Nasce in Francia negli anni Venti, definito nelle sue linee programmatiche dallo scrittore André Breton nel
&quot;Primo manifesto surrealista&quot; del 1924 nel quale si afferma la volontà di saldare la realtà storica con
quella onirica, allo scopo di liberare tutte le potenzialità espressive della natura umana.
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# 1 Avanguardie artistiche del XX secolo

Corso

## Storia dell'arte contemporanea A+B (804000340-2)

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## Università degli Studi di Roma Tor Vergata

Anno accademico:2018/2019

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## Avanguardie artistiche del XX secolo

### INTRODUZIONE

Le avanguardie artistiche del XX secolo hanno come dato comune una forte posizione di rifiuto e aperto
contrasto, a volte non solo artistico, con le concezioni artistiche, filosofiche, scientifiche, psicologiche e
socio-economiche vigenti. Segnano dei punti forti di rottura in un secolo che viene stravolto da due guerre
mondiali e che vede modificarsi sostanzialmente il proprio tessuto sociale e produttivo, dalla rivoluzione
industriale al postfordismo, dalla società di classi alla società dei consumi, dalla cultura elitaria alla
società mediatica. In questo breve excursus tra le correnti artistiche del ‘900, ho tentato di evidenziare
quelle che maggiormente si sono espresse in senso critico e che hanno portato alle attuali tendenze
artistiche nell’era delle tecnologie digitali.

ESPRESSIONISMO

L' Espressionismo (il primo impiego del termine appare su una rivista nel 1911) nasce e si diffonde nei
paesi di lingua tedesca tra il 1900 e il 1910, ma presto influenzerà, oltre che le arti figurative, la
letteratura, il teatro, il cinema e l’architettura in altre nazioni dell’Occidente europeo. Per Espressionismo
non si può intendere un vero e proprio progetto artistico unitario e omogeneo, così come viene
normalmente fatto quando si parla delle avanguardie storiche del Novecento, dell’organizzazione cioè in
gruppi e movimenti suggellati da manifesti programmatici, ma piuttosto di un clima culturale assai diffuso
nei primi del ' 900, come tendenza rispecchiante il panorama globale della ricerca espressiva del periodo,
comprendente molteplici esperienze e modi di essere. L' espressionismo è caratterizzato dalla
manifestazione diretta tramite il segno e il colore dell’esperienza emozionale e spirituale della realtà e
spesso del disagio interiore provocato dal contrasto tra gli ideali umani e la reale condizione dell’uomo.
Nasce in risposta all' incrinarsi degli ideali umanitari e della crisi di valori con cui l’Europa capitalistica si
trova a dover fare i conti. L' instaurarsi di nuovi metodi di produzione industriale, con la conseguente
perdita dell' economia agricola e la stravolgente e forzata urbanizzazione, porta a spaccature nell' ordine
sociale ed agli inizi della &quot;lotta di classe &quot; nelle metropoli, mentre lo svuotarsi del concetto di tradizione,
sotto la spinta dell' incalzante modernismo, porta a un senso di sradicamento dalle proprie origini che
immediatamente si ripercuote sul piano creativo, dove gli artisti e gli scrittori più sensibili colgono nella
crisi un' occasione per un mutamento dei mezzi di espressione, al fine soprattutto di utilizzare i nuovi
strumenti contro la stessa società moderna. L’Espressionismo trova le sue premesse nei pittori
dell’angoscia quali, Van Gogh, Munch, Ensor, Gauguin, molti artisti tra i quali Picasso, Chagall, Klimt,
Schiele, Kandiskij sviluppano nelle loro opere tematiche legate all’espressionismo.

### FUTURISMO

Filippo Tommaso Marinetti scrittore e teorico, dà vita al movimento futurista, al quale aderiscono tra gli
altri i pittori Boccioni, Carrà, Russolo, Severini, Balla, Depero, l’architetto Sant' Elia, il cineasta e fotografo
Bragaglia. Marinetti parte da istanze di rinnovamento di tipo letterario, pubblicando nel 1909 il Manifesto
del Futurismo su &quot;Le Figaro&quot;: &quot;... fondiamo oggi il Futurismo, perché vogliamo liberare questo paese dalla
fetida cancrena di professori, d' archeologi, di ciceroni e d' antiquari&quot;. &quot;I tempi evolvendosi impongono
nuove realtà e rinnovati mezzi tematici, formali e linguistici in grado di rappresentarne la quintessenza.&quot;

L'ideologia del movimento coinvolge tutti i piani dell'esperienza: dall'arte alla politica, dal costume alla
morale, basata su una fede nel primato della vita, della creatività e dell'azione, oltre la ragione e i passati
sistemi di pensiero, infatti il movimento nasce come violenta polemica contro il tradizionalismo culturale,
borghese e benpensante. I manifesti vengono considerati i fondamentali mezzi di comunicazione
privilegiati per la diffusione di nuovi valori estetici e comportamentali al punto che dal 1909 al 1916 ne
vengono resi pubblici oltre cinquanta sui più disparati argomenti. Il Manifesto Tecnico della Pittura
Futurista enuncia: &quot;... Il gesto, per noi, non sarà più un momento fermato dal dinamismo universale: sarà,
decisamente, la sensazione dinamica esternata come tale. Tutto si muove, tutto corre, tutto volge rapido.
Una figura non è mai stabile davanti a noi, ma appare e scompare incessantemente&quot;... &quot;I pittori ci hanno
sempre mostrato cose e persone poste davanti a noi. Noi vorremmo lo spettatore nel centro del quadro&quot;.
Il movimento, il gesto e la parola entrano nell'opera non come realtà fissate in un attimo irripetibile come
nell'impressionismo, ma nel loro ripetersi, nella progressione del loro divenire, costituendosi in un nuovo
linguaggio dinamico e esplosivo. Accanto alla poesia e alla pittura sono presenti opere di scultura
(Boccioni e Balla), il rinnovamento della nozione musicale con i Manifesti (1913-14) e la scrittura sonora di

Pratella e Russolo e una intensa attività teatrale improntata all’improvvisa invenzione scenica e al teatro
dell’immagine.

Lo scoppio della prima guerra mondiale vede la poetica futurista impegnata nell'esaltazione della lotta e
nell'ideologia interventista, legate ad una precisa volontà di &quot;rigenerare&quot; il mondo secondo i nuovi ritmi
dettati dalla produzione industriale e i miti della macchina. Successivamente del movimento fecero parte
artisti coinvolti in prima persona nella politica culturale fascista come Sironi o altri massimi rappresentanti
del ritorno all'ordine propugnato da quel regime.

CUBISMO

Il Cubismo nasce a Parigi nel primo decennio del '900 a partire dalle innovazioni formali di Picasso e
Braque. È il critico Vauxcelles che, recensendo una serie di paesaggi di Braque, riprende un’espressione
di Matisse e parla della tendenza del pittore a ridurre tutto a cubi; il termine si diffonde e finisce per
indicare il nuovo movimento. I precedenti culturali del Cubismo sono individuati nella ricostruzione della
natura e dello spazio per mezzo dei volumi da parte di Cezanne, e nella progressiva ricerca di una
rappresentazione, volta a rivelare visivamente l'essenza delle cose con una forte tendenza all'astrazione
dall'apparenza da parte dei postimpressionisti; a questi fattori si può aggiungere il diffondersi della
conoscenza dell'essenzialità primitiva e svincolata dall'ambiente, così come si ricava dallo studio dell'arte
nera e la via aperta dagli impressionisti e dai fauves nel processo di distruzione della prospettiva.

L'elemento caratterizzante del Cubismo è l'abbandono dell'unico punto di vista e della collocazione
statica delle cose nello spazio, a favore della scomposizione e della fusione di ogni punto di vista e ogni
piano del reale, l’unicità del punto di vista, i piani intermedi e di fondo vengono annullati in un unico
processo di scomposizione, l’intento non è più quello di esprimere l’oggetto nella sua collocazione
spaziale, ma quello di dare una simultaneità di visione a tutti gli aspetti esprimibili.

Nella ricerca artistica si riflette il senso della relatività della conoscenza seguito alla crisi del positivismo.
È la molteplicità del punto di vista il punto focale a cui giunge l'arte contemporanea a partire dall'opera di
Cezanne: ogni persona non è mai ferma dinanzi agli oggetti della realtà, ma si muove nello spazio,
creando una sintesi tra la moltitudine di immagini che l'occhio gli fornisce; lo stesso sguardo non è mai
immobile, ma in continuo movimento: sposta in continuazione il suo raggio di azione per percepire e
ricostruire, attraverso vari tentativi, volumi, piani, superfici, cavità, ecc. è un'idea di quadro che va
modificandosi, nel tentativo di superare il grande limite dell'illusione di un mondo piatto, a due
dimensioni, per giungere a una rappresentazione delle cose nella loro interezza. L’esperienza di
moltiplicazione dei punti di vista dell'arte offre spezzoni di linguaggio nella letteratura (la prosa di James
Joyce e di Virginia Woolf), e in ambito musicale allarga le forme sonore consuete (Igor Stravinsky).

In una prima fase il Cubismo si basa su un’elaborazione formale volta alla scomposizione dei piani
semplici, alla quale segue il Cubismo analitico in cui il reale non è solo visto da più prospettive, ma si
smembra con la scomposizione dei piani. Infine il Cubismo sintetico ricompone l'oggetto in una nuova
visione organizzata ormai senza relazione con le limitative leggi spazio-temporali della tradizione.

Con l'esperienza cubista Picasso porta a compimento il discorso iniziato da Cezanne e, mentre giunge a
dichiarare apertamente la totale autonomia della rappresentazione rispetto al rappresentato, che diviene
un pretesto, un semplice punto di partenza del processo di scomposizione dell'oggetto o punto di arrivo
della sua ricostruzione attraverso i puri strumenti formali del linguaggio dell'arte, mantiene sempre un
ferreo rapporto con il contenuto e i valori comunicativi dell'opera, che avrà l'apice in un dipinto come
&quot;Guernica&quot; (1937).

### ASTRATTISMO

L’astrattismo abbandona la riproduzione del reale per giungere alla più profonda elaborazione formale
del linguaggio visivo, allontanandosi da ogni riferimento al mondo esterno e fondando le regole del
proprio linguaggio su elementi interni alla forma, capaci di giungere alla vera essenza delle cose, alla
struttura più profonda delle forze della natura. L'Astrattismo parte dalle premesse teoriche e culturali del
simbolismo, con la sua sintesi decorativa e il valore espressivo dato alla forma e al colore, dalle
deformazioni fauves e dalle scomposizioni cubiste, sviluppandosi tra una direzione espressivo-simbolica,
che presta massima attenzione agli aspetti emotivo-psicologici del colore e al ritmo prodotto dai rapporti
di forze in atto nel campo o nella visione, e una matematico-razionale, tendente alla massima
depurazione della forma, individuata nella pura astrazione geometrica. I principali esponenti
dell'astrattismo come corrente d'avanguardia storica sono Kandinskij, primo teorizzatore della tendenza e
autore già nel 1910 del primo acquerello in forma totalmente non oggettiva; Klee, che approfondì in senso

Nasce in Francia negli anni Venti, definito nelle sue linee programmatiche dallo scrittore André Breton nel
&quot;Primo manifesto surrealista&quot; del 1924 nel quale si afferma la volontà di saldare la realtà storica con
quella onirica, allo scopo di liberare tutte le potenzialità espressive della natura umana.

I surrealisti tentano la rielaborazione in chiave creativa del pensiero psicoanalitico, determinante per gli
sviluppi delle loro opere e della teoria del movimento. La psicoanalisi, nel suo compito di liberazione e
svelamento delle forze dell'inconscio, dei tabù e delle costrizioni che la coscienza troppo rigida impone
alla personalità soprattutto nella sfera sessuale, dà l'impulso principale al progetto surrealista di
rifondazione dei veri aspetti dell'esistenza umana, proprio a partire da un atto di liberazione da qualunque
consapevolezza razionale e culturale che non permetta il libero accesso e l'immediata trasposizione della
fantasia sulla mano che guida il realizzarsi dell'opera d'arte.

La poetica surrealista si rivolge all'inconscio, ma ha come obiettivo ultimo un cambiamento della
coscienza e della società. Conseguente a ciò è l'impegno dei surrealisti nella politica, la loro iscrizione alla
Terza Internazionale Socialista, il nome significativo dato alla loro rivista &quot;Révolution surrealiste&quot;, poi
divenuto &quot;Le surrealisme au service de la révolution&quot;.

Le pratiche dada hanno una diretta influenza su quelle surrealiste della scrittura automatica e della
creazione affidata alla provocazione del caso. I surrealisti infatti inizialmente tentano di assumere a
metodo il concetto di automatismo psichico; ciò avviene soprattutto attraverso prove di &quot;scrittura
automatica&quot; con la quale si intende l'operare dell'artista che procede secondo un'immediata
corrispondenza tra inconscio e azione pittorica.

Rappresentanti maggiori del movimento sono, oltre al teorico del gruppo Breton, Ernst, Masson, Magritte,
Delvaux, Mirò e Dalì. Periodi, influenze o esiti del surrealismo si hanno anche in Picasso, Arp, Klee, Man
Ray, Moore.

### INFORMALE

È una tendenza artistica che si afferma in Europa, America e Giappone agli inizi degli anni ’50. Assume
più il carattere di una tendenza artistica, che di una vera e propria corrente, ed è espressione del clima di
sfiducia nei valori conoscitivi razionali scaturito dalla seconda guerra mondiale.

Si riallaccia all’impressionismo (al punto di venir anche definito impressionismo astratto), all’esperienza
dadaista per ciò che riguarda il rifiuto della cultura, al surrealismo per gli aspetti di liberazione e
valorizzazione dell’inconscio, e all’espressionismo per la violenza diretta delle immagini come espressione
diretta del profondo.

Dal rifiuto della ragione, che si traduce sul piano artistico nel rifiuto della forma, sia figurativa sia non
figurativa, emerge la coincidenza dell’atto creativo con l’agire e con l’essere. Le forme espressive
vengono investite dalla più profonda crisi che investe questo periodo storico, la linea, il colore, la figura
perdono di significatività in favore dell’esplorazione delle possibilità espressive della materia che l’artista
manipola e trasforma in opera d’arte.

Le opere sono costituite con colori usati spesso sotto forma di pasta, scagliati sulle tele, ma anche su
altre superfici, utilizzati a macchie, con sacchi di juta, legni bruciati.

Alla ricerca sulla materia si affianca quella sul segno non più utilizzato per costituire e rappresentare
forme e immagini, ma completamente sprovvisto di significato.

È la rappresentazione del mondo distrutto, del crollo dei valori, della demolizione fisica, sociale e
psicologica post bellica che emerge dalle opere degli artisti informali.

I principali esponenti della tendenza Informale sono: Fautrier, Tapies, Dubuffet, Burri, Wols, Hartung,
Michaux, Mathieu, Soulages, Vedova, Afro, Birolli, e in Giappone il gruppo Gutaj.

### POP ART

La Pop Art ha le sue origini nel dibattito avviato in Inghilterra nei primi anni '50 sulla comunicazione di
massa e sulle immagini a essa collegate. Il termine deriva dall'abbreviazione di &quot;popular art&quot; di cui una
prima definizione dà l'artista inglese Richard Hamilton nel 1957 riferendosi alla &quot;popular imagery&quot;,
l'insieme delle immagini di grande consumo nella società industriale.

Si basa sull'uso di una iconografia fortemente derivata dalla realtà e soprattutto dall'immaginario
popolare urbano contemporaneo, dalla società dei consumi e della comunicazione di massa.

Scrive nel 1965 Roy Lichtenstein: &quot;Da Cezanne l'arte è diventata estremamente romantica e irrealistica,
si è nutrita di arte, si è trasformata in una utopia. Ha avuto sempre meno a che fare con il mondo, guarda
al di dentro... Fuori c'è il mondo. L'arte Pop guarda fuori, al mondo; mostra di accettare il suo ambiente, il
che non è bene né male, ma soltanto segno di un atteggiamento diverso&quot;.

L'artista pop decide che nel suo lavoro è prioritaria la coincidenza tra arte e vita e, rompendo ogni
barriera tra l'ambito artistico e la subcultura, diffusasi attraverso il linguaggio dei media, la eleva
conferendole dignità estetica. Questo atto è compiuto non per assumere posizione critica o di
contestazione, ma accettando la realtà del sistema. Il livellamento culturale e ideologico prodotto dai
massmedia che propongono immagini facilmente comprensibili da tutti non viene contestato, ma anzi
accettato, ribadito e messo in risalto. La Pop Art ha un rapporto complesso, a volte ambiguo, con la realtà
sociale contemporanea, ma ha avuto un effetto notevole nel pubblico e ha facilitato l'accettazione di
forme d'arte non legate alla tradizione, ma più vicine alla capacità di assorbimento culturale delle masse
di quanto non lo siano state le contemporanee esperienze astratte, visuali e ambientali.

Paradossalmente, la pop art appare come la più grande apologia del sistema dei consumi, che si propone
però di smascherare e demitizzare attraverso un'operazione ironico-dissacratoria. Il carattere
apparentemente apologetico si manifesta nella presentazione di tutti gli oggetti di più largo consumo e di
più banale uso, in primo luogo il cibo confezionato, nel loro aspetto più rigogliosamente appariscente e
allettante, così come fanno i manifesti pubblicitari, di cui il pop riprende, denudandoli, i meccanismi di
presa sugli automatismi inconsci del pubblico medio.

### ARTE CONCETTUALE

Movimento sviluppatosi a partire dalla metà degli anni '60 a livello internazionale, basato su una
concezione dell'arte che rifiuta di identificare il lavoro dell'artista con la produzione di un qualsiasi oggetto
di più o meno rilevante qualità estetica e ritiene che l'essenza dell'arte consista invece nell'idea, nel
concetto che precede e conforma l'opera.

Le premesse di queste esperienze sono portate alle estreme conseguenze dall'arte concettuale degli anni
'60 è70: il percorso dell'idea, la riflessione teorica e filosofica, la precisazione e presentazione del
processo di formazione del pensiero, l'azione linguistica, vengono posti in primo piano rispetto al risultato
materiale di tale azione che viene considerato come pura esemplificazione fisica del linguaggio. Gli anni
'60 e parte degli anni '70 sono animati da una forte istanza di rinnovamento politico e morale che
parallelamente al movimento studentesco e operaio prende anche il settore delle arti.

L'opposizione al sistema è l'atteggiamento corrente e la ricerca spontanea di soluzioni alternative si
manifesta in più direzioni prevalentemente nel segno della libertà e della sperimentazione del nuovo,
svincolata da qualsiasi ancoraggio a principi precostituiti di autorità culturale o etica. La ricerca è
condotta a rifondare la comprensione della realtà partendo dalla demistificazione di tutte le pratiche
rappresentative e dando campo libero al pensiero per indagare l'essenza delle cose e delle relazioni tra
esse. La coerenza e il rigore di tale atteggiamento porta alla presa di distanza dai tradizionali mezzi
espressivi dell'arte, pittura e scultura.

L'impostazione teorica del concettualismo coinvolge anche la condizione operativa dell'artista in quanto
elemento di un contesto sociale. Il suo impegno si articola così da una parte in un riesame completo della
natura dell'arte al di là dell'apparenza dei suoi prodotti e dall'altra in un comportamento di chiara
opposizione nei confronti del sistema. Questi due aspetti del suo operare sono inoltre inscindibili l'uno
dall'altro.

All’interno dell’arte concettuale si sviluppano diverse tendenze: L'Arte povera, così chiamata per i
materiali usati, spesso elementi naturali o tratti dal vissuto quotidiano, ha una poetica essenzialmente

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Avanguardie artistiche del XX secolo

INTRODUZIONE

Le avanguardie artistichedelXXsecolohannocomedatocomuneunaforteposizione dirifiutoeaperto

contrasto,avoltenonsoloartistico,conleconcezioniartistiche,filosofiche,scientifiche,psicologichee

socio-economiche vigenti. Segnano dei punti forti di rottura in un secolo che viene stravolto da due guerre

mondialiechevedemodificarsisostanzialmenteilproprio tessutosocialeeproduttivo,dallarivoluzione

industrialealpostfordismo,dallasocietàdiclassiallasocietàdeiconsumi,dallaculturaelitariaalla

societàmediatica.Inquestobreveexcursustralecorrentiartistichedel‘900,hotentatodievidenziare

quellechemaggiormentesisonoespresseinsensocriticoechehannoportatoalleattualitendenze

artistiche nell’era delle tecnologie digitali.

ESPRESSIONISMO

L'Espressionismo(ilprimoimpiegodeltermine apparesuunarivistanel1911)nasceesidiffondenei

paesidilinguatedescatrail1900eil1910,maprestoinfluenzerà,oltrecheleartifigurative,la

letteratura, ilteatro,il cinema e l’architettura in altre nazioni dell’Occidente europeo. PerEspressionismo

nonsipuòintendereunveroeproprioprogettoartisticounitarioeomogeneo,cosìcomeviene

normalmente fattoquandosiparladelleavanguardiestorichedelNovecento, dell’organizzazionecioèin

gruppi e movimenti suggellati da manifesti programmatici, ma piuttosto di un clima culturale assai diffuso

nei primi del ' 900, come tendenza rispecchiante il panorama globale della ricerca espressiva del periodo,

comprendentemoltepliciesperienzeemodidiessere.L'espressionismoècaratterizzatodalla

manifestazionedirettatramiteilsegnoeilcoloredell’esperienzaemozionaleespiritualedellarealtàe

spessodeldisagiointerioreprovocatodalcontrastotragliidealiumanielarealecondizionedell’uomo.

Nasceinrispostaall'incrinarsidegliidealiumanitarie dellacrisidivaloriconcuil’Europa capitalisticasi

trovaadoverfareiconti.L'instaurarsidinuovimetodidiproduzioneindustriale,conlaconseguente

perdita dell' economia agricolaela stravolgente eforzata urbanizzazione,porta aspaccature nell'ordine

socialeedagliinizidella "lottadiclasse" nellemetropoli, mentrelosvuotarsidelconcetto ditradizione,

sottolaspintadell'incalzantemodernismo,portaaunsensodisradicamentodalleproprieoriginiche

immediatamentesiripercuotesulpianocreativo,dovegliartistiegliscrittoripiùsensibilicolgononella

crisiun'occasioneperunmutamentodeimezzidiespressione,alfinesoprattuttodiutilizzareinuovi

strumenticontrolastessasocietàmoderna.L’Espressionismotrovalesuepremesseneipittori

dell’angosciaquali,VanGogh,Munch,Ensor,Gauguin,moltiartistitraiqualiPicasso,Chagall,Klimt,

Schiele, Kandiskij sviluppano nelle loro opere tematiche legate all’espressionismo.

FUTURISMO

FilippoTommasoMarinettiscrittoreeteorico,dàvitaalmovimentofuturista,alqualeaderisconotragli

altri i pittori Boccioni, Carrà, Russolo, Severini, Balla, Depero, l’architetto Sant' Elia, il cineasta efotografo

Bragaglia.  Marinetti parte da istanze di rinnovamento di tipo letterario, pubblicando nel 1909 il Manifesto

del Futurismosu"Le Figaro": "...fondiamooggi ilFuturismo,perché vogliamoliberare questopaesedalla

fetidacancrenadiprofessori,d'archeologi,diciceronied'antiquari"."Itempievolvendosiimpongono

nuove realtà e rinnovati mezzi tematici, formali e linguistici in grado di rappresentarne la quintessenza."

L'ideologiadelmovimentocoinvolgetuttiipianidell'esperienza:dall'arteallapolitica,dalcostumealla

morale, basata su una fede nel primato della vita, della creatività e dell'azione, oltre la ragione e i passati

sistemi dipensiero, infattiil movimentonascecome violentapolemica contro iltradizionalismo culturale,

borgheseebenpensante.Imanifestivengonoconsideratiifondamentalimezzidicomunicazione

privilegiatiperladiffusionedinuovivaloriesteticiecomportamentalialpuntochedal1909al1916ne

vengonoresipubblicioltrecinquantasuipiùdisparatiargomenti.IlManifestoTecnicodellaPittura

Futurista enuncia: "... Il gesto, per noi, non sarà più un momento fermato dal dinamismo universale: sarà,

decisamente, la sensazione dinamica esternata come tale.Tutto si muove, tutto corre, tutto volge rapido.

Una figuranonè maistabiledavanti anoi,maappare escompare incessantemente"... "I pittorici hanno

sempre mostrato cose epersone poste davanti anoi. Noivorremmolospettatore nel centro del quadro".

Il movimento, il gesto e la parola entrano nell'opera non come realtà fissate in un attimo irripetibile come

nell'impressionismo,manellororipetersi,nellaprogressionedelloro divenire,costituendosi inun nuovo

linguaggiodinamicoeesplosivo.Accantoallapoesiaeallapitturasonopresentioperediscultura

(Boccioni e Balla), il rinnovamento della nozione musicale con i Manifesti (1913-14) e la scrittura sonora di

Pratella eRussoloeunaintensa attivitàteatraleimprontata all’improvvisa invenzionescenicaealteatro

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