa", ou seja, expressa uma forma de fazer que, ao mesmo tempo, inventa sua própria linguagem e seus meios. Assim, a arte não seria o resultado de um projeto predeterminado, mas simplesmente encontraria o resultado no processo de fazer. Pareyson influenciou a chamada Escola de Turim, que desenvolveu o conceito ontológico de arte. Umberto Eco, seu maior expoente, afirmou que a obra de arte só existe em sua interpretação, na abertura de múltiplos significados que pode ter para o espectador. Chegando-se aos meados do século XX, o assunto se tornou tão complexo, volátil e subjetivo que muitos estudiosos abandonaram de todo a ideia de que a definição do que é arte é de alguma forma possível. A título de exemplo, citem-se algumas opiniões: Morris Weitz declarou que "o próprio caráter aventuroso e expansivo da arte, suas constantes mutações e novidades, tornam ilógico que estabeleçamos qualquer conjunto de propriedades definidas". Robert Rosenblum disse que "hoje em dia a ideia de definirmos arte é tão remota que não acredito que alguém teria coragem de fazê-lo", e Wladyslaw Tatarkiewicz afirmou que "nosso século chegou à conclusão de que conseguirmos uma definição abrangente do que é arte é não apenas algo dificílimo, como impossível". Essas visões, porém, não impediram que outros críticos lançassem opiniões diferentes, crendo ser possível uma definição. Alguns deles contornaram o problema central da definição propriamente dita, e estabeleceram parâmetros externos para definir o fato artístico, recorrendo à consagração institucional, à autoridade, ou à resposta do público ou de pessoas consideradas peritas. Um exemplo é a definição de George Dickie: "um objeto artístico é, em primeiro lugar, um artefato e, em segundo, é um conjunto de aspectos que legitimou sua proposta de merecer atenção especial de alguma pessoa ou pessoas agindo em nome de alguma instituição social". Às vezes, se recorre à sua localização e ao contexto cultural, como na declaração de Thomas McEvilley, dizendo que "é arte o que está num museu... Parece bem claro que, hoje em dia, mais ou menos qualquer coisa pode ser chamada de arte. A questão é: ela foi chamada de arte pelo 'sistema de arte'? Em nosso século, isso é tudo o que é preciso para definir arte". Na mesma linha de ideias, Robert Hughes disse que algo é arte "se foi criado com o fim expresso de ser considerado como tal e foi colocado em um contexto em que é visto como tal". Segundo a definição da Encyclopædia Britannica, arte é aquilo que é criado deliberadamente pelo homem como uma expressão de habilidade ou da imaginação. Formas, gêneros, técnicas As artes são, muitas vezes, divididas em categorias específicas, tais como artes decorativas, artes plásticas ou visuais, artes do espectáculo, ou literatura. A pintura é uma forma de arte plástica ou visual, e a poesia é uma forma de literatura. Uma forma de arte é uma forma específica de expressão artística, é um termo mais específico do que arte em geral, mas menos específico do que gênero. Alguns exemplos incluem Arquitetura, Arte digital, Banda desenhada, Cinema (ver Cinema de arte), Dança, Desenho, Escultura, Graffiti, Fotografia, Literatura (Poesia e Prosa), Teatro, Música, Pintura, etc.. As técnicas para uma obra de arte ser construída são as mais diversas. Cada técnica caracteriza-se pelo emprego do material físico e de como se maneja tal material para atingir os resultados desejados. Assim, por exemplo, pedra e bronze são dois materiais utilizados na técnica da escultura por subtração, a qual se inclui na forma artística da escultura. A música e a poesia usam o som, a pintura usa as técnicas do óleo, aquarela, guache, encáustica, etc.. Um gênero artístico é o conjunto de convenções, temáticas e estilos dentro de uma forma de arte e mídia. Por exemplo, o cinema possui uma gama de gêneros, como aventura, horror, comédia, romance, ficção científica, etc.. Na música, há centenas de gêneros musicais, que variam de acordo com a região, cultura, etc., como música erudita clássica, música folclórica, rock, MPB, música pop, muzak, etc.. Na pintura, os gêneros incluem pintura de paisagem, retrato, nu, natureza-morta, pintura histórica, etc.. Periodização Arte pré-histórica (c. 40000-3000 a.C.) Desenvolveu-se entre o Paleolítico Superior e o Neolítico, onde aparecem as primeiras manifestações que costumam ser consideradas como arte. No Paleolítico, o homem, dedicado à caça e vivendo em cavernas, praticou a chamada arte rupestre. No Neolítico, tornou-se sedentário e desenvolveu a agricultura, com sociedades cada vez mais complexas, onde a religião ganhou importância. São exemplos os monumentos megalíticos e um início de produção artesanal na forma de vasos de cerâmica e estatuetas. Arte antiga (c. 3000-300 a.C.) No Egito e na Mesopotâmia, viveram as primeiras civilizações altamente estruturadas, e seus artistas/artesãos produziram obras complexas que já apresentam uma especialização profissional. A arte egípcia se caracterizou pelo caráter religioso e político, com destaque para a arquitetura, a pintura e a escultura. A escultura e a pintura mostram a figura humana em um estilo fortemente hierático e esquemático, devido à rigidez de seus cânones simbólicos e religiosos. A arte mesopotâmica se desenvolveu na área entre os rios Tigre e Eufrates, sendo testemunha de culturas diferentes, como os sumérios, acadianos, assírios e persas. Na arquitetura, se incluem os zigurates, grandes templos piramidais em degraus, enquanto, na escultura, predominam cenas religiosas, de caça e de guerra, com a presença de figuras humanas e animais reais ou mitológicas. Arte clássica (1000 a.C.-300 d.C.) A arte da Grécia Antiga marcou a evolução da arte ocidental. Depois de um começo em que salientaram as civilizações Minoica e Micênica, a arte grega se desenvolveu em três períodos: arcaico, clássico e helenístico. Na arquitetura, se destacaram os templos, com suas três ordens: dórica, jônica e coríntia. Na escultura, dominou a representação do corpo humano, atingindo uma síntese entre naturalismo e idealismo no período clássico, com destaque para a produção de Míron, Fídias, Policleto e Praxíteles. Com claros precedentes na arte etrusca e na arte grega, a arte romana alcançou quase todos os cantos da Europa, Norte de África e do Oriente Médio, estabelecendo as bases da arte ocidental. Grandes engenheiros e construtores, se destacaram na arquitetura civil desenvolvendo o arco e a cúpula, com a construção de estradas, pontes, aquedutos e obras urbanas, bem como os templos, palácios, teatros, anfiteatros, circos, banhos, arcos triunfais, etc.. A escultura, inspirada na grega, é também centrada na figura humana, mas de forma mais realista. A pintura e o mosaico são conhecidos pelos vestígios encontrados em Pompeia e alguns outros lugares. Arte medieval (c. 300-1350) A arte medieval, sendo uma derivação direta da arte romana, inicia com a arte paleocristã, após a oficialização do cristianismo como religião do Império Romano. Trabalharam as formas clássicas para interpretar a nova doutrina religiosa. Porém, logo o estilo clássico se pulverizou em uma multiplicidade de escolas regionais, com o aparecimento de formas mais esquemáticas e simplificadas. Na arquitetura, destacou-se como o tipo basílica, enquanto que na escultura os sarcófagos assumiram papel destacado, bem como os mosaicos e as pinturas das catacumbas. A etapa seguinte constituiu a chamada arte bizantina, incorporando influências orientais e gregas, e tendo no ícone e nos mosaicos seus gêneros principais. A arte românica seguiu-lhe paralelamente, recebendo a influência de povos bárbaros como os germânicos, celtas e godos. Foi o primeiro estilo de arte internacional depois da queda do Império Romano do Ocidente. Eminentemente religiosa, a maioria da arte românica visa a exaltação e difusão do cristianismo. A arquitetura enfatiza o uso de abóbadas e arcos, começando a construção de grandes catedrais, que continuará durante o gótico. A escultura se desenvolveu principalmente no âmbito arquitetônico, com formas esquematizadas. A arte gótica se desenvolveu entre os séculos XII e XVI, sendo um momento de florescimento econômico e cultural. A arquitetura foi profundamente alterada a partir da introdução do arco ogival e do arcobotante, nascendo formas mais leves e mais dinâmicas, que possibilitaram a construção de edifícios mais altos e com aberturas maiores, tipificados na catedral gótica. A escultura continua principalmente enquadrada na obra arquitetônica, mas começou a desenvolver-se de forma autônoma, com formas mais realistas e elegantes inspirados pela natureza e, em parte, numa recuperação de influências clássicas. Aparecem grandes retábulos escultóricos e a pintura desenvolve técnicas inovadoras como o óleo e a têmpera, criando-se obras de grande detalhamento. Arte na Idade Moderna (c. 1350-1850) A Idade Moderna inicia no renascimento, período de grande esplendor cultural na Europa. A religião deu lugar a uma concepção científica do homem e do universo, no sistema do humanismo. As novas descobertas geográficas levaram a civilização europeia a se expandir para todos os continentes, e através da invenção da imprensa a cultura se universalizou. Sua arte foi inspirada basicamente na arte clássica greco-romana e na observação científica da natureza. Entre seus expoentes, estão Filippo Brunelleschi, Leon Battista Alberti, Bramante, Donatello, Leonardo da Vinci, Dante Alighieri, Petrarca, Rafael, Dürer, Palestrina e Lassus. Sua continuação produziu o Maneirismo, com a emergência de um maior individualismo e um senso de drama e extravagância, proliferando em inúmeras escolas regionais. Também foi importante nesta fase a disputa entre protestantes e católicos contrarreformistas, com repercussões na arte sacra. Shakespeare, Cervantes, Camões, Andrea Palladio, Parmigianino, Monteverdi, El Greco e Michelangelo são alguns de seus representantes mais notórios. No período barroco, fortaleceram-se os Estados nacionais, dando origem ao absolutismo. Como reflexo disso, a arte se torna suntuosa e grandiloquente, privilegiando os contrastes acentuados, o senso de drama e o movimento. Firmam-se grandes escolas em vários países, como na Itália, França, Espanha e Alemanha. São nomes fundamentais do período Góngora, Vieira, Molière, Donne, Bernini, Bach, Haendel, Lully, Pozzo, Borromini, Caravaggio, Rubens, Poussin, Lorrain, Rembrandt, Ribera, Zurbarán, Velázquez, entre uma multidão de outros. Sua sequência foi o rococó, surgido a partir de meados do século XVIII, com formas mais leves e elegantes, privilegiando o decorativismo, a sofisticação aristocrática e a sensibilidade individual. Ao mesmo tempo, se firmava uma corrente iluminista, pregando o primado da razão e um retorno à natureza. Foram importantes, por exemplo, Voltaire, Jean-Jacques Rousseau, Carl Philipp Emanuel Bach, Jean-Antoine Houdon, Antoine Watteau, Jean-Honoré Fragonard, Joshua Reynolds e Thomas Gainsborough. No final do século, emergem duas correntes opostas: o romantismo e o neoclassicismo, que dominarão até meados do século XIX, às vezes em sínteses ecléticas, como na obra de Goethe. O romantismo enfatizava a experiência individual do artista, com obras arrebatadas, visionárias e dramáticas, enquanto que o neoclassicismo recuperava o ideal equilibrado do classicismo e impunha uma função social moralizante e política para a arte. Na primeira corrente, podem ser destacados Victor Hugo, Byron, Eugène Delacroix, Francisco de Goya, Frédéric Chopin, Ludwig van Beethoven, William Turner, Richard Wagner, William Blake, Albert Bierstadt e Caspar David Friedrich, e, na segunda, Jacques-Louis David, Mozart, Haydn e Antonio Canova. Arte contemporânea (c. 1850-atualidade) Entre meados do século XIX e o início do século XX, se lançaram as bases da sociedade contemporânea, marcada no terreno político pelo fim do absolutismo e a instauração dos governos democráticos. No campo econômico, marcaram, esta fase, a Revolução Industrial e a consolidação do capitalismo, que tiveram respostas nas doutrinas de esquerda como o marxismo, e na luta de classes. Na arte, o que tipifica o período é a multiplicação de correntes grandemente diferenciadas. Até o fim do século XIX, surgiram, por exemplo, o realismo, o impressionismo, o simbolismo e o pós-impressionismo. O século XX se caracterizou por uma forte ênfase no questionamento das antigas bases da arte, propondo-se a criar um novo paradigma de cultura e sociedade e derrubar tudo o que fosse tradição. Até meados do século, as vanguardas foram enfeixadas no rótulo de modernistas, e desde então elas se sucedem cada vez com maior rapidez, chegando aos dias de hoje a um estado de total pulverização dos estilos e estéticas, que convivem, dialogam, se influenciam e se enfrentam mutuamente. Também surgiu uma tendência de solicitar a participação do público no processo de criação, e incorporar, ao domínio artístico, uma variedade de temas, estilos, práticas e tecnologias antes desconhecidas ou excluídas. Entre as inúmeras tendências do século XX, podemos citar: art nouveau, fauvismo, pontilhismo, abstracionismo, expressionismo, realismo socialista, cubismo, futurismo, dadaísmo, surrealismo, funcionalismo, construtivismo, informalismo, arte pop, neorrealismo, artes de ação (performance, happening, fluxus, instalação), op art, videoarte, minimalismo, arte conceitual, fotorrealismo, land art, arte povera, body art, arte pós-moderna, transvanguarda, neoexpressionismo, hiper-realismo. Historiografia da arte A historiografia da arte é a ciência que analisa o estudo da história da arte desde um ponto de vista metodológico, ou seja, a forma como o historiador realiza o estudo da arte, as ferramentas e disciplinas que podem ser usadas para esse estudo. O mundo da arte sempre tem levado, em paralelo, um componente de autorreflexão. Vitrúvio escreveu o tratado sobre a arquitetura mais antigo que se conserva, De Architectura. Sua descrição das formas arquitetônicas da antiguidade greco-romana influenciou o Renascimento, sendo, por sua vez, uma importante fonte documental para as informações sobre a pintura e escultura grega e romana. Giorgio Vasari, em Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori (1542-1550), foi um dos predecessores da historiografia da arte, fazendo uma crônica dos principais artistas de seu tempo, pondo especial ênfase na progressão e no desenvolvimento da arte. No entanto, estes escritos, geralmente crônicas, inventários, biografias ou outros escritos mais ou menos literários, careciam de perspectiva histórica e do rigor científico necessários para serem considerados historiografia da arte. Johann Joachim Winckelmann é considerado o pai da história da arte, criando uma metodologia científica para a classificação das artes e baseando a História da arte em uma teoria estética de influência neoplatônica: a beleza é o resultado de uma materialização da ideia. Grande admirador da cultura grega, postulou que, na Grécia antiga, se deu a beleza perfeita, gerando um mito sobre a perfeição da beleza clássica que ainda condiciona a perfeição da arte hoje em dia. Em Reflexão sobre a imitação das obras de arte gregas (1755), afirmou que os gregos chegaram a um estado de perfeição total na imitação da natureza e, assim, nós, agora, só podemos imitar os gregos. Assim mesmo, relacionou a arte com as etapas da vida humana (infância, idade adulta, velhice), estabelecendo uma evolução da arte em três estilos: arcaico, clássico e helenístico. Durante o século XIX, a nova disciplina buscou uma formulação mais prática e rigorosa, especialmente desde a aparição do positivismo. No entanto, essa tarefa foi abordada por diversas metodologias que trouxeram uma grande variedade de tendências historiográficas: o romantismo impôs uma visão historicista e revivalista do passado, resgatando e pondo em moda novamente estilos artísticos que haviam sido desvalorizados pelo neoclassicismo winckelmanniano; assim, o vemos na obra de Ruskin, Viollet-le-Duc, Goethe, Schlegel, Wackenroder, entre outros. Em vez disso, a obra de autores como Karl Friedrich von Rumohr, Jacob Burckhardt e Hippolyte Taine, foi a primeira tentativa séria de formular uma história da arte com base em critérios científicos, baseando-se em análises críticas das fontes historiográficas. Por outro lado, Giovanni Morelli introduziu o conceito de connoisseur, o especialista em arte, que a analisa com base tanto em seus conhecimentos como em sua intuição. A primeira escola historiográfica de grande relevância foi o formalismo, que defendia o estudo da arte a partir do estilo, aplicando uma metodologia evolucionista que defendia, para a arte, uma autonomia longe de qualquer consideração filosófica, rejeitando a estética romântica e o ideal hegeliano, e se aproximando do neokantismo. Seu primeiro teórico foi Heinrich Wölfflin, considerado o pai da moderna História da arte. Ele aplicou, à arte, critérios científicos, como o estudo psicológico ou o método comparativo: definia os estilos por suas diferenças estruturais inerentes aos mesmos, como argumentou em sua obra Conceitos fundamentais da História da Arte (1915). Wölfflin não atribuiu importância às biografias dos artistas, defendendo, por outro lado, a ideia de nacionalidade, de escolas artísticas e estilos nacionais. As teorias de Wölfflin foram continuadas pela chamada Escola de Viena, com autores como Alois Riegl, Max Dvořák, Hans Sedlmayr e Otto Pächt. Já no século XX, a historiografia da arte tem continuado dividida entre múltiplas tendências, desde autores ainda enquadrados no formalismo (Roger Fry, Henri Focillon), passando pelas escolas sociológica (Friedrich Antal, Arnold Hauser, Pierre Francastel, Giulio Carlo Argan) ou psicológica (Rudolf Arnheim, Max Wertheimer, Wolfgang Köhler), até perspectivas individuais e sintetizadoras como as de Adolf Goldschmidt ou Adolfo Venturi. Uma das escolas mais reconhecidas tem sido a da iconologia, que centra seus estudos na simbologia e no significado da obra artística. Através do estudo de imagens, emblemas, alegorias e demais elementos de significado visual, pretende esclarecer a mensagem que o artista pretendeu transmitir em sua obra, estudando a imagem desde postulados mitológicos, religiosos ou históricos, ou de qualquer índole semântica presente em qualquer estilo artístico. Os principais teóricos desse movimento foram Aby Warburg, Erwin Panofsky, Ernst Gombrich, Rudolf Wittkower e Fritz Saxl. Crítica de arte A crítica de arte é um gênero, entre literário e acadêmico, que faz uma avaliação sobre as obras de arte, artistas ou expositores, em princípio de forma pessoal e subjetiva, mas baseando-se na história da arte e suas múltiplas disciplinas, avaliando-se a arte segundo seu contexto ou evolução. É avaliativa, informativa e comparativa, apontando dados empíricos e testáveis. Denis Diderot é considerado o primeiro crítico de arte moderno, por seus comentários sobre as obras de arte expostas nos salões de Paris, realizados no Museu do Louvre desde 1725. Esses salões, abertos ao público, atuaram como centro difusor de tendências artísticas, propiciando modas e gostos em relação à arte, sendo, assim, objeto de debate e crítica. Diderot escreveu suas impressões sobre esses salões primeiro em uma carta escrita em 1759, que foi publicada na correspondência literária de Frédéric-Melchior Grimm, e desde então até 1781, sendo o ponto de partida desse gênero. No início da crítica de arte, há que se avaliar, por um lado, o acesso do público a essas exposições artísticas, que, junto com a proliferação dos meios de comunicação de massa desde o século XVIII, produziram uma via de comunicação direta entre o crítico e o público a que se dirige. Por outro lado, o auge da burguesia como classe social que inventou a arte como objeto de ostentação, e o crescimento do mercado artístico que levou consigo, proporcionaram um ambiente social necessário para a consolidação da crítica artística. A crítica de arte tem estado geralmente vinculada ao jornalismo, exercendo um trabalho de porta-voz do gosto artístico. Isso, por um lado, lhe tem conferido um grande poder, ao ser capaz de afundar ou elevar a obra de um artista, mas por outro lado lhe tem feito objeto de ferozes ataques e controvérsias. Outro ponto a ressaltar é o caráter de atualidade da crítica da arte, já que se centra em um contexto histórico e geográfico no qual a crítica realiza seu trabalho, imersa em um fenômeno cada vez mais dinâmico como é o das correntes de moda. Assim, a falta de historicidade para emitir um juízo sobre as bases consolidadas leva a crítica de arte a estar frequentemente sustentada na intuição do crítico, como um fator de risco que leva consigo. Por fim, como disciplina sujeita a seu tempo e à evolução cultural da sociedade, a crítica de arte sempre revela um componente do pensamento social no qual se vê imersa, existindo, assim, diversas correntes de crítica de arte: romântica, positivista, fenomenológica, semiológica, etc.. Disse Charles Baudelaire: "Para ser justa, ou melhor, para ter sua razão de ser, a crítica deve ser parcial, apaixonada, política; isto é: deve adotar um ponto de vista exclusivo, mas um ponto de vista exclusivo que abra ao máximo os horizontes". Entre os críticos de arte, tem havido desde famosos escritores até os próprios historiadores de arte, que, muitas vezes, têm passado de análises metodológicas à crítica pessoal e subjetiva, conscientes de que são uma arma de grande poder. Podem ser citados Charles Baudelaire, John Ruskin, Oscar Wilde, Émile Zola, Joris-Karl Huysmans, Guillaume Apollinaire, Wilhelm Worringer, Clement Greenberg e Michel Tapié. Sociologia da arte A sociologia da arte é uma disciplina das ciências sociais que estuda a arte desde uma abordagem metodológica baseada na sociologia. Seu objetivo é estudar a arte como produto da sociedade humana, analisando os diversos componentes sociais que contribuem para a gênese e difusão da obra artística. A sociologia da arte é uma ciência multidisciplinar, recorrendo para suas análises a diversas disciplinas como a cultura, a política, economia, antropologia, linguística, filosofia, e demais ciências sociais que influenciam no desenvolvimento da sociedade. Entre os diversos objetos de estudo da sociologia da arte, se encontram vários fatores que intervêm desde um ponto de vista social na criação artística, desde aspectos mais genéricos como a situação social do artista ou a estrutura sociocultural do público, até mais específicos como o mecenato, o mercantilismo e comercialização da arte, as galerias de arte, a crítica de arte, colecionadores, museografia, instituições e fundações artísticas, etc.. Também cabe destaque no século XX à aparição de novos fatores como o avanço da difusão dos meios de comunicação, a cultura de massas, a categorização da moda, a incorporação de novas tecnologias ou a abertura de conceitos na criação material da obra de arte (arte conceitual, arte de ação). A sociologia da arte deve seus primeiros passos a interesses de diversos historiadores pela análise do ambiente social da arte desde metade do século XIX, especialmente após a criação do positivismo como método de análise científica da cultura, e a criação da sociologia como ciência autônoma por Auguste Comte. No entanto, a sociologia da arte se desenvolveu como disciplina própria durante o século XX, com sua própria metodologia e seus objetos de estudo determinados. O ponto de partida dessa disciplina é geralmente situado imediatamente após a Segunda Guerra Mundial, com a aparição de diversas obras decisivas no desenvolvimento dessa disciplina: Arte e revolução industrial, de Francis Klingder (1947); A pintura florentina e seu ambiente social, de Friedrih Antal (1948); e História social da literatura e a arte, de Arnold Hauser (1951). No seu início, a sociologia da arte esteve estritamente vinculada ao marxismo - como os próprios Hauser e Antal, ou Nikos Hadjinikolaou, autor de História da arte e luta de classes (1973) - embora, em seguida, se distanciasse dessa tendência para adquirir autonomia própria como ciência. Outros autores destacados dessa disciplina são Pierre Francastel, Herbert Read, Francis Haskell, Michael Baxandall, Peter Burke e Giulio Carlo Argan. Psicologia da arte A psicologia da arte é a ciência que estuda os fenômenos da criação e apreciação artística desde uma perspectiva psicológica. A arte é, como manifestação da atividade humana, suscetível a ser analisada de forma psicológica, estudando os diversos processos mentais e culturais que ocorrem durante a criação da arte, tanto em sua criação como em sua recepção por parte do público. Por outro lado, como fenômeno da conduta humana, pode servir como base de análise da consciência humana, sendo, a percepção estética, um fator distintivo do ser humano como espécie, que o diferencia dos animais. A psicologia da arte é uma ciência interdisciplinar, que deve recorrer fortemente a outras disciplinas científicas para poder efetuar sua análise, desde - logicamente - a história da arte, até a filosofia e a estética, passando pela sociologia, antropologia, neurobiologia, etc.. Também está estritamente conectada com o resto dos ramos da psicologia, desde a psicanálise até a psicologia cognitiva, evolutiva ou social, passando pela psicobiologia e os estudos de personalidade. A nível fisiológico, a psicologia da arte estuda os processos básicos da atividade humana - como a percepção, a emoção e a memória-, assim como as funções superiores do pensamento e da linguagem. Entre seus objetos de estudo, se encontram tanto a percepção de cor (recepção retiniana e processamento do córtex) e a análise da forma, como os estudos sobre a criatividade, capacidades cognitivas (símbolos, ícones), e a arte como terapia. Para o desenvolvimento dessa disciplina, foram essenciais as contribuições de Sigmund Freud, Gustav Fechner, a escola de Gestalt (dentro da qual se destacam os trabalhos de Rudolf Arnheim), Lev Vygotski, Howard Gardner, etc.. Uma das principais correntes da psicologia da arte tem sido a Escola de Gestalt, que afirma que estamos condicionados pela nossa cultura -em sentido antropológico-, e que a cultura condiciona nossa percepção. Toma, como ponto de partida, a obra de Karl Popper, que afirma que, na apreciação estética, há um pouco de insegurança (gosto), que não tem base científica e não se pode generalizar; levamos uma ideia preconcebida ("hipótese prévia"), que faz com que encontremos, no objeto, o que buscamos. Segundo a Gestalt, a mente configura, através de certas leis, os elementos que chegam a ela através dos canais sensoriais (percepção) ou da memória (pensamento, inteligência e resolução de problemas). Em nossa experiência do meio ambiente, esta configuração tem um caráter primário sobre os elementos que a compõem, e a soma desses últimos por si próprios não poderia nos levar, portanto, à compreensão do funcionamento mental. Essa escola se fundamenta na noção de estrutura, entendida como um todo significativo de relações entre estímulos e respostas, e tenta entender os fenômenos em sua totalidade, sem se deter nos elementos do conjunto, que formam uma estrutura integrada fora da qual esses elementos não teriam significado. Seus principais expoentes foram Rudolf Arnheim, Max Wertheimer, Wolfgang Köhler, Kurt Koffka e Kurt Lewin. Conservação e restauro A conservação e restauro de obras de arte é uma atividade que tem, por objeto, a reparação ou atuação preventiva sobre qualquer obra que, devido a sua antiguidade ou estado de conservação, esteja necessitando de uma intervenção para preservar sua integridade física, assim como seu valor artístico, respeitando ao máximo a essência original da obra. Na opinião de Cesare Brandi, "a restauração deve se dirigir ao restabelecimento da unidade potencial da obra de arte, sempre que isso seja possível, sem cometer uma falsificação artística ou uma falsificação histórica, e sem apagar pegada alguma do transcurso da obra de arte através do tempo". Na arquitetura, a restauração é apenas do tipo funcional, para preservar a estrutura e unidade do edifício, ou reparar rachaduras ou pequenos defeitos que podem surgir nos materiais. Até o século XVIII, as restaurações arquitetônicas só preservavam as obras de culto religioso, dado seu caráter litúrgico e simbólico. Quanto aos outros tipos de edifício, eram reconstruídos sem se respeitar o estilo original. Por fim, desde o auge da arqueologia ao final do século XVIII, especialmente com as escavações de Pompeia e Herculano, se tendeu a preservar, na medida do possível, qualquer estrutura do passado, sempre e quando tivesse um valor artístico e cultural. Ainda assim, no século XIX os ideais românticos levaram a buscar a pureza estilística do edifício, e a moda do historicismo levou a planejamentos como os de Viollet-le-Duc, defensor da intervenção em monumentos com base em um certo ideal estilístico. Na atualidade, se tende a preservar ao máximo a integridade dos edifícios históricos. Na área da pintura, se tem evoluído desde uma primeira perspectiva de tentar recuperar a legibilidade da imagem, acrescentando, se necessário, partes perdidas da obra, a respeitar a integridade tanto física como estética da obra de arte, fazendo as intervenções necessárias para sua conservação sem se produzir uma transformação radical da obra. A restauração pictórica adquiriu um crescente impulso a partir do século XVII, devido ao mau estado de conservação de pinturas a fresco, técnica bastante corrente na Idade Média e no Renascimento. Do mesmo modo, o aumento do mercado de antiguidades proporcionou a restauração de obras antigas caras para sua posterior comercialização. Por último, a escultura tem sido uma evolução paralela: desde a reconstrução de obras antigas, geralmente em relação a membros mutilados (como a reconstrução do Laocoonte em 1523-1533 por parte de Giovanni Angelo Montorsoli), até a atuação sobre a obra preservando sua estrutura original, mantendo em caso necessário um certo grau de reversibilidade da ação praticada. Ver também Arte feita por animais História da Arte Ligações externas


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text: Corra! triP9y Detalhes da Calça Moletom com Cordão Azul Tigor T. Tigre Os garotos estão cada vez mais exigentes quanto à qualidade das roupas que utilizam, pois querem estar bem à vontade em qualquer ocasião. Por isso, a Tigor T. Tigre, há mais de 15 anos no mundo da moda, fabrica seus produtos com materiais de qualidade, sendo peças diferenciadas e super confortáveis, sempre com muitas cores contrastantes, formas modernas e desenhos despojados. Seguindo estes conceitos, a Calça Moletom com Cordão Azul Tigor T. Tigre foi elaborada especialmente para deixar o visual dos pequenos irreverente e criativo. Confeccionada em moletom, possui um toque suave e garante uma sensação agradável a pele da criança, sendo ideal para os dias mais frios, pois ajuda a manter os pequenos sempre aquecidos. Totalmente inspirado no universo infantil, a Calça Moletom com Cordão Azul Tigor T. Tigre possui cordão na cintura para garantir um ajuste perfeito ao corpo, além de proporcionar liberdade total nos movimentos, afim de deixar os meninos ainda mais confortáveis. Não importa a época do ano, o visual dos meninos precisa ser sempre colorido e alegre, para que transformem o dia a dia em algo divertido e mágico. Sendo assim, a Calça Moletom com Cordão Azul Tigor T. Tigre foi elaborada pensando no conforto e elegância, para os garotinhos terem um motivo a mais para receberem elogios neste inverno. |SKU||TI223AP63WGI| |Garantia||Contra Defeito de Fabricação| |Conteúdo da Embalagem||1 Calça| |Cor Predominante||Azul| |Material||Moletom Felpado| Queremos saber sua opinião Faça login ou cadastre-se para classificar este produto e aproveite nossas ofertas! Login / Cadastre-se {"key":"calca-moletom-com-cordao-azul-tigor-t-tigre-15036.html","category":"2"}


GASTRONOMIA COZINHA Alentejana, forjada no Fogo Um restaurante que é uma grande cozinha alentejana com refeições que são um convite ao regresso às origens. Conduzida pelo Chef Luís Batalha, esta cozinha é forjada a fogo – no forno a lenha, no Josper e, nos dias mais amenos da Primavera e do Verão, no Ofyr. Aqui inspiramo-nos diariamente nos produtos e nas formas de cozinhar tradicionais do Alentejo, neste Alentejo enorme, que vai da costa selvagem e revolta até ao Alentejo profundo, das planícies para lá do Guadiana, terra de contrabandistas. Somos LOCAIS e Apaixonados Pelo porco preto, pelo borrego, pelos queijos e enchidos, que nos chegam diretamente de produtores locais. Pelas ervas aromáticas que crescem no nosso jardim e pelo pão, feito diariamente no forno a lenha. Mas também nos deixamos levar pela cadência das marés do Atlântico que está mesmo aqui ao lado e que nos traz uma vasta variedade de peixe fresco, dependendo da época do ano, que nas rochas da praia esconde os percebes e que na sua junção com o rio Sado cria o habitat perfeito para o lingueirão, as amêijoas ou as ostras. Gostamos de uma cozinha lenta, com sentimento. Gostamos que os ingredientes, os temperos e os molhos se mesclem devagar, apurarem e que daí nasça uma união de sabores intensa. Essa é também a história da gastronomia desta terra: uma história de mescla de povos e de culturas, que se foram fundindo com os tempos, lentamente, que se cruzaram e que souberam juntar o melhor que cada uma delas tinha. Daí nasceram pratos tão particulares como a açorda ou o ensopado de borrego. Mas mais do que apenas cozinhar, queremos partilhar estes sabores regionais e tão genuínos em cada prato que confecionamos com todos aqueles que nos visitam. Para isso contamos com as mãos experientes da Dona Hortense, que diariamente confeciona pratos tradicionais alentejanos, ou com o Zé Grilo que ensina como se faz o verdadeiro pão alentejano em forno a lenha. Queremos que encontre o Alentejo – genuíno, rústico – em cada gesto nosso. Sente-se connosco e partilhe este momento.


estradas interdistritais e intermunicipais, uma largura mínima de 12 metros de cerca a cerca.


c) patrimônio, renda ou serviços dos partidos políticos, inclusive suas fundações, das entidades sindicais dos trabalhadores, das instituições de educação e de assistência social, sem fins lucrativos, atendidos os requisitos da lei federal.


Art. 22. A maioria, a minoria, as representações partidárias com número de membros superior a 1/10 (um décimo) da composição da Casa, e os blocos parlamentares terão Líder.


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text: Audi lança Edição Especial TTS Competition | Dicas e notícias automotivas Audi lança Edição Especial TTS Competition Tatiana Reis Felix 19 de agosto de 2013 A Audi completou a marca de 500 mil unidades do modelo TT produzidos mundialmente. Em comemoração, foi anunciado pela empresa o lançamento do novo TTS Competittion, em Edição Especial nas versões Roadster e Coupé. Somente 500 unidades foram produzidas nas duas versões, ambas equipadas com um motor 2.0 de 272 cv e 35,6 kgfm de torque. O câmbio com duas opções, manual ou automático de seis velocidades e dupla embreagem. De série a Edição Especial conta com faróis de xenôn, volante em couro multifuncional, sensor de estacionamento traseiro, tração integral, controle de amortecedores em alumínio, rodas de liga leve 19′′, além de outros. Conheça o novo Audi TTS Competition: Audi TT Competition-Coupé Links relacionados:http://revista.socarrao.com.br/noticias/geral/audi-anuncia-chegada-novo-a3-sportback-ao-brasil/ http://revista.socarrao.com.br/noticias/geral/audi-rs7-chegara-em-2014-no-brasil/ Marcado audiaudi ttaudi tt coupéaudi tt edição especialaudi tt motoraudi tt roadsteraudi tts competitioncoupéedição especialroadstertt edição especialtts competition


text: Na semana passada o Arena Turbo viajou a convite da Blizzard para Irvine, EUA, para participar de um evento dedicado à imprensa sobre o jogo StarCraft II: Wings of Liberty. Pra quem não conhece a Blizzard – e não jogou videogames nos últimos 20 anos – a empresa é responsável por jogos como Diablo, StarCraft, WarCraft e suas diversas sequências. Seu último grande sucesso é World of WarCraft, um RPG online para massas que se tornou fenômeno cultural com seus mais de 11 milhões de habitantes virtuais. A Blizzard foi fundada em 1991, na época sob o nome Silicon & Synapse, e no início era especializada na adaptação de jogos de outros estúdios para plataformas diferentes das originais. Não demorou muito para começar a desenvolver seus próprios jogos e desse período saíram pérolas como Rock N’ Roll Racing e The Lost Vikings. A empresa foi então rebatizada como Blizzard Entertainment em 1994, pouco antes de lançar seu primeiro grande sucesso: WarCraft: Orcs and Humans. Desde então a empresa tem conquistado uma legião de fãs, jogo após jogo, e é mais conhecida pela sua filosofia de lançar um jogo apenas quando estiver pronto, não importa o quanto demorar – “It’s done when it’s done” – chegando inclusive a cancelar projetos em estágios avançados de produção quando não correspondem ao padrão de qualidade exigido internamente. A Blizzard mudou-se em 2007 para a nova sede, na cidade californiana de Irvine, nos Estados Unidos. Além desse campus – que parece mesmo uma universidade pela sua arquitetura – a Blizzard possui escritórios na Irlanda, França, Taiwan, Coreia, China e, em breve, no Brasil. Atualmente trabalha em cinco projetos: a trilogia StarCraft II, Diablo III, World of WarCraft: Cataclysm, a nova versão da Battle.net e um MMO secreto mantido a sete chaves pela empresa. A visita foi uma chance única – e de certa maneira a realização de um sonho – deste que vos escreve conhecer a sede de um dos mais respeitados estúdios de games do mundo. E como sei que não estou sozinho na admiração que tenho pela empresa, nada mais justo do que dividir essa experiência com vocês. Esta é a Blizzard Entertainment, conforme vista por mim no dia 20 de abril de 2010. A estátua em bronze de 3,6 metos de altura foi um presente da Weta Workshops para a Blizzard quando a empresa mudou para o campus de Irvine em novembro de 2007. A peça fica no centro dos três prédios horizontais que compõe o campus da Blizzard, cercada por mesas e bandeiras dos EUA, estado da Califórnia e jogos da empresa. Quando perguntei em qual prédio estava sendo desenvolvido o novo MMO da empresa, outro jornalista sugeriu que era no subterrâneo. Mas logo o representante da Blizzard retrucou: “Não, não... no subterrâneo fica a equipe de Diablo III”. Brincadeira, lógico... “Dedicada a criar as mais épicas experiências de entretenimento... de todos os tempos.” Esse é o lema cravado na placa ao pé da estátua. No centro, um momento “Make Love, Not Warcraft” em plena luz do dia. A estátua é rodeada pelos oitos valores centrais que regem a Blizzard: - Jogabilidade em primeiro lugar; - Comprometimento com a qualidade; - Jogue bem, jogue limpo; - Assuma seu geek interior; - Todas as vozes são importantes; - Pense globalmente; - Lidere responsalvemente; - Aprenda e cresça.


Exibição do São Cines aborda opressão contra rurais e indígenas | LOID João Mauricio / 18 de maio de 2014 Tem mais cinema em maio no SESC São Carlos! No dia 27/05 a São Cines apresentará uma sessão especial a respeito das condições de trabalho impostas aos brasileiros diariamente, abordando as perspectivas oprimidas dos rurais e dos indígenas. O média-metragem Migrantes trata, por meio de depoimentos e imagens marcantes, da relação de direito, trabalho e saúde dos rurais nordestinos migrantes que vão trabalhar nos canaviais do interior de São Paulo no corte da cana-de-açúcar. A ruptura com a família, condições precárias de vida, excesso de trabalho e falta de assistência à saúde são alguns dos problemas abordados. Já o curta À Sombra de um Delírio Verde traz o fato de que mais de 40 mil Guarani Kaiowá, expulsos pelo contínuo processo de colonização, vivem hoje em menos de 1% de seu território original. Sobre suas terras encontram-se milhares de hectares de cana-de-açúcar plantados por multinacionais que, juntamente com governantes, apresentam o etanol para o mundo como o combustível “limpo” e ecologicamente correto. Na região Sul do Mato Grosso do Sul, fronteira com Paraguai, o povo indígena com a maior população no Brasil trava, quase silenciosamente, uma luta desigual pela reconquista de seu território. Convidamos a todxs para conhecer essas obras inéditas gratuitamente na bela estrutura que o teatro do SESC nos oferece. Confira detalhes e confirme sua presença: Sinopse: Por meio de depoimentos e imagens marcantes, o documentário trata da relação de direito, trabalho e saúde dos trabalhadores rurais nordestinos migrantes que vão trabalhar nos canaviais do interior de São Paulo no corte da cana-de-açúcar. A ruptura com a família, condições precárias de vida, excesso de trabalho e falta de assistência à saúde são alguns dos problemas abordados. Sinopse: Expulsos pelo contínuo processo de colonização, mais de 40 mil Guarani Kaiowá vivem hoje em menos de 1% de seu território original. Sobre suas terras encontram-se milhares de hectares de cana-de-açúcar plantados por multinacionais que, juntamente com governantes, apresentam o etanol para o mundo como o combustível “limpo” e ecologicamente correto. Na região Sul do Mato Grosso do Sul, fronteira com Paraguai, o povo indígena com a maior população no Brasil trava, quase silenciosamente, uma luta desigual pela reconquista de seu território. 18 de maio de 2014 em Arte, Cinema e TV, Cultura. Tags:arte, Brasil, cinema, cultura, filme, são carlos, ufscar ← A ‘Lei Áurea’ dos biógrafos: nova perspectiva para a memória nacional Lourenço Mutarelli: “Foi o meu trabalho que me salvou dos meus demônios e de mim mesmo” →


Tipos de Competição Estatísticas Padrão: Ligas domésticas Compare Victor Abrego to Chutes: Ligas domésticas Estatísticas Variadas: Ligas domésticas Resumo do Clube do Jogador Presença nos Quadros de Campeões, Troféus e Menções Honrosas - Gols Esperados (xG explained) e outros Dados Avançados são oferecidos pela StatsBomb, e estão disponíveis para estas competições. Sobre o FBref.com FBref.com foi lançado (em 13 de junho de 2018) com cobertura das ligas nacionais da Inglaterra, França, Itália, Espanha e Estados Unidos. Desde então temos expandido nossa cobertura para incluir ligas nacionais de mais de 40 países, bem como as copas nacionais, super copas e ligas da juventude dos principais países europeus. Também adicionamos cobertura para as principais copas internacionais como a Liga dos Campeões da UEFA e a Copa Libertadores. O FBref inclui o que acreditamos ser uma das fontes mais completas para dados do futebol feminino na internet. Isso inclui todo o histórico da Copa do Mundo Feminina da FIFA bem como as temporadas nacionais recentes de nove países. Em colaboração com StatsBomb, incluímos avançados dados analíticos como xG e xA para competições selecionadas. Para saber mais sobre o modelo de gols previstos e quais competições são cobertas, visite nossa explicação xG. A equipe de referência de esportes, hoje, é totalmente formada por falantes de inglês e espanhol. Temos a intenção de atender nossos clientes não importando qual a sua língua materna. Assim, faremos o melhor a nosso alcance para traduzir nosso website para o Português. Caso encontre um erro ou palavra, frase ou abreviação mal colocados, pedimos que nos informe e tentaremos corrigir o problema com a brevidade possível. Note que os registros de jogadores possivelmente não contêm suas carreiras completas. Os jogadores podem vir ou ir para ligas que não cobrimos atualmente. Esse problema diminuirá com o passar do tempo à medida que adicionamos novas ligas e temporadas. Nunca teremos menos dados do que temos hoje. FBref atualmente não contém publicidade. O único pagamento que pedimos é que você avise a gente caso encontre um problema, para que possamos continuar melhorando. Você pode se cadastrar para receber um e-mail quando novos países e recursos forem lançados. Para mais informações, consulte nossa Publicação de Lançamento de Blog, a página de ligas/competições gerais com detalhes sobre ligas e temporadas que incluímos ou nossa Página Sobre Nós. Entre em contato conosco caso encontre algum problema ou tenha uma sugestão. O FBref é uma das sete páginas do Sports-Reference.com.


II – a investidura em cargo ou emprego público depende de aprovação prévia em


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text: Software () é um termo técnico que foi traduzido para a língua portuguesa como suporte lógico e trata-se de uma sequência de instruções a serem seguidas e/ou executadas, na manipulação, redirecionamento ou modificação de um dado (informação) ou acontecimento. "Software" também é o nome dado ao comportamento exibido por essa sequência de instruções quando executada em um computador ou máquina semelhante, além de um produto desenvolvido pela engenharia de software e inclui não só o programa de computador, propriamente dito, mas, também, manuais e especificações. Para fins contabilísticos e financeiros, o software é considerado um bem de capital. Um software, normalmente, é composto por diversas funções, bibliotecas e módulos que geram um programa executável no fim do processo de desenvolvimento e este que, quando executado, recebe algum tipo de “entrada” de dados (input), processa as informações segundo uma série de algoritmos ou sequências de instruções lógicas e retorna uma saída (output), como resultado deste processamento. Um software bem desenvolvido é, normalmente, criado pela área engenharia de software e inclui não apenas o programa de computador, em si, mas, também, manuais, especificações e configurações. Este produto passa por várias etapas como: análise econômica, análise de requisitos, especificação, codificação, teste, documentação, Treinamento, manutenção e implantação nos ambientes. Software como programa de computador Um programa de computador é composto por uma sequência de instruções, que podem ser em linguagem natural ou codificada, que é interpretada e executada por um processador ou por uma máquina virtual. Em um programa correto e funcional, essa sequência segue padrões específicos que resultam em um comportamento desejado. O termo "software" foi criado na década de 1940, e é um trocadilho com o termo hardware. "Hardware", em inglês, significa "ferramenta física". Software seria tudo o que faz o computador funcionar, através de instruções, excetuando-se a parte física dele. Um programa pode ser executado por qualquer dispositivo capaz de interpretar e executar as instruções de que é formado. Quando um software está representado como instruções que podem ser executadas diretamente por um processador, dizemos que está escrito em linguagem de máquina, conhecido também como código de máquina. A execução de um software também pode ser intermediada por um programa interpretador, responsável por interpretar e executar cada uma de suas instruções. Uma categoria especial e o notável de interpretadores são as máquinas virtuais, como a máquina virtual Java (JVM), que simulam um computador inteiro, real ou imaginado. O dispositivo mais conhecido que dispõe de um processador é o computador. Atualmente, com o barateamento dos microprocessadores, existem outras máquinas programáveis, como telefone celular, sistemas de eletrônica embarcada, calculadora etc. A construção de um programa de computador Um programa é um conjunto de instruções para o processador (linguagem de máquina). Entretanto, podem-se utilizar linguagens de programação, que traduzam comandos em instruções para o processador. Normalmente, programas de computador são escritos em linguagens de programação, pois estas foram projetadas para se aproximar das linguagens usadas por seres humanos. Raramente é usada a linguagem de máquina para desenvolver um programa. Atualmente existe uma quantidade muito grande de linguagens de programação, sendo as mais populares no momento Java, Visual Basic, C, C++, PHP, entre outras. Alguns programas feitos para usos específicos, como por exemplo software embarcado ou software embutido, ainda são feitos em linguagem de máquina para aumentar a velocidade ou diminuir o espaço consumido. Em todo caso, a melhoria dos processadores dedicados também vem diminuindo essa prática, sendo o C uma linguagem típica para esse tipo de projeto. Essa prática, porém, vem caindo em desuso, principalmente devido à grande complexidade dos processadores atuais, dos sistemas operacionais e dos problemas tratados. Muito raramente, realmente apenas em casos excepcionais, é utilizado o código de máquina, a representação numérica utilizada diretamente pelo processador. O programa é, inicialmente, "carregado" na memória principal. Após carregar o programa, o computador encontra o Entry Point ou ponto inicial de entrada do programa que carregou e lê as instruções sucessivamente byte por byte. As instruções do programa são passadas para o sistema ou processador onde são traduzidas da linguagens de programação para a linguagem de máquina, sendo em seguida executadas ou diretamente para o hardware, que recebe as instruções na forma de linguagem de máquina. Tipos de programas de computador Qualquer computador moderno tem uma variedade de programas que fazem diversas tarefas. Eles podem ser classificados em duas grandes categorias: Software de sistema que incluiu o firmware (A BIOS dos computadores pessoais, por exemplo), drivers de dispositivos, o sistema operacional e tipicamente uma interface gráfica que, em conjunto, permitem ao usuário interagir com o computador e seus periféricos. Software aplicativo, que permite ao usuário fazer uma ou mais tarefas específicas. Aplicativos podem ter uma abrangência de uso de larga escala, muitas vezes em âmbito mundial; nestes casos, os programas tendem a ser mais robustos e mais padronizados. Programas escritos para um pequeno mercado têm um nível de padronização menor. Ainda é possível usar a categoria Software embutido ou software embarcado, indicando software destinado a funcionar dentro de uma máquina que não é um computador de uso geral e normalmente com um destino muito específico. Software aplicativo: é aquele que permite aos usuários executar uma ou mais tarefas específicas, em qualquer campo de atividade que pode ser automatizado no computador, especialmente no campo dos negócios. Inclui, entre outros: Aplicações de controle e sistemas de automação industrial. aplicações de informática para o escritório. Software educacional. Software de negócios. Banco de dados. Telecomunicações. Jogos eletrônicos. Software médico. Software de calculo numérico e simbólico. Atualmente, temos um novo tipo de software. O software como serviço, que é um tipo de software armazenado num computador que se acessa pela internet, não sendo necessário instalá-lo no computador do usuário. O cliente pode acessar esse tipo de software, que tem as mesmas funcionalidades das versões armazenadas localmente, de maneira gratuita ou pagar um valor por ele. Outra classificação possível é: Software de sistema: Seu objetivo é separar usuário e programador de detalhes do computador específico que está sendo usado. O software do sistema lhe dá ao usuário interfaces de alto nível e ferramentas que permitem a manutenção do sistema. Inclui, entre outros: Sistemas operacionais Drivers ferramentas de diagnóstico ferramentas de correção e otimização Servidores Software de programação: O conjunto de ferramentas que permitem ao programador desenvolver programas de computador usando diferentes alternativas e linguagens de programação, de forma prática. Inclui, entre outros: Editores de texto Compiladores Intérpretes Linkers Depuradores Ambientes de Desenvolvimento Integrado : agrupamento das ferramentas anteriores, geralmente em um ambiente visual, de modo que o programador não precisa digitar vários comandos para a compilação, interpretação, depuração, etc. Geralmente equipados com uma interface de usuário gráfica avançada. Licenças A maioria dos softwares é publicada sob uma licença de software. Essa licença define e até restringe qual a forma que se pode utilizar o software definido números de licenças, modificações entre outros. Exemplos de licenças: GNU General Public License Licença BSD Licença Apache Licença comercial Licença de software Licença de software livre Software livre Freeware Shareware Demo Trial Ver também Liberação de software Fabricantes de software Vigilância de Computadores e Redes Pirataria de software Pirataria na Internet Palavras, frases e expressões em inglês Terminologia informática Ciberespaço Espionagem Informação sensível Segurança da informação Agências de inteligência


Temporal com granizo destrói construções e plantações em Pedrinhas Paulista, SP Uma célula localizada de temporal atingiu o interior do município de Pedrinhas Paulista, no centro-oeste de São Paulo, na madrugada desta quinta-feira (18) provocando muitos estragos. A tormenta, que teve início entre os municípios de Primeiro de Maio e Sertaneja, ambos no norte do Paraná, rapidamente apresentou deslocamento ganhando força sobre terras paulistas. Propriedades rurais às margens do rio Paranapanema foram atingidas por granizo e fortes rajadas de vento. De acordo com a administração municipal, o granizo chegou a acumular no solo e as fortes rajadas de vento destruíram construções, dentre barracões e casas. Árvores e postes também caíram e boa parte de uma lavoura de milho foi destruída. Não houve registro de feridos, apesar dos estragos. A refletividade emitida por radares meteorológicos do Instituto de Pesquisas Meteorológicas da Universidade do Estado de São Paulo (Ipmet/Unesp) às 4 horas (Brasília) indicou severidade entre Maracaí e Pedrinhas Paulista. (Crédito das imagens: Reprodução/Google – Reprodução/Ipmet/Unesp – Reprodução/Gazeta Regional via WhatsApp DONTM (18) 99681-1555) Tags: temporal, granizo, Pedrinhas Paulista


text: A polícia abriu inquérito para investigar se houve dano ambiental e as circunstâncias da morte de um funcionário da Petrogold. Segundo o Corpo de Bombeiros, cerca de 2 milhões de litros de combustível estavam armazenados nos tonéis. O funcionamento da Petrogold já é alvo de investigação desde 2009. Segundo o Instituto Estadual do Ambiente, o município tinha poder para conceder a autorização apenas para empreendimentos de pequeno porte, como postos de gasolina. Quem depende de uma van para chegar em casa está apreensivo. A prefeitura determinou que os consórcios reforcem algumas linhas de ônibus. A Secretaria Municipal de Transportes informou que a fiscalização será rigorosa nas ruas. Uma nova proposta para a construção do pier, na Zona Portuária, pode acabar com uma discussão sobre a ampliação do porto do Rio. Pelo projeto, o pier ficaria mais afastado da Praça Mauá. Bombeiros tentam apagar últimos focos de incêndio em Caxias. Vans ficam proibidas de circular em toda a Zona Sul e em vias importantes da Zona Norte. Eduardo Paes sugere nova localização do cais para ancorar transatlânticos. Incêndio em depósito de combustível em Caxias mata uma pessoa. Traficante é morto após troca de tiros com a polícia no Alemão. Médico que atirou cães do sexto andar de prédio em Copacabana é internado no Pinel. Prefeitura afirma que não vai mudar novo sistema de venda de bilhetes do Corcovado. Exército recebe tanques alemães que serão usados na segurança da Copa das Confederações. Monumento de Zumbi dos Palmares é pichado. Agentes revelam histórias de agressão de menores unidades superlotadas. Taxista é agredido por motoqueiro em Copacabana. Jovem envolvido em farra das motocicletas em Nilópolis é identificado. Itamaraty confirma morte de três turistas cariocas em queda de balão na Turquia. MP pede desarquivamento contra policiais acusados de matar traficantes há 19 anos. Prefeitura do Rio lança primeiro conjunto residencial na Zona Portuária.


Adoro a combinação de espinafre e ricota. Ela fica ainda melhor nesta torta com massa phyllo. Agrada a todos, não só pelo paladar como pelo visual convidativo. Basta uma saladinha caprichada para acompanhar. A massa phyllo que eu compro, acima, vem com 2 pacotes dentro da caixa. Cada um tem 20 folhas. Como uso só a metade de um pacote para esta receita, aproveito o restante para outra coisa. Convém prestar atenção nas instruções de uso da caixa antes de usar o produto, pois requer descongelamento prévio. Ingredientes: 1 cebola pequena picada 1 molho de espinafre OU 1 caixa de espinafre congelado de 255 g (9 oz) 500 g de ricota cremosa Sal Pimenta-do-reino 10 folhas de massa phyllo Azeite de oliva extra virgem Modo de Preparar: Se for usar espinafre ao natural, lavar bem as folhas, colocar numa panela com água fervente por alguns segundos, a fim de que as folhas murchem. Escorrer a água, removendo bem o excesso das folhas. Colocar o espinafre sobre uma tábua e bater com uma faca afiada. Reservar. Numa panela, em fogo médio, dourar a cebola num fio de óleo. Acrescentar o espinafre batidinho. Temperar com sal e pimenta e refogar um pouco. Remover a panela do fogo e acrescentar a ricota. Misturar muito bem. Reservar. Sobre a bancada da pia, besuntar, com a ajuda de um pincel de cozinha, uma folha de massa phyllo com o azeite de oliva. Besuntar a segunda folha e colocar sobre a primeira, mas em posição diversificada. Por exemplo, uma na posição horizontal e outra na posição vertical. Proceder da mesma maneira com todas as folhas, sempre alterando a posição de cada folha, a fim de obter o formato de um circulo. Depois disto, colocar a massa phyllo dentro do prato, ajeitando delicadamente. As bordas do circulo ficarão para fora do prato. No centro colocar o recheio de espinafre e ricota. Fechar com cuidado as bordas da massa, em direção ao centro, um pouquinho de cada vez. Ela ficará semelhante a um pacotinho. Não precisa ser perfeito. Pincelar a massa com óleo por cima. Levar para assar em forno pré-aquecido a 190oC (375oF) até que a massa esteja bem douradinha. Servir em seguida.


O estudo do monte Sinai descobre a relação potencial entre Crohn e Parkinson na população judaica Os pesquisadores do monte Sinai apenas descobriram que os pacientes na população judaica de Ashkenazi com doença de Crohn (um inflamatório crônico do sistema digestivo) são mais prováveis levar a mutação genética LRRK2. Este gene é a causa genética principal da doença de Parkinson, que é uma desordem de movimento. Os resultados do estudo, publicados na introdução do 10 de janeiro de 2018 da medicina Translational da ciência, e caracterizados na tampa, poderiam ajudar doutores melhor a compreender a doença de Crohn, determinar especificamente quem é em risco, e desenvolver drogas novas para o tratamento e/ou a prevenção visando este gene específico. De “a doença Crohn é uma desordem complexa com genes múltiplos e o pesquisador explicado envolvido Inga Peter do chumbo dos factores ambientais, que afecte desproporcional indivíduos da ascendência judaica de Ashkenazi,”, professor da genética e de ciências Genomic na Faculdade de Medicina de Icahn no monte Sinai em New York City. “A presença das mutações LRRK2 compartilhadas nos pacientes com doença de Crohn e doença de Parkinson fornece a introspecção refinada em mecanismos da doença e pode ter implicações principais para o tratamento destas duas doenças convenientemente não relacionadas.” O Dr. Peter e uma equipe de investigador do monte Sinai usou dados internacionais da última década até o presente para analisar a ocorrência de 230.000 mutações genéticas de codificação no genoma humano de 2.066 pacientes com doença de Crohn e comparou-os a 3.633 povos sem a desordem. Todos eram da descida judaica de Ashkenazi. Identificaram as mutações no gene LRRK2 que são encontradas mais freqüentemente em casos da doença de Crohn em relação aos indivíduos não afectados. Quando descobriram uma relação entre Crohn e as mutações genéticas LRRK2 foram mais avaliar o genético possível ligam entre Crohn e Parkinson. A equipe olhou então uma amostra muito maior de 24.570 povos que incluem pacientes com Crohn, Parkinson, e nenhuma doença de todo (cada assuntos judaicos e não-Judaicos consistidos grupo). O estudo encontrou duas mutações do gene LRRK2 em pacientes da doença de Crohn. Um deles (chamado a mutação do risco) era mais comum nos pacientes com Crohn, quando o outro (a mutação protectora) era mais predominante nos pacientes sem a doença. A maioria de pacientes da doença de Crohn que levaram a mutação do risco desenvolveram a doença em média seis anos mais adiantado do que aqueles que não levaram esta mutação. A pesquisa igualmente mostra que os pacientes de mais Crohn com a mutação do risco desenvolveram a doença no intestino delgado, comparado àqueles sem a mutação. Se a doença começa no intestino delgado, torna-se mais difícil controlar e conduz-se frequentemente às complicações e às cirurgias. É importante notar que o efeito destas mutações estêve observado em populações judaicas de Ashkenazi e em populações não-Judaicas. “Definir a biologia de mutações protectoras naturais é bastante importante, porque definem desejaram resultados para terapias potencial novas,” explicaram o co-autor Judy H. Cho, DM, director do centro de Sanford Grossman para estudos Integrative na doença de Crohn, e Charles F. Bronfman Instituto do estudo para a medicina personalizada na Faculdade de Medicina de Icahn no monte Sinai. “Identificar as mutações genéticas associadas com o risco da doença é um modo eficaz compreender melhor mecanismos da doença, para identificar em risco indivíduos, e para desenvolver alvos novos da droga para tratar a doença,” o Dr. Peter adicionou. “Nossa pesquisa pode igualmente ajudar a identificar os indivíduos que beneficiariam as a maioria de terapias de LRRK2-directed, contribuindo desse modo ao campo da medicina personalizada.”


text: A América do Norte provavelmente testemunhará um crescimento considerável no mercado global de conectores de fibra ótica híbrida durante o período de previsão. Prevê-se que os EUA sejam o mercado mais lucrativo da região, devido à enorme produção de conectores híbridos de fibra ótica alavancados por avanços tecnológicos. No Oriente Médio e na África, os Emirados Árabes Unidos e a Arábia Saudita devem impulsionar o mercado de conectores de fibra ótica híbrida da região, devido ao crescente uso de conectores no setor de petróleo e gás. Documento em Cartório serve como prova, diminui custos e agiliza ação judicial – Colégio Notarial do Brasil – Seção Minas Gerais NotíciasHome Notícias Documento em Cartório serve como prova, diminui custos e agiliza ação judicial Ata Notarial é forma de atestar situações corriqueiras sem burocracia e acelerar o andamento da ação ou conclusão de investigação Comprovar a existência de um post ou de conversa pelo WhatsApp, analisar o estado de um imóvel ou as más condições de um local de trabalho são situações que podem se transformar em provas com simples instrumento feito em Cartório e assim embasar inquéritos e processos judiciais por meio da Ata Notarial. Resolver um caso na Justiça pode se arrastar por anos, principalmente, quando faltam elementos para que o Juiz tome uma decisão. É aí que a Ata Notarial entra como forma de atestar situações corriqueiras, sem burocracia, e agilizar o andamento da ação. No documento, lavrado em Cartório, o Tabelião – autoridade com fé pública – narra de forma imparcial um fato presenciado por ele ou seu Escrevente autorizado. E hoje não faltam casos bem sucedidos graças a esse tipo de recurso. Recentemente, como a Ata de depoimento de vizinhos, lavrada por certo Tabelionato de Campo Grande, a qual foi determinante para que a Justiça decidisse sobre a reintegração de posse de imóvel rural. Na decisão, o Desembargador do TJMS (Tribunal de Justiça de Mato Grosso do Sul) cita que a Autoridade Notarial foi até o imóvel e por meio de entrevistas aos moradores dos imóveis lindeiros, constatou que a família requerente realmente residia no local. O Tabelião pode gravar depoimentos. Isso abrevia a instrução probatória em um processo e, claro, diminui custos. Em termos de Direito Comparado, é possível fazer alusão ao modelo norteamericano, no qual a opção pela via jurisdicional é o último recurso, apenas em casos de prova complexa e verdadeiro litígio. É muito comum a retratação de ‘audiências extrajudiciais’ em escritórios de advocacia, com a presença do ‘notary public’, nos famosos seriados americanos. É uma tendência mundial e irreversível de desjudicialização”, explica Débora Catizane, Tabeliã de Notas e Presidente do Colégio Notarial do Brasil, Associação de Classe que representa os Tabeliães do Estado do Mato Grosso do Sul. Numa outra demanda judicial, a Ata Notarial foi usada como prova por uma instituição financeira que era processada por ex-funcionária. O documento “eliminou qualquer dúvida” e esclareceu que a empregada não exercia função de risco, conforme julgou o Desembargador da Justiça do Trabalho ao negar o adicional de periculosidade para a trabalhadora. Mais um exemplo que a Ata Notarial pode ser empregada como prova são os pedidos de indenização por difamação nas redes sociais. Postagens, comentários e curtidas podem ser apagados, mas, com a inserção das publicações no Livro de Notas em Cartório, de forma pérpetua e segura, a vítima facilmente comprova a ofensa. “O fato pode desaparecer com o tempo, razão pela qual é importante agilidade na formação da prova, por meio da lavratura da Ata, contando com a eficiência, atributo inerente à função notarial. Desse modo, o ofendido tem seus direitos resguardados. A Ata é uma ferramenta muito útil, podendo ser utilizada de inúmeras formas, em particular como estratégia processual de produção antecipada de provas. Embora conhecida e presente expressamente no ordenamento jurídico desde 1994, muitos operadores do Direito deixam de se valer desse valioso instrumento”, Débora Catizane. Em investigações – Outro caso recente e de repercussão internacional é exemplo do uso da Ata Notarial como prova. O recurso foi utilizado até na investigação de estupro, aberta contra o jogador de futebol Neymar Júnior.


Tensão! Homem viraliza após capturar jacaré com lata de lixo na Flórida, e técnica inusitada surpreende; assista! - Hugo Gloss Gabriel Bastos - Publicado em 29/09/2021 às 18:42 . Nesta terça-feira (28), um homem de Orlando, na Flórida, viralizou após capturar um jacaré de maneira surpreendente, usando uma lata de lixo. A técnica inusitada de Abdul Gene Malik e a tensão da cena deram o que falar. Não à toa, o vídeo circulou o mundo e atingiu milhões de visualizações pelas redes sociais. Abdul se deparou com o réptil escondido entre os arbustos e tentou fazer com que o animal entrasse na lata de lixo. Contudo, a cada passo dele, o jacaré andava cada vez mais pra trás, com sua boca aberta e os dentões expostos. Para piorar a situação, o homem não conseguia enxergar o bicho completamente através de seu campo de visão. “Alguém me avise quando ele estiver lá dentro”, pediu Malik. Instantes depois, Abdul foi informado de que a cabeça do jacaré já estava lá dentro, quando ele girou a tampa e acertou a cabeça de seu “visitante”. Com isso, o animal ficou impaciente e começou a debater seu rabo para um lado e para o outro, podendo revidar com um ataque a qualquer momento. Mas o homem seguiu com a lata de lixo, começou a incliná-la e fechou o animal lá dentro, para a alegria de todos ao redor. Um sufoco! Assista: Em outro vídeo, também compartilhado por Abdul, ele mostrou o que aconteceu na sequência. Após capturar o jacaré, o residente dos Estados Unidos levou a lata de lixo até a beira de um lago, onde liberou o réptil para que ele voltasse para a água. Felizmente, a operação deu certo! Confira: Haja coragem! Em entrevista ao BuzzFeed, Abdul contou por que fez aquilo e afirmou que já é preparado para lidar com essa situação. Mas ele não esconde que ficou assustado... “Só um pouquinho, mas não realmente [com medo]. Eu sou veterinário – já passei por tudo isso! Eu só estava totalmente no ‘modo pai’ tentando proteger minhas crianças”, disse. Ele também deixou claro que não queria machucar o bichinho. “[Estava] determinado a levá-lo de volta para sua casa pacificamente, sem causar nenhum dando”, explicou. Na web, muita gente se divertiu com essa história, seja pelo conceito do “Florida Man” (Homem da Flórida) nas manchetes ou, principalmente, pelo look que Malik usava na ocasião. “O cara estava de meias e chinelos. Esse é o uniforme oficial do Homem da Flórida”, escreveu um perfil. “O maluco pegando um jacaré com uma lata de lixo e chinelo e meia”, chocou-se uma internauta. Veja mais reações abaixo: o maluco pegando um jacaré com uma lata de lixo e chinelo e meia https://t.co/lExh2igJ0C — isa rosa (@maranhoisabelle) September 29, 2021 “FINALMENTE... Um homem da Flórida pelo qual os floridenses podem se orgulhar” a lata de lixo eh nada mais nada menos doq um jacare com a boca maior https://t.co/XR6AVgOaFS — פרנק (@mordkhe) September 29, 2021 Sempre penso muito no conceito de Florida Man https://t.co/fg6FjKzQHs — ChernoBrisa (@maralicepa) September 29, 2021 “Eu tenho uma fobia real de jacarés e crocs. A razão principal por eu não conseguir aproveitar completamente uma viagem à Flórida”, contou um internauta. “Eu não acho que são crocs, acho que são algum tipo de sandálias”, brincou um perfil em resposta. I don't think they are crocs, they are some kind of sandals. — Dangerously Talented (@Dangerouslytal) September 29, 2021 Tags: Estados Unidos Flórida Homem Jacaré Lata de lixo Viral Notícia anterior Pai de Gabriel Medina revela reconciliação com filho após 20 anos de relação estremecida, e aponta origem de atritos: “Choramos muito”; confira! Próxima notícia Grey’s Anatomy: Ellen Pompeo revela briga com Denzel Washington nos bastidores da série: “Fiquei tipo, ‘Escuta, filho da p*ta'”


text: As câmaras de ar da Maxxis são produzidas pelo maior fabricante de pneus do mundo, sob rígidos padrõ... Câmara para Bike aro 27,5 CST Câmara de ar para rodas 27,5. Válvula de 48mm. Compatível com pneus 29 X 1.75 a 2.125. As câmaras da... Câmara para Bike aro 29 CST Câmara de ar para rodas 29. Válvula de 48mm. Medida da câmara: 700 X 47/52. Compatível com pneu de 2... Câmara de ar para bike. Compatível com aros 26" e pneus com medidas 1.90 a 2.125. Vávula Presta (bic... Câmara para Bike CST 700 x 19/23c Válvula presta (bico fino). Medidas: 700 x 19/23c. Aderência a remendos à quente ou frio. Espessura... RD-R9100-SS DURA-ACE - Câmbio traseiro - SHIMANO SHADOW RD - 11 velocidades O câmbio 9100 da DURA-AC... RD-9000-SS DURA-ACE - Câmbio traseiro - SHIMANO SHADOW RD - 11 velocidades O RD-9000 da DURA-ACE faz... O Câmbio Traseiro Sram GX Eagle não somente corresponde à necessidade de uma capacidade maior de tro... Camisa Ciclismo Elite Bike Colors UV 50 Bike Miles Hundred Blusa Bike feminina ELITE é ideal para as suas pedaladas. Sair para pedalar agora ficou Incrivél. A... Esta camisa bike é perfeita para quem gosta de se destacar. A estampa digital exclusiva com grafismo... Camisa Ciclismo Elite Colors Uv 50 Bike Tour Do Rio Blusa Bike feminina ELITE é ideal para as suas pedaladas. Confeccionada com material macio que se aj... Para pedalar com conforto e estilo você precisa vestir o que há de melhor. Esta blusa bike feminina... Camisa Ciclismo Elite Uv 50 Bike Burgos Esta blusa bike Elite tem tudo o que as mulheres mais gostam, conforto e tecnologia para uma melhor... Camisa Ciclismo Elite Uv 50 Bike Chiloe Camisa Bike Masculina ELITE é ideal para suas pedaladas.Confeccionada com material que se ajusta ao... Camisa Ciclismo Elite Uv 50 Bike Tokio Esta camiseta para bike produzida em malha Flexin é ideal para quem quer visibilidade e conforto no... As camisas bike masculinas Elite reúnem o que há de melhor em tecido e modelagem. Esta, produzida em...


text: Vistoria Moto Cotar Jardim Ibirapuera - Vistoria de Moto - Prátika Vistoria Veicular vistoria moto cotar Jardim Ibirapuera Como você está pesquisando por vistoria moto cotar Jardim Ibirapuera, entenda que no geral esta solução pode ser resumida em um processo obrigatório para que consiga fazer a transferência do veículo. Caso queira mais informações sobre vistorias de moto saiba que desempenha a função de analisar as condições gerais do veículo. Pesquisando por vistoria moto cotar Jardim Ibirapuera? Conte com a Pratika Vistoria Veicular para solicitar serviços do ramo de Vistoria Veicular, por exemplo, laudo cautelar, vistoria cautelar, laudo cautelar veicular, laudo de transferência, vistoria veicular para transferência e laudo de vistoria veicular. A empresa conta com um time de profissionais qualificados para o serviço, além de investir em equipamentos modernos, que se ajustam a sua necessidade. Entre em contato com nossos profissionais e tenha todo o suporte que precisa. Além dos serviços já citados, também trabalhamos com empresa de vistoria veicular e laudo transferência. Entre em contato agora e tire todas as suas dúvidas com nossa equipe. O conteúdo do texto "Vistoria Moto Cotar Jardim Ibirapuera" é de direito reservado. Sua reprodução, parcial ou total, mesmo citando nossos links, é proibida sem a autorização do autor. Crime de violação de direito autoral – artigo 184 do Código Penal – Lei 9610/98 - Lei de direitos autorais.


Transfira o QGIS para a sua plataforma Os pacotes binários (instaladores) estão disponíveis nesta página. A versão atual é QGIS 3.8.3 'Zanzibar' e foi lançada em 13.09.2019. Os repositórios de longo prazo atualmente disponibilizam o QGIS 3.4.12 'Madeira'. O QGIS está disponível para Windows, MacOS X, Linux e Android. Atualmente estamos em paragem de desenvolvimento de funcionalidades precedente à versão QGIS 3.10. Por favor considere o teste das pré-versões . Veja road map. Transferência de instaladores QGIS no OSGeo4W: No instalador escolha Instalação Rápida em Desktop e seleccione QGIS para instalar a última versão. Para obter o lançamento com suporte a longo prazo (que não é a nossa última versão) escolha Instalação Avançada e selecione qgis-ltr-full Para obter a compilação de desenvolvimento total, escolha Instalação Avançada e selecione qgis-dev-full Instaladores Standalone dos pacotes OSGeo4W Última versão (rica em funcionalidades): QGIS Versão 3.8 (64 bits) - Instalador Standalone QGIS Versão 3.8 (32 bits) - Instalador Standalone Repositório da versão de suporte de longo prazo (mais estável): QGIS Versão 3.4 (64 bits) - Instalador Standalone QGIS Versão 3.4 (32 bits) - Instalador Standalone Tranferir para Mac OS X Instalador QGIS macOS Versão 3.8 Versão de suporte de longo prazo (mais estável): Instalador QGIS macOS Versão 3.4 Instaladores Mac para macOS El Capitan (10.11) e mais recentes. As instruções de instalação estão no Leia-me na imagem do disco. Estes instaladores usam a python.org Python 3, versão 3.6, do build do "macosx10.9" - as outras distribuições não são suportadas. Instale o Python antes de instalar o QGIS. módulos adicionais do formato GDAL e grelhas PROJ estão disponíveis em kyngchaos.com. Para vários tipos de pacotes binários de GNU/Linux (rpm e deb) ou estão disponíveis repositórios de software (para adicionar ao seu gestor de instalações). Por favor, selecione a sua escolha de distro abaixo: Transferir para BSD Pode ser encontrado aqui um lançamento experimentalPlay Store Instruções mais específicas sobre a transferência de QGIS estável versus QGIS desenvolvimento podem ser encontradas em Todas as transferências. Para propósitos de teste e aprendizagem, está disponível um conjunto de dados de amostra, que contém colecções de dados de diferentes fontes e em diferentes formatos. More older releases are available aqui and for OS X aqui. Os módulos para QGIS também estão disponíveisaqui. O Código Fonte do QGIS está disponível aqui (último lançamento) and aqui (lançamento de longo prazo) Tenha em atenção que você também pode instalar a versão de desenvolvimento (nightly) por meio de um instalador a partir das transferências normais da sua plataforma: aqui


Como Avaliar se Franquias a Venda são um Bom Negócio Como avaliar se franquias a venda (que já estejam em operação) são um bom negócio Publicado em 21 de outubro de 2014 | Atualizado em 02 de setembro de 2019 Para empreendedores a procura de boas oportunidades, a compra de uma franquia pode ser a solução para dar seu primeiro passo para a independência profissional e financeira. Quando essa oportunidade vem com a chance de adquirir franquias a venda, já em funcionamento, saber como avaliar riscos versus oportunidades torna-se fundamental para uma boa tomada de decisão. Por inúmeras razões, franqueados podem desistir do seu negócio e optar pelo repasse de suas franquias em operação. Isto não necessariamente significa que a empresa é ruim ou fracassada. Adquirir franquias em operação pode sim ser uma excelente oportunidade para novos empresários, desde que observados alguns cuidados. Estudar o negócio, compreendendo todos os aspectos da franquia em questão é o primeiro passo. Dentre as principais vantagens de adquirir uma franquia em operação, estão: a boa liquidez do negócio, já que uma franquia em funcionamento não possui interrupção do seu fluxo financeiro; a manutenção do processo de valorização da marca; a experiência; base de clientes já formada e processos operacionais ajustados, que são itens estratégicos entregues prontos para o novo dono. O que observar antes de adquirir uma franquia em operação? Qualquer processo de compra envolve também certo nível de risco, por isso é fundamental investigar todas as possíveis dificuldades presentes na franquia em operação. Esta investigação possibilitará, dentre outras coisas, minimizar riscos contratuais, jurídicos ou trabalhistas, por exemplo. Antes de comprar qualquer franquia em operação, questões básicas como a definição do modelo de repasse precisam ser definidas. Escolher se haverá o repasse da Pessoa Jurídica ou somente do negócio, surgindo então um CNPJ diferente do atual. Esta escolha de modelo impactará diretamente em questões trabalhistas, contratuais de locação, possíveis cobranças de taxas de transferência, pagamentos de impostos, dentre outras. Portanto, não abra mão de realizar auditorias comerciais, jurídicas e contábeis para checar os riscos e estar bem seguro antes de dizer o sim. 5 passos a seguir depois de dizer sim a franquias em operação Você decidiu optar por investir em franquias a venda, confira então o que não pode faltar na sua lista de ação: Conheça e domine a região ao redor: Complemente e atualize o estudo de mercado feito pelo dono anterior. Trace um novo plano estratégico: Com os dados coletados trace um novo plano estratégico para atrair nova clientela. Mantenha a equipe a seu favor: A mudança de liderança pode gerar pânico, mostre a todos que a mudança será positiva. Foque nos clientes: Aprimore o relacionamento para mantê-los fidelizados e reconquistar alguns que porventura tenham se perdido. Mantenha a mente aberta: Para inovar é preciso manter a visão atenta às constantes novidades. Tags: franquia em funcionamento, franquia em operação, riscos


Estilo Bem Casado: Brinquedo Fashion para Inspiração... ou não Quem não conhece o famoso blog The Srtorialist, de Scott Schuman? Bom, para quem por acaso não conheça clica no link aí em cima e vá conhecer... pois Scott é especialista em captar nas ruas, looks inspiradores que disponibiliza para os fashionistas around the world e já publicou até um livro com as melhores fotos publicadas no blog. Show né? Mas hoje não vim fala do Blog The Sartorialist e sim do site The Sartorial-Twist - a random fashion generation. Esse site é um que pega as imagens aleatoriamente do The Sartorialist e faz uma misturinha... alguns looks ficam legais, divertidos e outros muito engraçados. Vale a brincadeira, gente! Essa é a primeira dica fashion do mês julho. Espero que gostem e se divirtam. Marcadores: Achados, Fashion, Nota do Dia, Novidades


text: Depois de (meio que) sair do armário na semana passada, Frank Ocean passou os últimos dias recebendo apoio de diversas personalidades do hip hop – do Tyler the Creator ao mr. Russell Simmons – e divulgando seu novo álbum, channel ORANGE. Isso significa, também, estrear ao vivo na TV. Com o Roots como banda de apoio, Ocean mandou uma versão impecável de “Bad Religion”, track do disco novo, no programa do Jimmy Fallon. Assista à apresentação no vídeo abaixo. Além disso, Ocean já colocou o disco para streaming em seu tumblr oficial. O álbum já está disponível para download no iTunes e deve chegar às lojas (nos EUA) no dia 17. Clique aqui para ouvir channel ORANGE.


Notícia: Activate Persistence Framework 1.0 - Javafree: O fórum de Java que mais cresce Notícia: Activate Persistence Framework 1.0 Publicado em: 30/08/2012 17:56:37 Lançada a versão 1.0 do Activate. Conheça mais sobre esse framework de persistência que promete simplicidade, consistência e escalabilidade utilizando-se de um paradigma de persistência baseado em Software Transactional Memory. O Activate é um framework LGPL de persistência em Scala. Ele é um STM (Software Transactional Memory) durável, com persistência plugável. Seu núcleo é o RadonSTM, que provê um poderoso para controle de transações em memória, analogo às transações nos bancos de dados, para fazer controle de concorrência otimista. A durabilidade das transações é plugável com bancos de dados relacionais (JDBC), prevalente (Prevayler) e não relacional (MongoDB). Principais benefícios do Activate: - Transações atômicas, consistentes e duráveis. Você pode usar entidades sem se preocupar com problemas de concorrência. - Persistêcia transparente. As alterações e criações de entidades são automaticamente persistidas. Não são necessários métodos como save, merge, update, etc. - As entidades estão sempre consistentes em memória e na camada de persistência. Por exemplo, se houver um rollback, as entidades em memória continuam consistentes. - Refinado controle de propagação de transações, incluindo transações aninhadas. - As entidades são carregadas de forma lazy e inicializadas quando necessário. - As consultas são type-safe e consistentes, mesmo com os objetos novos criados na transação. Uma entidade criada na mesma transação pode ser retornada em uma consulta. - A memória disponível é utilizada de forma eficiente através de soft references, minimizando a conversa com o banco de dados e maximizando a performance. O framework também possui: - Mecanismo de migrations padronizado para evolução de schema do Banco de Dados - Validação baseada em Design by Contract - Integração com o Play Framework Exemplo de aplicação utilizando o Activate: Configuração (contexto de persistência): object postgresqlContext extends ActivateContext { def contextName = "postgresqlContext" val storage = new PooledJdbcRelationalStorage { val jdbcDriver = "org.postgresql.Driver" val user = "USER" val password = "PASS" val url = "jdbc:postgresql://127.0.0.1/postgres" val dialect = postgresqlDialect } } Importando do contexto: import postgresqlContext._ Através desse import, os tipos e métodos necessários para utilizar o Activate estarão no escopo. Definindo algumas entidades: trait Person extends Entity { var name: String // Invariantes são predicados de validação verificados automaticamente // no ciclo de vida da entidade. São métodos especiais: def invariantNameMustNotBeEmpty = invariant { name != null && name.nonEmpty } } class NaturalPerson(var name: String, var motherName: String) extends Person class LegalPerson(var name: String, var director: NaturalPerson) extends Person Criando e alterando uma entidade: transactional { val person = new NaturalPerson("John", "Marie" person.name = "John2" println(person.name) } transactional { // Retorna todas as pessoas all[Person] // Retorna as pessoas de acordo com os critérios allWhere[NaturalPerson](_.name :== "John2", _.motherName :== "Marie" // Consulta utilizando join (from = LegalPerson, Natural Person) query { (company: LegalPerson, director: NaturalPerson) => where(company.director :== director) select (company, director) } // Consulta utilizando propriedade aninhada query { (company: LegalPerson) => where(company.director.name :== "John2" select (company) } } Publicado em: 31/01/2013 12:47:49 Quero testar mas realmente parece bem interessante.


text: Oskar Morgenstern (Görlitz, Alemanha, — Princeton, Estados Unidos, ) foi um economista austríaco. É considerado um dos fundadores da teoria dos jogos. Morgenstern trabalhou na Universidade de Viena até ser demitido pelos nazistas em 1938, tendo então emigrado para os Estados Unidos, onde se tornou professor da Universidade de Princeton. O trabalho que mais contribuiu para a sua fama foi Theory of Games and Economic Behavior (em tradução livre, "Teoria dos Jogos e Comportamento Econômico", de 1944), escrito em parceria com o renomado matemático John von Neumann, que lançou definitivamente as bases da teoria dos jogos e também da teoria da escolha sob incerteza. Outro trabalho fundamental, este escrito a solo, foi On the Accuracy of Economic Observations, de 1950. Morgenstern, Oskar !Mais Teoria da História na Wiki (Wikiconcurso de edição)