이 논문은 ‘추상양식’으로 본 이성자(李聖子, Seundja Rhee, 1918-2009년) 판화세계의 특징과 의미를 고찰한다. 다수의 회화 작품이 있지만, 이 논문에서는 판화작품 위주로 크게는 1957-2008년 까지를 전기 판화와 후기 판화로 나누어 살펴보고 시대별 주요작품을 선별하여 특징적인 작품을 재해석해 보고자 한다. 전기 판화와 후기 판화구분은 1981년 자크 마솔 화랑에서 개최된 ‘극지로 가는 길’ 전시를 기점으로 나누었다. 1950년대부터 1980년대 초까지는 나무라는 매체와 적응하는 시기였고 주제도 가족에 대한 그리움이 저변에 깔려 있었기 때문에 전기 판화로 구분하고 ‘대지 시대’, ‘나무의 자유 시대’, ‘도시 시대’, ‘투명한 대기 시대’로 세부적으로 나누었다. 1982년-2008년 까지는 후기 판화로 구분하였고 공간을 최대로 확대한 추상작품을 했던 시기로 나무의 변신 시대, 롤러의 출현 시대, 목판화와 시(詩) 시대로 세부적으로 나누었다. 초기 작품 〈풀을 위한 구성〉 [그림 1]은 주로 자유롭고 조각도의 거친 터치와 두꺼운 잉크의 밀도가 있는 것으로 스탠리 윌리엄 헤이터(Stanley William Hayter, 1901-1988)의 추상적 판화를 접하면서 한판다색법 헤이터기법의 영향을 받은 것으로 보인다. 이성자는 회화와 판화를 동일시하여 상호보완적인 작품을 제작하였기 때문에 매체나 기법에서 서로 간에 연결성을 보이는 작업형태를 보이고 있으며 유화나 수채화의 정신적인 부분, 판화의 육체적인 노력 부분이 합쳐진 것이라고 할 수 있다. 회화 ‘극지로 가는 길’, ‘우주’ 시리즈 작품 후에도 〈어린 날의 과수원〉, 〈시선〉등의 판화작품에서는 긴 시간 동안 작품을 한 작가의 심리적, 시대적인 흐름의 변화를 살펴볼 수 있다. 또한 1965년 서울대학교 교수회관 전시로 인해 재료나 기법이 다채롭고 풍부해졌으며 한국에 있는 가족과 재회한 것도 작품제작에 강한 영향을 미쳤다고 할 수 있다. 1975년 상파울루 비엔날레전시는 새로운 작품으로 변화하는 시도였고 그 후 지구를 두 개로 자른 원, 음과 양으로 정의하고 작품의 주제로 하였다. 1981년 이후부터 2008년 작고할 때까지 후기 작품에서는 판화의 재료와 기법에서 독창성이 확연하게 드러난다. 그는 프랑스에서 활동하였기 때문에 국내에는 잘 알려지지 않았고 많은 조명을 받지는 못했으나 이성자의 작품이 갖는 한국 현대 판화사적 의미는 당시 유학이 흔하지 않던 시기에 프랑스에 거주하면서도 한국적인 소재를 작품에 적응함으로써 고국에 대한 그리움을 표현하였을 뿐만 아니라 동양과 서양의 요소를 융합하여 동서양의 교류를 가져왔다는 점에서 의의가 깊다. ‘음과 양’을 주제로 한 작품은 현대에 와서 재료와 기법 부분에서도 다양성과 독자성이 인정되어 작품의 개념과 심리적인 부분까지도 한국의 미술사적 의미로 부각되고 있다. 많은 수의 ‘추상양식’ 판화작품은 2018년 열린 『이성자: 지구 반대편으로 가는 길』 국립현대미술관 전시를 계기로 다시 조명되고 있다. 따라서 이 논문에서는 이성자의 ‘추상양식’ 판화작품의 시대적 변천사와 조형적, 기법적 특징에 따른 의미를 재해석해 볼 수 있을 것이다.
본고는 ‘추상양식’으로 본 이성자(李聖子, Seundja Rhee, 1918-2009년) 판화세계의 특징과 의미를 분석한다. 다수의 회화 작품이 있고, 이 논문에서는 판화작품 위주로 크게는 1957-2008년 까지를 전기 판화와 후기 판화로 나누어 살펴보았고 시대별 주요작품을 선별하여 특징적인 작품을 재해석 하였다.